Abstraktion / Abstraktionismus

In der bildenden Kunst bezeichnet er nicht-gegenständliche künstlerische Produktionen, die sich von der Idee der Kunst als Nachahmung der Natur und der Welt entfernen, das heißt, sie versuchen nicht, erkennbare Aspekte der konkreten und objektiven Realität darzustellen. Kunstwerke entstehen durch unterschiedliche Artikulationsstrategien zwischen visuellen Elementen (Volumen, Farben, Linien etc.). Der Abstraktionismus entstand zu Beginn des XNUMX. Jahrhunderts und führte zu verschiedenen Bewegungen und Tendenzen: Einige von ihnen, wie der informelle Abstraktionismus, sind stärker mit dem persönlichen Ausdruck, den Gefühlen und Emotionen des Künstlers verbunden und werden auf freiere Weise verwendet; Dieser Aspekt kann auch als organische Abstraktion bezeichnet werden, da der Künstler abgerundete oder gewundene Formen verwenden kann, die in den Konturen der Natur vorhanden sind. Andere Bewegungen, wie der geometrische Abstraktionismus, haben einen eher rationalistischen Inhalt und artikulieren sich um die Verwendung von Aspekten der Geometrie wie Linie, Ebene, Punkt usw.

Akademie

Bezeichnet allgemein die ab dem 1816. Jahrhundert in Europa gegründeten Kunstschulen, die den formalen Kunstunterricht auf der Grundlage von künstlerischen Stilen vorschlugen, die sich hauptsächlich an neoklassizistischen Prinzipien orientierten, die von der klassischen griechisch-römischen Kunst abgeleitet waren. In Brasilien breitete sich die akademische künstlerische Produktion mit der Ankunft der französischen künstlerischen Mission (1826) aus, etablierte sich jedoch effektiv mit der Lehre der XNUMX in Rio de Janeiro gegründeten Kaiserlichen Akademie der Schönen Künste.

Kaiserliche Akademie der bildenden Künste (AIBA)

Es wurde 1826 in Rio de Janeiro gegründet und formalisierte den formalen Kunstunterricht nach dem Vorbild europäischer Akademien. Es hatte die Anwesenheit einiger Künstlerlehrer, die 1816 mit der französischen künstlerischen Mission ankamen und die erloschene Königliche Schule für Wissenschaften, Künste und Handwerk gründeten, die von Dom João VI im Rahmen seiner Projekte zur Strukturierung des portugiesischen Staates in Brasilien gegründet wurde. Während der zweiten Regierungszeit strukturierte AIBA verschiedene Arten von Kursen. Zwischen 1840 und 1884 veranstaltete es die Allgemeinen Ausstellungen der Schönen Künste, die die Teilnahme von Künstlern außerhalb der akademischen Welt ermöglichten. Es hat auch den Auslandsreisepreis eingeführt, damit die Studenten Kontakt zu den Meistern der europäischen Akademien haben können. AIBA bestand bis zum Ende des Imperiums im Jahr 1889, als sein Name geändert wurde. Derzeit ist es als eine Einheit der Bundesuniversität von Rio de Janeiro konfiguriert und heißt School of Fine Arts.

Julian Academy

Berühmte Kunstschule, die 1839 vom französischen Maler Rodolphe Julian (1907-1867) in Paris gegründet wurde. Sie besuchten unter anderem Maler wie Pierre Bonnard, Maurice Denis, Henri Matisse, André Derain, Fernand Léger und Marcel Duchamp. Es fungierte als eine Art Vorbereitung auf die Aufnahmeprüfungen an der traditionellen französischen Akademie, der Académie des Beaux-Arts (Schule der Schönen Künste), und begrüßte seit dem Ende des XNUMX. Jahrhunderts Laienkünstler, Frauen und Ausländer unter seinen Studenten . Mehrere brasilianische Künstler haben es durchlaufen, darunter Rodolfo Amoedo, Benedito Calixto, João Batista da Costa, Emmanuel Zamor, Henrique Bernardelli, Belmiro de Almeida, Eduardo de Sá, Eliseu Visconti und in den ersten Jahrzehnten des XNUMX. Jahrhunderts Julieta de França , Theodoro Braga, Nicolina Vaz de Assis, Fédora do Rego Monteiro, Lucílio de Albuquerque und seine Frau, Georgina de Albuquerque, Ismael Nery, Tarsila do Amaral und Vicente do Rego Monteiro, unter anderem.

Sammlung

Man kann es auch Sammeln nennen. Es bezieht sich auf eine Reihe von Gegenständen, ob natürlich oder künstlich (Bücher, Dokumente, Kunstwerke, Zeugnisse, historische Stücke, botanische Stücke usw.), die vorübergehend oder dauerhaft von ihren üblichen Funktionen entfernt werden und besondere Pflege und besonderen Schutz erhalten . Somit werden die Elemente, aus denen eine Sammlung oder Sammlung besteht, von einer Einzelperson oder einer Institution ausgewählt, klassifiziert, organisiert und bewahrt, die sie normalerweise der Öffentlichkeit zeigen kann.

Afronachkomme

Afrikanischer Abstammung.

subnormaler Haufen

Ausdruck, der vom brasilianischen Institut für Geographie und Statistik (IBGE) verwendet wird, um eine Gruppe zu klassifizieren, die aus 51 oder mehr Wohneinheiten besteht, die keinen Eigentumstitel haben und sich in einer illegalen Situation befinden, die beispielsweise Unregelmäßigkeiten in den Verkehrswegen aufweist die Größe und die Form von Grundstücken oder sogar der fehlende Zugang zu wesentlichen öffentlichen Dienstleistungen (grundlegende sanitäre Einrichtungen, Strom und öffentliche Beleuchtung). Beispiele für diese Art von irregulärem Wohnen sind unter anderem Slums, Villen, Höhlen, Tiefland, Invasionen, Hütten und Pfahlbauten.

AI-5 (Institutionelles Gesetz Nr. 5)

Dekret, das vom 13 bis zum 12 in Brasilien in Kraft war und die sogenannte „harte Linie“ der Militärdiktatur bekräftigte, indem es Herrschern außergewöhnliche Befugnisse einräumte, Menschen, deren Haltung als widersprüchlich galt, willkürlich zu verfolgen und zu bestrafen zum Militärregime. Durch AI1968 verfügte das Regime beispielsweise die Schließung des Nationalkongresses und die Annullierung parlamentarischer Mandate, erlaubte Interventionen der Bundesregierung in den Staaten, verbot Versammlungen politischer Art, suspendierte die politischen Rechte der Bürger ohne Begründung und führte unter anderem eine Vorzensur der unterschiedlichen künstlerischen Ausdrucksformen ein.

Albert gleizes

(Paris, Frankreich, 1881 – Avignon, Frankreich, 1953)
Französischer Maler und Schriftsteller. Er arbeitete zunächst im Designstudio seines Vaters. Zwischen
1901 und 1905 begann er während seines Militärdienstes regelmäßig soziale Themen zu malen. Er stellte seine Arbeiten damals in französischen Ausstellungen aus, wie dem Salon des Artistes Independants und dem Salon d'Autumn. 1912 lernte er Pablo Picasso kennen, einen wichtigen kubistischen Künstler, der für seine Studien zur Räumlichkeit seiner Kompositionen und für seine Darstellungen der Natur durch geometrische Formen wie Kegel, Kugeln und Zylinder bekannt war. Im selben Jahr veröffentlichte Gleizes in Zusammenarbeit mit Jean Metzinger das Buch Du Cubisme, ein wichtiges Werk zur theoretischen Grundlage der kubistischen Bewegung. Seine Werke hatten bis 1915, als er erneut in der Armee diente, kubistische Aspekte; seine Produktion wurde dann abstrakt. Ab 1918 übernahmen mystische und religiöse Themen die künstlerischen und literarischen Vorschläge des Künstlers.

Alberto da Veiga Guignard

(Rio de Janeiro, Brasilien, 1896 – Belo Horizonte, Brasilien, 1962) Maler, Zeichner, Graveur, Illustrator und Lehrer. Zwischen Ende der 1910er und dem folgenden Jahrzehnt verbrachte er einen Studienaufenthalt in Europa. Zurück in Brasilien arbeitete er in den 1930er Jahren in Rio de Janeiro. Er wurde 1944 vom damaligen Bürgermeister von Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek, eingeladen, eine Kunstschule zu gründen, die später seinen Namen tragen sollte und heute der Landesregierung gehört. Guignard hat ein umfangreiches Werk geschaffen, darunter Porträts, Stillleben, religiöse Motive, Landschaften und florale Themen mit wiederkehrendem dekorativem Charakter und Aspekten der fantastischen Ordnung. Auch die historischen Städte Minas Gerais, insbesondere Ouro Preto, haben den Künstler stark inspiriert.

Allegorie

Wird häufig in der Literatur und der bildenden Kunst verwendet. Bezieht sich auf Darstellungen von Ideen, Gedanken oder Eigenschaften in Form von Figuren. Diese Figuren sind normalerweise Gemälde oder Skulpturen und stellen humanisierte Charaktere dar, die an ihren Attributen oder Merkmalen erkennbar sind, die abstrakte Ideen und Konzepte übersetzen. Ein Beispiel für eine Allegorie ist die der Gerechtigkeit, personifiziert durch das Bild einer Frau, die eine Waage und ein Schwert hält und eine Augenbinde über den Augen hat, was die erwarteten Eigenschaften der Gerechtigkeit symbolisiert, nämlich Gleichgewicht, Gewichtung, Unparteilichkeit und die korrekte Ausführung von Entscheidungen Federn.

Mehrdeutigkeit

Qualität von etwas, das mehr als eine Bedeutung annehmen kann, etwas Ungenaues, das mehrere Interpretationen zulässt, auch widersprüchliche.

André Lhote

(Bordeaux, Frankreich, 1885 – Paris, Frankreich, 1962)
Er begann seine künstlerische Laufbahn als Bildhauer und besuchte die School of Fine Arts in
Bordeaux, wo er auch zu malen begann. 1905 begann er, sich nur noch der Malerei zu widmen und näherte sich dem damals aufkommenden Kubismus, der nach neuen Wegen der visuellen Darstellung suchte, indem er beispielsweise Formen und Objekte anderer Kulturen als Europas verwendete. Lhote erwarb sogar afrikanische Masken, neben anderen Stücken, die er in seinen künstlerischen Studien verwendete.
Er war auch als Lehrer sehr einflussreich und gründete 1925 die André-Lhote-Akademie, an der er bis zu seinem Lebensende arbeitete. Er war Autor mehrerer Bücher und Schriften zur Kunst, die in Katalogen veröffentlicht wurden.

Andy Warhol

(Pennsylvania, USA, 1928 – New York, USA – 1987)
Er ist einer der bekanntesten Namen in der Pop-Art, einer Bewegung, die in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren in England und den Vereinigten Staaten entstand und die durch die Verwendung von Bildern und Referenzen aus der Massenkultur wie dem Fernsehen gekennzeichnet ist und Werbung. Andy Warhol ist vielleicht der Künstler, der die Grenzen der Pop-Art am meisten ausgelotet hat. Seine künstlerische Produktion suggeriert eine Mischung aus Kritik und Verzauberung mit der Unterhaltungskultur, in der alles zum Spektakel wird. Durch die Verwendung ursprünglich kommerzieller Bildreproduktionsmittel wie Siebdrucke verwandelte Warhol sein eigenes Werk in ein Produkt für den Massenkonsum. Diese Ideen erstreckten sich auf sein Atelier, das Fábrica hieß und in einem futuristischen Stil, der sich auf Industriemaschinen bezog, silbern gestrichen war. Er verwendete immer wieder sowohl Bilder von Prominenten wie Marilyn Monroe als auch Alltagsprodukte wie Campbell-Suppen und hinterfragte die Standardisierung des Konsums und den Geschmack der Menschen. Auch seine eigene Person des öffentlichen Lebens war auf sehr eigentümliche Weise konstituiert und wurde in seinen Werken erforscht; Der Künstler hatte sogar eine TV-Show.

Anita Malfati

(Sao Paulo, Brasilien, 1896 – Sao Paulo, Brasilien, 1964)
Brasilianische Malerin, die 1917 in São Paulo eine Einzelausstellung mit Werken veranstaltete, die während ihrer Studienzeit in Europa und den Vereinigten Staaten entstanden. Diese Arbeiten folgten den Prinzipien der modernen Kunst und suchten nach neuen Ausdrucksformen, indem sie unter anderem mit leuchtenden Farben, unterschiedlichen räumlichen Organisationsschemata und einer Vielzahl dargestellter Figuren mit den Regeln der bis dahin betriebenen akademischen figurativen Malerei brachen. Die Ausstellung löste Kontroversen aus und begann die Debatte über die Moderne in der Kunst und bereitete den Boden für die Woche der modernen Kunst 1922. Anita erhielt ein Stipendium der Pensionato Artístico do Estado de São Paulo und studierte zwischen 1923 und 1928, als er anfing, in Paris Arbeiten mit akademischen Tendenzen zu produzieren, die zu den klassischen Standards realistischer figurativer Darstellung zurückkehren.

Antikunst

Ideal, das die Definitionen und Funktionen der Kunst als Produzentin von Objekten/Waren oder eines bestimmten Sinns für Schönheit aufbrechen – oder erweitern – wollte. Es entstand 1913 innerhalb der dadaistischen Bewegung in Europa und wurde in den 1960er Jahren in Reden gegen die Konsumgesellschaft, bürgerlich-materialistische Werte und die institutionellen und offiziellen Systeme der Künste wieder aufgenommen.

Antilogie

Etwas, das mit der Idee einer einzigen und absoluten Wahrheit bricht und eine Konfrontation gegensätzlicher Gedanken, Urteile und Argumente begünstigt, die zwar widersprüchlich, aber gleichwertig sind und daher zur Formulierung neuer Wahrheiten beitragen.

Antonio de Oliveira Salazar

(Portugal, 1889 – Portugal, 1970)
Portugiesischer Politiker und ordentlicher Professor an der Universität von Coimbra. Er übernahm 1926 und dann zwischen 1928 und 1932 das Amt des Finanzministers. Er errichtete in Portugal den Estado Novo, ein nationalistisches und diktatorisches politisches Regime, das seine Regeln der Bevölkerung in starrer Weise auferlegte, demokratische Freiheiten durch Zensur einschränkte und Repression. Dieses Regime, auch als Salazarismus bekannt, dauerte 41 Jahre, von 1933 bis 1974, als es von der Nelkenrevolution oder Aprilrevolution gestürzt wurde, die den Prozess der Einführung des demokratischen politischen Regimes im Land einleitete.

Anthropophagie

Brasilianische künstlerische und literarische Bewegung, initiiert von Oswald de Andrade (1890 1954) mit der Veröffentlichung des „Manifesto Antropófilo“ im Jahr 1928 in der Revista de Antropofagia. Es wurde aus dem Gemälde mit dem Titel Abaporu (1928) von Tarsila do Amaral (1886 – 1973) abgeleitet, was auf Tupi-Guarani „Menschenfresser“ bedeutet. Die Bewegung schlug eine Neuausarbeitung des Konzepts der Anthropophagie vor – ein Begriff, der verwendet wird, um den rituellen Akt des Verzehrs von menschlichem Fleisch zu benennen, der von Menschen aus alten indianischen Kulturen durchgeführt wird – als Repräsentation des Bildungsprozesses der brasilianischen Kultur durch die Wertschätzung des Lokalen und einheimische kulturelle Aspekte, die mit der Idee der „Aufnahme“ importierter künstlerischer Formen und Trends verbunden sind, um etwas wirklich Nationales zu produzieren.

Anthroposophie

Der Begriff griechischen Ursprungs bedeutet „Erkenntnis des Menschen“. Es bezieht sich auf eine philosophische und spirituelle Strömung, die 1861 vom österreichischen Denker Rudolf Steiner (1925-1912) begründet wurde. Sie besteht aus einer Methode der Natur-, Menschen- und Universumserkenntnis, die herkömmliche wissenschaftliche Methoden erweitert und die Bereiche des Glaubens und des Glaubens neu verbindet Wissenschaft. Sie hatte Folgen in mehreren Bereichen, unter anderem in der Medizin, der Pädagogik (mit den Waldorfschulen) und der Landwirtschaft.

Aneignung

Der Begriff wird im Allgemeinen verwendet, um die Einbeziehung von Nichtkunstobjekten oder -bildern oder anderen Kunstwerken in Kunstwerke zu bezeichnen. Als Ressource, die in der zeitgenössischen Kunst häufig verwendet wird, bezeichnet es den Akt der Inbesitznahme von Objekten, Bildern, Konzepten, Texten und Ideen für die Konstruktion eines Kunstwerks. Ein solcher Akt ist mit der Annäherung von Kunst und Alltag verbunden und kann sich oft auf Fragen des Kunstwerks wie Urheberschaft, Originalität und sogar Eigentum auswirken.

Begriff französischen Ursprungs, Abkürzung für arts decoratifs. Es bezieht sich auf einen dekorativen Stil, der sich in den Bereichen Bildende Kunst, Design, Möbel, Dekoration und Architektur vor allem ab den 1920er Jahren ausbreitete. Motive von Flora, Fauna und weiblichen Formen sind ebenso üblich wie formale afrikanische, aztekische, chinesische und ägyptische Elemente.

Art Nouveau

Stil, der zwischen 1890 und 1910 in Europa und den Vereinigten Staaten entstand und sich auf andere Orte der Welt ausbreitete. Inspiriert von der Natur und den geschwungenen und asymmetrischen Linien von Blumen und Tieren, mit einer starken Präsenz der Linie in Arabesken und Kurven, verbreitete es sich hauptsächlich in der angewandten Kunst: Architektur, Dekoration, Design, Grafik, Möbel usw. Schönheit wurde aufgrund der engen Verzahnung von Kunst und industrieller Serienproduktion als etwas für jedermann Erreichbares konzipiert. Moderne Materialien wie Eisen, Glas und Zement waren weit verbreitet.

Akademische Kunst

Bezieht sich auf künstlerische Produktionen, die auf der Grundlage der offiziellen Regeln der Akademien der Bildenden Künste durchgeführt werden. Ab dem 1816. Jahrhundert wurden in Europa Kunstschulen gegründet, die einen künstlerischen Stil und eine Unterrichtsweise vorschlugen, die sich an Prinzipien der klassischen Kunst orientierten. Solche Prinzipien bezogen sich zum Beispiel auf die Verwendung von Farben und Skalen mit bestimmten Maßen und Proportionen, die für Gleichgewicht und visuelle Harmonie zwischen den Elementen sorgen, aus denen die Szenen und die dargestellten Figuren bestehen; die wiederkehrenden Themen waren mythologisch und historisch. Akademische Kunst breitete sich von Frankreich an verschiedene Orte aus und diktierte die Kriterien für die lokale künstlerische Produktion. In Brasilien begann mit der Ankunft der französischen künstlerischen Mission im Jahr 1826 der Prozess der Institutionalisierung des Unterrichts akademischer Kunst mit der Gründung der Kaiserlichen Akademie der Schönen Künste in Rio de Janeiro im Jahr XNUMX als historisches Wahrzeichen.

Konzeptkunst

Ein in den 1960er Jahren entstandener künstlerischer Vorschlag, der den Ideen und Konzepten des Kunstwerks größere Bedeutung beimisst und die Relevanz seiner Materialität oder seines Ausführungsprozesses verringert. Das physische künstlerische Objekt verliert seinen Wert, und was wichtig wird, ist die Idee hinter dem Vorschlag des Künstlers. Daher ist es nicht erforderlich, dass das Projekt eines Werks von den Händen seines Autors ausgeführt wird. Der Künstler kann die Arbeit an jemanden delegieren, der über technische Fähigkeiten verfügt. Erstmals verwendet wurde der Begriff in einem Text von Henry Flynt aus dem Jahr 1961, in dem der Künstler argumentiert, dass auch Konzepte als Kunstmaterial betrachtet werden können.

Konkrete Kunst

Erstmals verwendeter Begriff 1930 in Paris in der ersten Ausgabe der gleichnamigen Zeitschrift (Art Concret). Konkrete Kunst distanziert sich in ihren Grundsätzen von jeder subjektiven, symbolischen oder gar naturbildenden Darstellung. Das Gemälde ist ausschließlich aus plastischen Elementen wie Flächen und Farben aufgebaut, die genau das bedeuten, was sie sind, und keiner Interpretation bedürfen.

Konstruktive Kunst

Siehe Konstruktivismus oder konstruktive Kunst.

Zeitgenössische Kunst

Es bezieht sich auf künstlerische Produktionen, die seit der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts bis in die Gegenwart immer wiederkehren, und hinterfragt die Bedeutungen und Definitionen von Kunst, Künstler und künstlerischem Kreis sowie andere Konzepte, die das Gebiet integrieren. Die Reflexionen und Prozesse, die damit verbunden sind
die Produktion von Kunst in den Mittelpunkt des Interesses von Künstlern gerückt, die sich oft nicht auf den Bau eines materiellen Kunstwerks konzentrieren, sondern sich mit den Konzepten und Ideen befassen, die hinter dem kreativen Prozess stehen und die in diesem Moment werden können die Arbeit selbst, auch wenn sie immateriell und nicht greifbar sind. Damit wird die bis dahin übliche Verbindung von Werken der bildenden Kunst zu den Kategorien Malerei, Skulptur, Zeichnung, Gravur und Architektur problematisiert. Diese Sprachen werden weiterhin von Künstlern verwendet, aber sie können mit neuen Formen des künstlerischen Ausdrucks vermischt werden, die mit verschiedenen Materialien und Themen experimentieren und sogar über das künstlerische Feld hinausgehen und in andere Lebens- und Wissensbereiche wie Politik, Anthropologie eintreten , Biologie, Wirtschaftswissenschaften usw. Auf diese Weise produzieren Künstler Kunstwerke aus verschiedenen Referenzen: Geräusche, geschriebene Sprache, Körperbewegungen, Holz, Steine, Pigmente, Papier, Glas, Maschinen – wie Kamera, Computer oder Camcorder –, Handlungen und Verhaltensweisen, die von ihnen ausgeführt werden Künstler und Interventionen im täglichen Leben eines beliebigen sozialen Raums (Museum, Platz, Schule), die unter anderem die Ideen des Künstlers materialisieren.

Moderne Kunst

Sie ergibt sich aus Fragen zu Vorstellungen von Realitätsrepräsentation, die mit akademischer Kunst verbunden sind. In der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts regten diese Fragen zum Nachdenken über die Konstruktion einer eigenständigen künstlerischen Sprache an (Vorschlag zum Bruch mit klassischen Themen, Überwindung der illusionistischen Raumdarstellung usw.), was zu verschiedenen Bewegungen im Zusammenhang mit der modernen Kunst führte. Zu einigen Merkmalen modernistischer Produktionen gehören die Darstellung der Natur auf der Grundlage persönlicher Eindrücke und augenblicklicher visueller Empfindungen (insbesondere aufgrund der Verbreitung der Außenmalerei), die Erweiterung der Themen der Werke - die jetzt zusätzlich zu den üblichen historischen Themen enthalten sind und Mythologische, Aspekte der Bohème (Nachtleben), urbanes Leben, Alltagsszenen des Kleinbürgertums und der Industrialisierung – und der Einsatz neuer Technologien.

neoklassizistische Kunst

Der vorherrschende künstlerische Stil im Westen von der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts bis zur Mitte des XNUMX. Jahrhunderts, der historischen Periode nach der Französischen Revolution. Es nimmt kulturelle Referenzen aus der griechisch-römischen Antike auf und interessiert sich für rationale Werte und Techniken bei der Ausarbeitung skulpturaler, malerischer und architektonischer Kompositionen. Die klassizistische Malerei und Skulptur rettet die Verwendung mythologischer und alltäglicher Themen durch naturalistische Darstellungen von Körpern, dh Nachahmungen der Natur mit einem starken ästhetischen Reiz. Die Arbeiten zeigen ein Gleichgewicht zwischen Formen und Figuren, die in einer geordneten Weise dargestellt werden und eine große Symmetrie aufweisen. Die Architektur unterstreicht auch die Harmonie klassischer Bauten, wobei griechische Säulen und römische Bögen weit verbreitet sind.

Pop Art

Eine künstlerische Bewegung, die Ende der 1950er und Anfang der XNUMXer Jahre in England und den Vereinigten Staaten entstand und durch die Verwendung von Bildern und Medien der Massenkultur wie Fernsehen und Werbung gekennzeichnet war. Die Künstler suchen populäre (Pop-)Kunst, die durch Zeichen und Symbole aus der imaginären Gegenwart der Massenkultur und des Alltags direkt mit dem Publikum kommuniziert – unter anderem in Comics und Verpackungen industrialisierter Produkte. Die Pop-Art schlug vor, die Kunstkrise des XNUMX. Jahrhunderts einzugestehen und wollte mit ihren Werken den Massenkonsum demonstrieren, zu dem auch die kapitalistische Populärkultur gehörte.

Mail-Kunst

In den 1960er Jahren breitete sich ein kollektiver, kollaborativer und internationaler künstlerischer Trend aus, in dem Künstler das Korrespondenzsystem nutzten, um ihre Kreationen auszutauschen und zu verbreiten, außerhalb der offiziellen künstlerischen Kreise zu agieren und eine mögliche Zensur ihrer Werke zu vermeiden, da viele Orte der Welt unter diktatorischen politischen Regimen lebten . Die Postleitzahlen selbst – wie Briefmarken, Postkarten, Briefumschläge, Briefmarken usw. – wurden in diese Arbeiten integriert oder unterwandert, die manchmal verschiedene künstlerische Techniken wie Zeichnen, Gravieren, Collagen, Stempeln und Xerografie auf Papier kombinierten. Letzteres war aufgrund der einfachen Reproduzierbarkeit von Bildern und Texten per Xerox perfekt für die Bewegung geeignet.

Arte Povera

Der Begriff „Arte Povera“ ist italienisch und bedeutet „arme Kunst“. Es bezieht sich auf eine italienische künstlerische Bewegung, deren Ursprünge auf das politische Klima der 1960er Jahre zurückgehen und insbesondere den weltweiten Widerstand gegen den Vietnamkrieg verstärken. Künstler, die die Bewegung unterstützten, verteidigten beispielsweise, dass der Mensch nur „ein weiteres Element der Natur“ sei und dass Kunst mit minimalen und einfachen Elementen ausgeführt werden könne, was ihre Vergänglichkeit beweise. Für die Herstellung ihrer Werke verwendeten sie unter anderem gängige Materialien wie Erde, Steine, Holz, Zeitungen und Lumpen, um die Notwendigkeit zu betonen, Werke zu schaffen, die in direktem Zusammenhang mit der Welt, der Natur und dem Leben stehen, und das System zu kritisieren des Konsums und der kapitalistischen und industriellen Gesellschaft.

Arthur Bischof von Rosario

(Sergipe, Brasilien 1909 – Rio de Janeiro, Brasilien, 1989)
1925 kam er nach Rio de Janeiro, um in der brasilianischen Marine zu arbeiten. Danach war er beim Elektrizitätsunternehmen Light angestellt. 1938 ging er in ein Kloster und beschrieb eine mystische Vision, die er hatte, und stellte sich als „derjenige vor, der gekommen war, um die Lebenden und die Toten zu richten“; das Kloster überwies ihn an das Hospital dos Alienados in Praia Vermelha, wo bei ihm paranoid-schizophren diagnostiziert wurde. Von dort wurde er in die Colônia Juliano Moreira verlegt, eine psychiatrische Klinik im Stadtteil Jacarepaguá in Rio de Janeiro. Etwa zwanzig Jahre lang verbrachte Bispo Zeiträume in der psychiatrischen Klinik und anderen außerhalb davon und arbeitete in Privathaushalten oder gewerblichen Einrichtungen. In einem dieser Momente wurde er von der Clínica Pediátrica Amiu, wo er lebte, eingestellt und konnte seine ersten Arbeiten mit Materialien für den täglichen Gebrauch ausführen: eine Reihe von Modellen und Miniaturen von Transportmitteln sowie verschiedene Stickereien. 1964 nach Köln zurückgekehrt, produzierte er dort bis zu seinem Tod 1989 weiter. 1982 wurde er erstmals zu einer Ausstellung eingeladen und stellte seine Werke in der Ausstellung „Margem da Vida“ im Museum für Moderne Kunst ( MAM ) in Rio de Janeiro und weckte das Interesse der Kunstkritik. Er erhielt weitere Einladungen zur Teilnahme an Kunstausstellungen, lehnte diese jedoch ab. Er akzeptierte nicht, sich von seinen Werken zu trennen und betrachtete sich nicht als Künstler, aber er behauptete, die in seinen Visionen offenbarte Mission zu erfüllen. Er verfasste ein Werk mit etwa tausend Werken, die nach seinem Tod in mehreren nationalen und internationalen Kunstausstellungen ausgestellt wurden. Beeinflusste viele Künstler von den 1960er Jahren bis heute. Mit dem Tod von Bispo do Rosário wurde seine Produktion im Nise da Silveira Museum untergebracht, das sich in der Kolonie befindet, wo der Künstler 2000 Jahre lang lebte. In den XNUMXer Jahren wurde die Institution in Bispo do Rosário Museum umbenannt.

Assemblage

Eine künstlerische Technik, die verschiedene Objekte und/oder Materialien in der Komposition des Kunstwerks kombiniert, im Allgemeinen unkonventionell im künstlerischen Umfeld, und mit den traditionellen Techniken der Malerei und Skulptur bricht. Der Begriff „Assemblage“ wurde von Jean Dubuffet (1901-1985) in das künstlerische Milieu aufgenommen, der damit in den 1950er Jahren Werke bezeichnete, die aus der Sammlung aller Arten von Materialien, ob natürlich oder industriell, durch Collage, Überlagerung und andere Techniken.

Attribute

Es bezieht sich auf Merkmale oder Symbole, die normalerweise verwendet werden, um bestimmte Aspekte und Eigenschaften zu identifizieren, die eine dargestellte Figur oder ein Thema individualisieren.

Automatismus

Literarische oder künstlerische Tätigkeit, die ausschließlich unter dem Einfluss des Unterbewusstseins ohne Kontrolle der Vernunft ausgeübt wird. Dieser Vorschlag wurde vom Surrealismus, einer französischen künstlerischen Bewegung, die 1924 begann, stark betont, die sich psychoanalytischen Studien näherte und sich traumhafter und subjektiver Bilder bediente, indem sie den psychischen Automatismus als Mittel des künstlerischen Schaffens frei von rationaler Kontrolle oder ästhetischen Einflüssen vorschlug.

Axt

In Candomblé, einer von den Yoruba-Völkern gegründeten Religion, die in der Neuzeit gewaltsam als Sklaven von Afrika nach Brasilien gebracht wurden, bezieht sich Axé auf die essentielle Energie, die alle Wesen bewegt, einschließlich der heiligen Kraft der Orixás, Götter, die für Aspekte von verantwortlich sind Leben, Natur. Diese heilige Energie wird durch die Gaben der Gläubigen und rituellen Opfer belebt.

Lithography

Von Alois Senefelder (1771-1834) im XNUMX. Jahrhundert erfundene Stichtechnik, als der bayerische Dramatiker nach einer kostengünstigen Möglichkeit suchte, seine Stücke zu drucken. Bezieht sich auf Gravuren aus einer Steinmatrix, normalerweise Kalkstein. Die Matrix erhält Zeichnungen oder Markierungen, die durch verschiedene Materialien und Prozesse hergestellt wurden; dann erhält sie eine Tintenschicht und wird auf ein Blatt Papier gepresst (gepresst), auf das das Bild gedruckt wird. Lithographie kann unter Verwendung verschiedener Techniken durchgeführt werden. In einem von ihnen erhält die Matrix Zeichnungen mit fettigem Bleistift oder öliger Tinte und wird dann in Säure getaucht, die nur die nicht durch das Fett geschützten Bereiche angreift, was zu einer Zeichnung mit hohem Relief führt; anschließend erhält die matrize die tinte und wird gegen ein blatt papier gepresst, das den eindruck der zeichnung im hochrelief erhält.

Babalorisha

Oberster Priester eines Candomblé- oder Umbanda-Hauses, afro-brasilianische Religionen; in der wörtlichen Übersetzung der afrikanischen Yoruba-Sprache bedeutet es „Pai de Santo“.

bauhaus

Deutsche Schule für Angewandte Kunst, wie Architektur und Design. Es wurde 1919 gegründet und 1933 von den Nazis geschlossen. Es sollte den Künstler-Handwerker durch ein Programm ausbilden, das Kunst, Architektur, Handwerk, Dekoration und Designinhalte umfasst und den Bedürfnissen der deutschen Gesellschaft nach dem Ersten Weltkrieg entspricht. einerseits mit der Produktion im industriellen Maßstab und andererseits mit dem Ideal, moderne Kunst auf allen gesellschaftlichen Ebenen zu verbreiten.

immaterielles Kulturgut

Der Satz immaterieller Kulturgüter (auch als immaterielles Kulturerbe bezeichnet) kann als die Praktiken, Darstellungen, Ausdrucksformen und Kenntnisse – sowie die damit verbundenen Instrumente, Objekte, Artefakte und kulturellen Räume – verstanden werden, die von Gemeinschaften, Gruppen und Einzelpersonen anerkannt werden Teil ihres kulturellen Erbes. Dieses Konzept umfasst somit Musik, Tanz, Spiele, Theateraufführungen, Partys und Riten, die als historisch und künstlerisch wertvoll angesehen werden.

Blaise Cendrars

(La Chaux-de-Fonds, Schweiz, 1887 – Paris, Frankreich, 1961)
Pseudonym von Frédéric Louis Sauser, Schriftsteller und Dichter Schweizer Herkunft, der eingebürgerter Franzose wurde. Die Hauptinspirationsquelle für seine Poesie sind seine realen oder imaginären Reisen. Er beeinflusste die Werke brasilianischer Künstler vom Beginn des XNUMX. Jahrhunderts wie Tarsila do Amaral und Oswald de Andrade.

Blinky Palermo

(Leipzig, Deutschland, 1943 – Männlich, Malediven, 1977)
Bekannt für seine monochromen Leinwände und seine Arbeiten, die aus der Verbindung von Stoffen unterschiedlicher Farbe bestehen, die nebeneinander genäht und auf Rahmenchassis (Basen) gespannt sind. Palermo verwendete auch andere Materialien wie Aluminium, Stahl, Holz, Papier und Resopal. Das Interesse an der räumlichen Beziehung zwischen Form und Farbe entfernte den Künstler von herkömmlichen rechteckigen Leinwänden. Er begann Bilder in Formen wie Kreis, Dreieck und Kreuz zu malen und fügte Elemente hinzu, die das Werk einer Skulptur näher brachten.

Bourgeoisie

Am Ende des Mittelalters in Europa entstandene soziale Schicht, zu der die Freiberufler gehören, deren Interessen in der Regel mit den hohen wirtschaftlichen Sphären und den herrschenden Klassen verbunden sind.

Kalkographie

Gravur, deren Matrix aus Metall oder Blech besteht. Diese Matrix erhält Zeichnungen oder Markierungen aus verschiedenen Materialien; Es erhält dann eine Tintenschicht und wird auf ein Blatt Papier gepresst (gepresst), auf das es das Bild druckt. Markierungen auf der Matrix können durch verschiedene Prozesse entstehen, wie z. B. Stichelgravur, bei der die Gravur auf dem Metall mit einem Stahlinstrument, dem Stichel, erfolgt; Ätzen, bei dem Blech durch Säuren korrodiert wird; die Kaltnadel, ein Instrument, mit dem die Metallplatte zerkratzt wird, wodurch eine Zeichnung mit den in der Matrix geöffneten Rillen entsteht; und andere Techniken, wie der schwarze Weg und der weiche Lack.

Camera obscura oder Camera obscura

Eine Art Kiste, deren Abmessungen klein oder groß sein können und die Größe eines Raums erreichen können, der versiegelt ist, um das Eindringen von Licht zu verhindern, und nur ein einziges Loch auf einer Seite oder Wand hat, während die dem Loch gegenüberliegende Seite eine Schicht weißer Farbe erhält . Das Bild einer Landschaft oder eines Objekts, das vor dem Loch, aber außerhalb der Box platziert ist, wird umgekehrt auf die weiße Wand projiziert. Je kleiner das Loch, desto schärfer die Bilddetails. Die Camera obscura ist ein optisches Gerät, das als Grundlage für die Erfindung der Kamera diente.

Candomblé

Die in Brasilien und Afrika praktizierte Religion entstand mit den Yoruba-Völkern, die versklavt und nach Amerika gebracht wurden; animistischer Herkunft basiert er auf den Kulturen der Region des heutigen Nigeria und Benin, in denen Priester und Adepten in öffentlichen und privaten Zeremonien das Zusammenleben mit den Naturgewalten und den Ahnen zelebrieren.

traumhafter Charakter

In der bildenden Kunst spricht man von Werken, die sich auf den Kontext eines Traums oder einer Vorstellung beziehen, wie etwa einige Werke, die mit dem Surrealismus verbunden sind, einer künstlerischen Bewegung, die in den 1920er Jahren in Europa aufkam.

Casa 7

Studio, das in Hausnummer 7 einer Villa in der Stadt São Paulo von einer Gruppe junger Künstler eingerichtet wurde, die durch Freundschaft und gemeinsame künstlerische Interessen zusammengebracht wurden. Die von Carlito Carvalhosa, Fábio Miguez, Paulo Monteiro, Rodrigo Andrade und Nuno Ramos gegründete Gruppe veranstaltete von 1982 bis 1985 sechs gemeinsame Ausstellungen, darunter 18 die letzte Ausstellung der Gruppe auf der 1985. Internationalen Biennale von São Paulo. Ein Markenzeichen der Künstler der Gruppe war die Arbeit mit Industrietinten auf großen Papierbögen, die die Ausdruckskraft von Gesten erforschten. Die Wahl preisgünstiger Materialien hatte vor allem wirtschaftliche Gründe. Die gemeinsame Erfahrung der Künstler der Gruppe war in ihren Bahnen bemerkenswert, und nach ihrer Auflösung ging jeder Künstler seinen eigenen Weg.

Chassis

In der Regel aus Holz gefertigte Konstruktionen, auf denen die von Malern als Bildträger verwendeten Leinwandstoffe gespannt und fixiert werden.

Kino Novo

Ende der 1950er-Jahre schlug eine Gruppe junger brasilianischer Filmemacher, die daran interessiert waren, Filme mit Publikumsmagneten zu produzieren und sich mit sozialen Themen auseinanderzusetzen, vor, die brasilianische Filmsprache zu erneuern. Sie drehten kostengünstige Filme, die Themen im Zusammenhang mit der nationalen Realität diskutierten, indem sie einfache Szenarien und Charaktere, Bilder ohne viel Bewegung und umfangreiche Dialoge verwendeten. Unter den produzierten Filmen können wir Cinco Vezes Favela (1962), Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964) und Os Cafajestes (1962) erwähnen.

Klub moderner Künstler – CAM

Es wurde 1932 unter anderem von Künstlern wie Flávio de Carvalho, Antonio Gomide, Carlos Prado und Di Cavalcanti gegründet und fungierte als Ort für Begegnungen und kulturelle Manifestationen mit einer großen kritischen und anarchischen Berufung. Aus der Gesamtheit seiner Leistungen lassen sich ein starkes politisches und soziales Engagement, Sympathie für die sowjetischen Erfahrungen und Kritik an Staat und Kirche Brasiliens ablesen. Zensur und finanzielle Schwierigkeiten führten Ende 1933 zur Einstellung der Aktivitäten.

Cobogó

Ein perforiertes Konstruktionselement, das einem Ziegel mit Hohlteilen ähnelt. Es besteht normalerweise aus Keramik oder Zement. Es wird beim Bau von perforierten Wänden oder Fassaden verwendet, mit der Funktion, für Belüftung oder Licht zu sorgen oder das Innere vom Äußeren zu trennen. Es entstand in der Architektur von Pernambuco und sein Name wird von den Initialen seiner Schöpfer gebildet: Amadeu Oliveira Coimbra (Co), Ernest August Boeckmann (Bo) und Antônio de Góis (Go), seit 1929 patentiert und industrialisiert.

Sammlung

Siehe Sammlung.

Nemirovsky-Sammlung

Sammlung von José Nemirovsky, einem argentinischen Arzt und Geschäftsmann mit Sitz in Brasilien, und seiner Frau Paulina. Diese bedeutende Sammlung besteht aus Nachschlagewerken von Tarsila do Amaral, Brecheret, Di Cavalcanti, Lasar Segall, Rego Monteiro, Ismael Nery, Goeldi, Livio Abramo, Guignard, Cícero Dias, Aldo Bonadei, Volpi, Milton Dacosta, Mira Schendel, Lygia Clark. Hélio Oiticica und Rubens Gerchman, neben anderen Künstlern. Es hat auch Gravuren von europäischen Künstlern wie Picasso, Braque, Chagall, Léger und Grosz.

Kreditvergabe

Vertrag, durch den eine Leihgabe mit der Verpflichtung zur Rückgabe zu einem vereinbarten Termin erfolgt. Im Fall von Kunstmuseen erfolgt die Ausleihe im Allgemeinen, wenn eine private Sammlung von Kunstwerken ausgeliehen wird, damit das Museum seine Werke im Gegenzug für deren Pflege und Erhaltung ausstellen kann.

Zusammensetzung

In der bildenden Kunst bezeichnet der Begriff die Art und Weise, wie visuelle Elemente vom Künstler in der Konstitution des Kunstwerks organisiert werden.

Konkretismus und die Konkrete Bewegung in Brasilien

Die Prinzipien des Konkretismus distanzieren die Kunst von jeder symbolischen Darstellung. Malerei ist ausschließlich mit plastischen Elementen – Flächen und Farben – aufgebaut und hat keine andere Bedeutung als sich selbst. Das Kunstwerk stellt nicht die Wirklichkeit dar, sondern zeigt Strukturen, Flächen und Mengen bezogen auf geometrische Formen, die für sich sprechen und nicht auf andere Interpretationen verweisen. In den 1950er Jahren hatte der Abstraktionismus in Brasilien einen starken künstlerischen Ausdruck, inspiriert von künstlerischen Bewegungen, die mit den strukturellen und geometrischen Merkmalen von Formen und Kunstwerken, wie dem Neoplastizismus (1917-1928) und dem russischen Konstruktivismus (1914-1920), in Dialog traten das Bauhaus (1919-1933) und der Einfluss des amerikanischen Künstlers Max Bill (1908-1994). So entstanden die ersten Manifestationen der Konkreten Bewegung in São Paulo und Rio de Janeiro. Der Meilenstein seines Beginns ist die Ausstellung der Ruptura-Gruppe, die 1952 im Museum of Modern Art in São Paulo stattfand, und das im selben Jahr lancierte Manifesto Ruptura. In Rio de Janeiro entstand 1954 mit der Gründung der Grupo Frente der Konkretismus.

Konstruktivismus oder konstruktive Kunst

Die Begriffe „konstruktive Kunst“ und „Konstruktivismus“ beziehen sich auf bestimmte Strömungen in der abstrakten Kunst, die im 1915. Jahrhundert aufkamen und in denen das künstlerische Objekt als einfache Konstruktion gedacht wird, als ein Objekt, das von jeder Art symbolischer oder expressiver Repräsentation losgelöst ist . Das Kunstwerk muss in sich geschlossen sein und sich allein auf die formalen und materiellen Beziehungen seiner Komposition stützen. Visuell tendieren konstruktive Kunstwerke zur Geometrisierung und Gleichförmigkeit, sie bestehen aus Flächen und Farben, auf der Suche nach Nähe zu Industrieobjekten. Konstruktivismus war zunächst der Name einer Bewegung, die 1950 in Russland mit den Künstlern Wladimir Tatlin und Alexander Rodtschenko entstand, die über die gesellschaftliche Funktion der Kunst nachdachten. Widerhall konstruktivistischer Ausdrucksformen finden sich bei verschiedenen Künstlern und Bewegungen im gesamten 1960. Jahrhundert, wie Suprematismus, Kubismus, Dadaismus, Futurismus, Bauhaus und De Stijil. In Brasilien beeinflusste der Konstruktivismus vor allem die Beton- und Neobetonbewegungen der XNUMXer und XNUMXer Jahre.

Russischer Konstruktivismus

Künstlerische Bewegung, die 1915 in Russland mit den Künstlern Vladimir Tatlin und Alexander Rodtschenko entstand, die abstrakte und geometrische Werke schufen. Die Verwendung des Wortes „Konstruktivismus“ erscheint im Zusammenhang mit der russischen Avantgardebewegung in einem Artikel des Kritikers N. Punin aus dem Jahr 1913, der dreidimensionale Reliefs von Vladimir Tatlin kommentiert. Diese Bewegung bezieht sich auf künstlerische Ausdrucksformen, die vom Marxismus beeinflusst wurden – einer philosophischen Strömung des Sozialismus, die sich aus Theorien über Wirtschaft, Arbeit und Klassenkampf entwickelte – und die daher eng mit dem revolutionären Prozess verbunden war, der in der Region, die heute als Russland bekannt ist, eingeleitet wurde . Das künstlerische Objekt beginnt, als einfache Konstruktion gedacht zu werden, als ein Objekt, das von jeder Art symbolischer oder expressiver Repräsentation losgelöst ist und nur auf den formalen und materiellen Beziehungen seiner Zusammensetzung basiert. Visuell tendieren konstruktive Kunstwerke zur Geometrisierung und Uniformität. Die Bewegung schlug ursprünglich vor, dass Kunst im Dienst der Gesellschaft stehen und dazu beitragen sollte, die körperlichen, emotionalen und intellektuellen Bedürfnisse der Menschen zu befriedigen, in Bezug auf die Herstellung von Maschinen, architektonische Technik und grafische und fotografische Kommunikationsmittel. Die Kunst wurde zu einem Instrument der gesellschaftlichen Transformation und beteiligte sich an der Rekonstruktion der Lebensweise und des Bewusstseins der Bevölkerung. Der russische Konstruktivismus stimulierte in den ersten Jahrzehnten des XNUMX. Jahrhunderts andere künstlerische Strömungen.

Konstruktiv

Bezugnehmend auf den Denkakt Kunst nicht als Repräsentationsform, sondern als Konstruktion. Siehe Konstruktivismus oder konstruktive Kunst.

postkolonialen Kontext

Es bezieht sich auf eine theoretische und kulturelle Perspektive, die die Kolonialisierung als Teil eines globalen Prozesses betrachtet. Man kann nicht von einer einzigen postkolonialen Theorie sprechen, sondern von einer Reihe von Studien, die Beiträge mit unterschiedlicher Ausrichtung in den unterschiedlichsten Wissensgebieten (Kulturwissenschaften, Literaturkritik, Sozialwissenschaften, Politik, Geschichte, Philosophie etc.) und gemeinsam haben sie die scharfe Kritik an Narrativen, die Europa als universelles Zivilisationsmodell in den Mittelpunkt stellen.

Gegenkultur

Bewegung, die in den 1960er Jahren populär wurde und durch die Auseinandersetzung mit aktuellen sozialen und Verhaltenswerten gekennzeichnet war. Allgemeiner bezieht es sich auf Bewegungen, die den vorherrschenden Gedanken und Verhaltensweisen in der Kultur einer bestimmten Zeit zuwiderlaufen.

akademische Konventionen

Regeln und Vereinbarungen von Künstlern, die mit der akademischen Kunst verbunden sind, als Normen für die Darstellung der Realität. Seine Prinzipien sind im Allgemeinen von der klassischen Kunst abgeleitet und entscheiden sich für einen formalen Realismus, der Figuren nach bestimmten Regeln imitiert, mit einer starken Wertschätzung für mythologische Themen und historische Motive, verbunden mit expressiver Klarheit.

Redneck-Farben

Begriff, der von der Künstlerin Tarsila do Amaral (1886-1973) verwendet wurde, einem Mitglied der modernistischen Bewegung in Brasilien, die versuchte, nationale künstlerische Produktionen zu erneuern und lokale brasilianische Besonderheiten hervorzuheben. So verwendet die Künstlerin den Begriff „Landesfarben“, um sich auf die Farben zu beziehen, die in Häusern oder künstlerischen Produktionen verwendet werden, die in Regionen wie Minas Gerais konzipiert wurden – wie Blau, Violettrosa, leuchtendes Gelb und Grün –, die sie in seinen verwendet Gemälde.

Kosmogonie

Es bezieht sich auf die Erklärung der Entstehung oder des Ursprungs des Universums gemäß einer bestimmten kulturellen Gruppe. Auch bekannt als Kosmogenese oder Kosmogenese.

Schaffung

Der Akt, etwas Existenz zu geben. Handlung oder Wirkung des Erschaffens, Generierens, Erfindens oder Produzierens von etwas. Beispielsweise kann ein Künstler im Schaffensprozess ein Kunstwerk idealisieren, um dieses Projekt später auszuführen und ein konkretes Objekt zu bauen. Die Gesamtheit dieser Aktivitäten wird Schöpfung genannt.

Kunstkritiker

Dies ist der Fachmann, der die Arbeit von Künstlern analysiert und bewertet. Durch die Beobachtung rationaler und ästhetischer Aspekte studiert und beurteilt der Kunstkritiker neben der Betrachtung auch künstlerische Produktionen, stellt Beziehungen zwischen ihnen her und erstellt Kategorisierungen und theoretische Reflexionen.

Kubismus

Die künstlerische Bewegung begann 1907 in Paris. Seine Protagonisten sind die Künstler Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963). Es entfernt sich von der Idee der Kunst als Nachahmung von Realität und Natur; Daher lehnen seine Arbeiten Techniken ab, die Illusionseffekte wie Perspektive erzeugen. Der Kubismus ersetzt die Darstellung des dreidimensionalen Raums (mittels Perspektive) durch die Zerlegung der Formen und Betrachtungswinkel der dargestellten Figuren in mehrere Volumen. So werden alle Betrachtungswinkel der Figuren geometrisch und simultan ohne Tiefenunterschiede gezeigt.

Kultur

Es bezieht sich auf Merkmale des individuellen oder kollektiven menschlichen Lebens, die auf intellektuelle und materielle Weise geschaffen wurden und Ideen, Wissen, Werte, Techniken usw. umfassen. Somit stellt Kultur Bedingungen und Elemente für das Überleben der menschlichen Spezies bereit und ermöglicht Veränderungen in der Qualität sozialer Beziehungen.

Massenkultur

Es bezieht sich auf eine Reihe kultureller Ausdrucksformen, die geschaffen wurden, um die Mehrheit der Bevölkerung zu erreichen. Es hat ein im Wesentlichen kommerzielles Ziel, nämlich Produkte für den Verbrauch zu erzeugen. Der Begriff „Masse“ bezieht sich auf eine große Anzahl von Menschen, die Produkte aus dieser Kultur erreichen können. Der Logik des Industrie- und Finanzkapitalismus folgend, versucht die Massenkultur, Produkte zu standardisieren und zu homogenisieren, damit sie von der Mehrheit der Menschen konsumiert werden können. Seine Verbreitung bezieht sich hauptsächlich auf die Massenmedien (Radio, Fernsehen, Zeitungen, Zeitschriften und vor allem das Internet) und trägt zum Prozess der kulturellen Homogenisierung der Verbraucher bei.

Kuratorium

Tätigkeit des Kurators, eines Fachmanns, der für die Erforschung der in einer Sammlung gesammelten Kunstgegenstände verantwortlich ist. Auf der Grundlage dieser ersten Studie schlägt der Kurator häufig Ausstellungen vor, definiert deren Inhalt, Themen und Zielgruppe und bereitet unter anderem die physische Organisation der Werke in dem Raum vor, der von der Ausstellung belegt werden soll. Kuratieren bezieht sich auch auf den Prozess, der um eine Sammlung herum entwickelt wird: Auswahl von Objekten, um sie zusammenzustellen, Erwerb dieser Stücke, Forschung und Kommunikation (durch Veröffentlichungen und Ausstellungen).

Dadaismus

Künstlerische Bewegung, die 1916 in Zürich, Schweiz, entstand und die bildende Kunst, Poesie und Literatur umfasste. Ihr Sprecher war Tristan Tzara (1896-1963), der 1918 das Dada-Manifest verfasste. Die Dadaisten führten Werke und künstlerische Aktionen aus, die scheinbar keine Logik oder Bedeutung hatten, in ironischen Haltungen, die die bürgerlichen künstlerischen Standards der Zeit herausforderten, und konzentrierten sich mehr auf die Produktion von Gemälden und Skulpturen. Dadaistische Aktionen stehen im Zusammenhang mit Pessimismus und Desillusionierung gegenüber der westlichen Zivilisation angesichts des Ersten Weltkriegs. Der Zufall war eine der Strategien, die von Dada-Künstlern am häufigsten verwendet wurden, und sogar dieses Wort, das der Bewegung ihren Namen gab, wurde von ihnen wegen seiner Bedeutungslosigkeit gewählt, als sie zufällig ein Wörterbuch öffneten.

Sozialdarwinismus

Bezeichnung für verschiedene Pseudowissenschaften zur Erforschung von Gesellschaften, die in der zweiten Hälfte des 1809. Jahrhunderts in Nordamerika und Westeuropa entstanden, basierend auf dem Buch On the Origin of Species von Charles Darwin (1882-XNUMX). Es ist ein Versuch, den Darwinismus auf Menschen anzuwenden, indem verschiedene ethnisch-rassische Gruppen hierarchisch angeordnet werden, wobei Weiße an der Spitze der menschlichen Entwicklung stehen und Schwarze ganz unten. Es wurde als Strategie der Beherrschung und Legitimierung diskriminierender und rassistischer Praktiken eingesetzt und gepredigt, dass Weiße anderen menschlichen Gruppen von Natur aus überlegen seien.

rassische Demokratie

Begriff und Konzept konstruiert aus der Interpretation des Buches Casa-grande & senzala (1933) von Gilberto Freyre (1900-1987), in dem argumentiert wurde, dass Rassismus in Brasilien milder sei als in anderen Ländern, weil er unterstützt würde Rassenmischung zwischen den verschiedenen Völkern, die es bilden. Diese Idee wurde in den 1950er und 1960er Jahren von einigen Intellektuellen, darunter Florestan, weitgehend abgelehnt
Fernandes (1920-1995) und Octávio Ianni (1926-2004) und sogar von brasilianischen schwarzen Bewegungen wie der MNU (Unified Black Movement), die in den 1970er Jahren entstand, die darauf hinwies, dass Rassismus in Brasilien nicht explizite Mechanismen hat Aktion, aber sehr gut strukturiert und in unserer Geschichte verwurzelt.

visuelle Elemente

Die Elemente, die die Struktur eines visuellen Werks bilden, wie zum Beispiel der Punkt, die Linie, die Form, die Richtung, das Volumen, die Farbe, der Ton, die Textur, die Dimension, der Maßstab und die Bewegung.

elitäre Landbesitzer

Minderheit und privilegierter Teil der Bevölkerung, die große ländliche Grundstücke besitzen und die wirtschaftliche Kontrolle über die landwirtschaftliche Produktion haben. Aufgrund der Bedeutung der landwirtschaftlichen Tätigkeit in Brasilien seit der Kolonialzeit sammelte diese Elite auch einen erheblichen Teil der politischen Macht im Land.

Emile Renard

(Sèvres, Frankreich, 1850 – Paris, Frankreich, 1930)
Dem Realismus verbundener Maler, beeinflusst von den Künstlern Gustave Courbet und Jean-François Millet. Seine Malerei thematisiert den Alltag – bäuerliche Landbewirtschaftung zum Beispiel –, der auf einfache und sachliche Weise dargestellt wird.

Automatisches Schreiben und Zeichnen

Methoden des künstlerischen und literarischen Schaffens, bei denen versucht wird, den Ausdruck der bewussten Gedanken des Autors zu vermeiden, Bilder und Texte aus dem Unbewussten fließen zu lassen, ohne die Zensur des rationalen Denkens.

Schablone

Eine Bildreproduktionstechnik, auch Maskierung genannt, bei der ein Bild auf eine zweidimensionale Oberfläche geclippt wird. Der leere Raum, den das Bild hinterlässt, erzeugt eine Matrix; Diese Matrix wird auf einem Träger positioniert und darüber wird Tinte aufgetragen, die, wenn sie durch den Schnittraum leckt, das Bild auf den Träger druckt.

Ästhetik

Aus dem Griechischen stammender Begriff, der Wahrnehmung, Empfindung bedeutet. Philosophiestrang, der sich der Theoretisierung von Kunst, Schönheit und ihrer Wertschätzung widmet. Die Ästhetik analysiert Kunstwerke und die Prozesse der Wahrnehmung und Beurteilung künstlerischer Phänomene und dessen, was als schön gilt.

Stilisierung

Es bezieht sich auf figurative Darstellungen, die nach idealisierten Kriterien ausgearbeitet wurden, um die Formen, Konturen und Proportionen des Originalbildes zu vereinfachen oder zu modifizieren. Dies führt zu einer erkennbaren, aber unrealistischen Darstellung.

Entfremdung

Staunen, staunen, staunen. Finde es anders als das, was natürlich zu erwarten wäre.

patriarchale Struktur

Satz von Gesetzen und sozialen Werten, die Macht in männlichen Figuren konzentrieren und damit Frauen Männern unterwerfen.

Eva Hesse

(Hamburg, Deutschland, 1936 – New York, USA, 1970)
Die in Deutschland geborene amerikanische Künstlerin ist bekannt für ihre Pionierarbeit mit Materialien wie Latex, Glasfaser und Kunststoff. Ihre Skulpturen und Installationen untersuchen die Materialisierung ihrer Erfahrungen, und ihre Arbeit als Ganzes wird tendenziell im Lichte der schmerzhaften Kämpfe in ihrem Leben analysiert, darunter die Flucht vor den Nazis, die Scheidung ihrer Eltern, der Selbstmord ihrer Mutter, als sie zehn Jahre alt war , seine gescheiterte Ehe und der Tod seines Vaters. Eva Hesse starb vorzeitig im Alter von 34 Jahren an einem Hirntumor.

Kurz-/mittel-/langfristige Exposition

Diese Bezeichnungen beziehen sich auf die Zeit, in der eine bestimmte Ausstellung für die Öffentlichkeit zugänglich ist. Langzeitbelastungen dauern in der Regel einige Jahre. Im Falle der Pinacoteca will die aktuelle Langzeitausstellung der Sammlung, die 2020 eröffnet wurde und voraussichtlich bis 2025 dauern wird, der Öffentlichkeit einen umfassenden Überblick über die brasilianische Kunstsammlung bieten, in der rund 1000 Werke von mehr als 400 Künstler sind zu sehen. . Kurz- und mittelfristige Ausstellungen werden für einen bestimmten Zeitraum organisiert, in der Regel zwischen einem Monat und einem Jahr. Das passiert zum Beispiel, wenn eine Institution eine Ausstellung von einer anderen Institution erhält, wie etwa die Retrospektive von Werken des Bildhauers Henry Moore 2005 in der Pinacoteca; oder wenn ein Kurator eine Ausstellung zu einem bestimmten Thema vorschlägt, wie die Ausstellung Mulheres Pintoras aus dem Jahr 2004. Die Ausstellung Vistas do Brasil mit Werken aus der Brasiliana-Sammlung wurde im Juli 2003 eröffnet und im Februar 2005 geschlossen gutes Beispiel für mittelfristige Exposition.

Expressionismus

Eine wiederkehrende Tendenz in der Kunstgeschichte, bei der der Künstler dazu neigt, seine Gefühle auf subjektiv-dramatische Weise künstlerisch auszudrücken. In der Malerei wird die emotionale Wirkung unter anderem durch den bewussten Einsatz kräftiger Farben und die Verzerrung der Form gesteigert. Im 1905. Jahrhundert zeigt sich dieser Trend in Bewegungen wie dem Deutschen Expressionismus (seit 1940), dem Abstrakten Expressionismus (USA, Ende der 1970er Jahre) und dem Neo-Expressionismus (Deutschland, Mitte der XNUMXer Jahre).

FAAP (Armando Álvares Penteado-Stiftung)

Hochschule, deren Gründung in die 1940er Jahre zurückreicht, als Graf Armando Álvares Penteado daran dachte, ein Kulturzentrum für die Artikulation der Künste in São Paulo zu errichten. In den 1950er Jahren begann die Institution, Kurse wie die Ausbildung zum Zeichenlehrer anzubieten. Der Studiengang Bildende Kunst an der FAAP ist einer der traditionsreichsten in São Paulo und im ganzen Land, da er seit den 1960er Jahren besteht.

Künstlerfamilie Paulista (FAP)

1937 gegründete und von Rossi Osir (1890 – 1959) und Waldemar da Costa (1904 – 1982) geleitete Gruppe. Daran nahmen mehrere Künstler teil, darunter Mitglieder der Santa Helena-Gruppe, einer weiteren Künstlervereinigung, die 1934 gegründet wurde. Der Schriftsteller Mário de Andrade (1893 – 1945) definiert sie als „paulistische Schule“, die von einer Art Modernismus geprägt ist. gemäßigt im Ton und angesiedelt zwischen dem künstlerischen Experimentieren im Zusammenhang mit der Modern Art Week von 1922 und der akademischen Kunst, die zu dieser Zeit im künstlerischen Umfeld von São Paulo noch lebendig war.

Pau-Brasil-Phase

Eine Phase in der Produktion der Künstlerin Tarsila do Amaral (1886 – 1973), die zwischen 1924 und 1928 stattfand, basierend auf der Reise, die sie mit anderen Künstlern der Moderne und dem französisch-schweizerischen Dichter Blaise Cendrars (1887 – 1961) unternahm die Zeit zwischen Karneval und Karwoche, nach Rio de Janeiro und in die historischen Städte von Minas Gerais. Die Arbeiten aus dieser Zeit präsentieren Themen und Farben, die in den künstlerischen und architektonischen Produktionen dieser damals als Populärkultur bezeichneten Regionen zu finden sind, sowie den Einfluss des Kubismus in der Vereinfachung und Geometrisierung von Formen.

Fauvismus

Der Begriff Fauvismus leitet sich vom französischen Wort „fauves“ ab, was „wilde Bestien“ bedeutet. Es wurde vom Kritiker Louis Vauxcelles (1870-1943) verwendet, als er auf das Vorhandensein intensiver Farben in den Werken einiger Künstler hinwies, die am Pariser Herbstsalon 1905 teilnahmen. So widmete sich die Gruppe von Malern um Henri Matisse (1905-1907) zwischen 1869 und 1954 der Erforschung der Vereinfachung von Formen und dem Experimentieren mit der Verwendung von Farben, insbesondere reinen. Durch starke und klare Pinselstriche entfernten sich die „Fauves“ von den akademischen Prinzipien der Verwendung gemischter Farben und von Licht- und Schattenspielen mit Hell-Dunkel, die die visuelle Illusion von Wahrhaftigkeit vermittelten. Der Fauvismus bezeichnet eine Phase im Werk von Künstlern, die an solchen Experimenten beteiligt waren und sich nicht als künstlerische Schule mit fest definierten Programmen und Manifesten konstituierten.

Feminismus

Bewegung, die im XNUMX. Jahrhundert mit dem Ziel begann, gleiche soziale und politische Rechte für beide Geschlechter zu erreichen, da Frauen den Männern gleichgestellt sind und die gleichen Chancen haben sollten. Schlägt die Gleichstellung der Geschlechter vor.

Schwarzer Feminismus

Aktive Frauenbewegung in der Diskussion und im Kampf gegen Rassismus und für die Gleichstellung der Geschlechter. Es versteht, dass Geschlechtsidentität, Rassismus, Klassenunterdrückung und Sexismus miteinander verbunden sind und dass schwarze Frauen eine der am stärksten benachteiligten Bevölkerungsgruppen unserer Gesellschaft sind.

Fernand Léger

(Argentan, Frankreich, 1881 – Gif-sur-Yvette, Frankreich, 1955)
Französischer Maler, Schriftsteller und Kunstlehrer. Er nahm an den ersten kubistischen Manifestationen teil, experimentierte mit Möglichkeiten, die Natur durch geometrische und krummlinige Figuren darzustellen, und komponierte, indem er alle Teile eines Objekts in derselben Ebene malte. 1922 gründete er seine eigene Akademie.

Figuration

Es bezieht sich auf figurative Kunst, dh die Darstellung von erkennbaren Formen, die aus der Realität abgeleitet sind, wie Objekte, Menschen, Tiere und Landschaften, auch wenn sie interpretiert und nicht unbedingt mit naturalistischer Treue reproduziert werden. Sie widersetzt sich der Abstraktion.

Fluxus

Gruppe, die 1931 von George Maciunas (1978 – 1961) in Deutschland gegründet wurde und Künstler aus verschiedenen Sprachen zusammenbrachte, die bereit waren, experimentelle und kollektive Werke zu schaffen. Es hatte den Dadaismus und die Ideen des Künstlers Marcel Duchamp (1887 – 1968) als Referenz, die oft mit der Konzeptkunst in Verbindung gebracht wurden, die die Idee über die materielle Konstruktion des künstlerischen Objekts stellte, und die Ideale der Anti-Kunst, die das Traditionelle in Frage stellten in der Kunstwelt übliche Definitionen künstlerischer Kreis, wie Kunst, Künstler, Kunstwerk etc.

Geometrische Formen

Sie werden aus mathematischen Referenzen konfiguriert und ähneln oder beziehen sich auf Geometrie. Sie beziehen sich auf das Rationale und Kalkulierte, im Gegensatz zum Organischen.

organische Formen

Sie beziehen sich auf Formen, die in der Natur vorkommen. Daher sind sie ausdrucksstärker, gestischer und beziehen sich auf die Materie, die ein lebendes oder natürliches Wesen ausmacht, im Gegensatz zu dem, was rational, berechnet und mehr auf das Geometrische bezogen ist.

Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB)

Einer der ältesten und wichtigsten brasilianischen Fotoclubs in der Stadt São Paulo. Sie wurde 1939 gegründet, hat verschiedene Aktivitäten und trug dazu bei, die künstlerische Fotografie in Brasilien zu etablieren, mit Anerkennung sogar von Clubs im Ausland. Er war verantwortlich für die Entstehung der „Escola Paulista“ von Fotografen, die die Konzepte von Komposition, Stil, Ausschnitten usw. veränderten. bis dahin in der akademischen und bildhaften Fotografie vorherrschend oder mit dem Fotojournalismus verbunden. Jahrelang organisierte der Club den Brasilianischen Fotokunstsalon, veranstaltete zweimal die Brasilianische Fotobiennale und förderte andere Clubs und digitale Salons wie Web Art Photos und Tecnologia na Arte.

Futurismus

Künstlerische Bewegung zu Beginn des 1876. Jahrhunderts, die in der bildenden Kunst versucht, Ideen zu analysieren und darzustellen, die mit dem Kontext der Industrialisierung und der Ausweitung der technologischen Entwicklungen in den Transportmitteln und der Urbanisierung dieser Zeit verbunden sind - Ideen wie Dynamik, Geschwindigkeit und Bewegung, also die Art und Weise, wie sich die Figur im Raum bewegt. Es begann mit der Veröffentlichung des futuristischen Manifests des italienischen Dichters Filippo Tommaso Marinetti (1944 – XNUMX).

Genre / Künstlerisches Genre

Im weiteren Sinne kann es sich im Bereich der Künste um die Einordnung künstlerischer Produktionen nach stilistischen, thematischen oder technischen Aspekten handeln. Der Begriff des Genres wird auch verwendet, um künstlerische Produktionen zu kategorisieren, die mit akademischer Kunst verbunden sind. In diesem Zusammenhang sind Genres, verbunden mit vorab festgelegten Repräsentationsregeln, einer der Parameter für die Kreation. die akademischen Gemälde
Sie wurden in folgende Genres eingeteilt: Mythologische Malerei, Historienmalerei, Porträt, Landschaft und Stillleben.

Geração 80

Begriff, der anlässlich der Ausstellung How are you, Generation 80? entstand, die im Juli 1984 in der Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV) in Rio de Janeiro stattfand. Die Produktion der 123 teilnehmenden Künstler, hauptsächlich junger Künstler Menschen aus Rio de Janeiro und São Paulo, obwohl heterogen, brachten einige vorherrschende Trends in die Kunst dieser Generation. Hervorzuheben ist die Rückkehr zur Malerei mit expressionistischer und gestischer Ausrichtung, die eine starke emotionale Aufladung enthält, mit großformatigen Inszenierungen und Materialexperimenten. Dies geschah nach der Vorherrschaft der Konzeptkunst in den 1970er Jahren, die sich mehr für die Idee des Künstlers als für die materielle Konstruktion des Kunstwerks interessierte. Die Produktion dieser Künstler in den 1980er Jahren wurde zu einem Meilenstein für die brasilianische Kunst, da sie die Haltung kreativer Akteure angesichts des politischen Moments widerspiegelte, der von der Euphorie der Wiederherstellung der Demokratie nach der Militärdiktatur geprägt war.

Gestalttherapie

Eine der Wahrnehmungstheorien. Nach dieser Theorie kann man nur durch die Wahrnehmung der Ganzheit ein Bild oder einen Begriff tatsächlich wahrnehmen, entschlüsseln und aufnehmen. Es bekräftigt somit, dass das Ganze mehr ist als die Summe der Teile, aus denen es besteht.

Gravur

Der Begriff bezieht sich auf eine visuelle Sprache, die mit anderen technischen Mitteln als denen des Zeichnens und Malens gewonnen wird. Beim Gravieren wird das darzustellende Bild (mit speziellen Werkzeugen, die Markierungen, Rillen oder Einschnitte erzeugen) auf eine als Matrix bezeichnete Oberfläche graviert oder gezeichnet, die aus verschiedenen Materialien wie Metall, Holz, Stein usw. bestehen kann. Nachdem die Matrix die Markierungen der
Bild wird an bestimmten Stellen eine Farbschicht aufgetragen und diese Matrix wird gegen ein Blatt Papier gepresst (gepresst). Das Blatt erhält den Tintendruck der Formen des Designs, das auf der Matrize markiert wurde. Die Gravur wird nach dem Material klassifiziert, aus dem die Matrize besteht – wenn es sich beispielsweise um Holz handelt, wird die Technik als Holzschnitt bezeichnet; wenn es aus Stein gemacht ist, wird es Lithographie genannt; und wenn es aus Metall besteht und Säuren verwendet werden, um Markierungen auf der Oberfläche zu machen, wird es starkes Wasser genannt. Es gibt noch viele andere Gravurtechniken.

Gregori Warchavchik

(Odessa, Ukraine, 1896 – São Paulo, Brasilien, 1972)
Er führte die moderne Architektur in Brasilien ein, deren Charakteristika auf rationalen Kriterien des Komforts, der Ökonomie der Bauelemente und der Funktionalität beruhen. Als er 1927 Mina Klabin (1896 – 1969), die Schwester von Jenny, der Frau von Lasar Segall, heiratete, baute er seine Residenz, die als das erste moderne Haus in Lateinamerika gilt.

Grotesk

Es bezieht sich auf etwas, das als lächerlich angesehen wird, was sich auf Gelächter oder Spott bezieht.

Grimm-Gruppe

Gruppe von Malern, die von der Kaiserlichen Akademie der Schönen Künste (AIBA) kamen und sich zwischen 1884 und 1886 am Strand von Boa Viagem in Niterói versammelten, um unter der Anleitung des Deutschen Georg Grimm Landschaften im Freien zu malen. Grimm unterrichtete an der AIBA, aber sein Vertrag wurde nicht verlängert, weil seine Lehrmethoden – wie das Malen im Freien mit schnellen und markanten Pinselstrichen, etwa im Stil der impressionistischen Maler – nicht mit der akademischen Praxis übereinstimmten. Die Grimm-Gruppe wurde von Künstlern gegründet, die außerhalb der akademischen Welt Unterricht bei ihm hatten, darunter Antônio Parreiras (1860 – 1937), Giovanni Battista Castagneto (1849 – 1900), Garcia y Vásquez (1859 – 1912), Hipólito Boaventura Caron (1862 1892), França Júnior (1838 – 1890) und Francisco Joaquim Gomes Ribeiro (1855 – 1900).

Meinungsgruppe

Theatergruppe aus Rio de Janeiro, die nach dem zivil-militärischen Putsch in den 1960er Jahren Protest- und Widerstandstheater konzentrierte und zwischen 1964 und 1983 als Zentrum für die Erforschung und Verbreitung nationaler und populärer Dramaturgie gegründet wurde.

Kalter Krieg

Politischer und ideologischer Konflikt, der kurz nach dem Zweiten Weltkrieg begann und um 1989 endete, zwischen den Vereinigten Staaten mit ihrer kapitalistischen Ideologie und der Union der Sozialistischen Sowjetrepubliken (UdSSR) unter der kommunistischen Ideologie, die während dieser Zeit politische, wirtschaftliche und militärische Hegemonie in der Welt.

Happening und Leistung

Der Begriff Happening („Happening“) wurde Ende der 1927er Jahre von dem amerikanischen Künstler Allan Kaprow (2006–1950) geprägt und bezeichnet künstlerische Handlungen, die verschiedene Sprachen beinhalten können – beispielsweise aus der darstellenden Kunst, der Musik oder der Literatur – und sind in der Regel geprägt von Improvisation und Vorschlägen, die eine Beteiligung der Öffentlichkeit vorwegnehmen. Die künstlerische Aktion im Happening hat eine flexible Struktur, ohne vorgegebenes Ende. Die Aufführung weist einige Ähnlichkeiten mit dem Happening auf und kann als Ableger davon betrachtet werden. Es beinhaltet auch Aktionen, die verschiedene künstlerische Sprachen mischen können, aber es ist hauptsächlich dadurch gekennzeichnet, dass der Künstler seinen eigenen Körper als Mittel für künstlerisches Handeln verwendet, und es beinhaltet nicht immer die Interaktion mit der Öffentlichkeit. Während sich das Happening eher in Manifestationen verorten lässt, die zwischen den 1950er und 1960er Jahren stattfanden, bleibt die Performance eine künstlerische Form, die in der zeitgenössischen Kunst sehr präsent ist.

Henri Matisse

(Le Cateau-Cambrésis, Frankreich, 1869 – Nizza, Frankreich, 1954)
Henri-Émile-Benoît Matisse war ein französischer Maler, Designer und Bildhauer und der Hauptvertreter des Fauvismus, einer künstlerischen Bewegung, die um 1905 in Paris, Frankreich, entstand.

heteronormativ

In Bezug auf Heteronormativität das Konzept, dass Heterosexualität die einzige sexuelle Orientierung ist, die in der Gesellschaft als normal und richtig verstanden wird; andere sexuelle Orientierungen werden daher als von der Norm abweichend verstanden und folglich ausgegrenzt.

Ganzheitlich

Es bezieht sich auf Holismus, ein Wort, das vom griechischen holos stammt, was „ganz“ bedeutet. Es ist ein Ansatz, der das integrale Verständnis von Phänomenen priorisiert, im Gegensatz zu Verfahren, bei denen die Teile eines Ganzen isoliert analysiert werden.

Homoerotik

Erotische Anziehung zwischen Personen des gleichen Geschlechts.

Yalorisha

Oberste Priesterin eines Candomblé- oder Umbanda-Hauses, der afro-brasilianischen Religionen; in der wörtlichen Übersetzung der afrikanischen Yoruba-Sprache bedeutet es „Mutter der Heiligen“.

Ikonographie

Bezieht sich auf die visuellen Elemente wie Symbole und Themen, die ein figuratives Kunstwerk ausmachen. Es ist auch die Bezeichnung für die visuelle Dokumentation, die ein schriftliches Nachschlagewerk darstellt oder ergänzt. Der Begriff bezieht sich auch auf eine Disziplin der Kunstgeschichte, die den Ursprung, die Beschreibung und die Kontextualisierung der visuellen Darstellung von Bildern, Symbolen, Motiven und Attributen untersucht, die in einem Kunstwerk vorhanden sind.

marxistische Ideen

Es bezieht sich auf die Gedanken der deutschen Philosophen Karl Marx (1818-1883) und Friedrich Engels (1820-1895), die politische, soziale und ökonomische Analysen zur kapitalistischen Produktionsweise entwickelten und gesellschaftliche Veränderungen verteidigten, indem sie die Entwicklung des Kommunismus vorschlugen, eine wirtschaftliche und soziale Systembasis, die auf kollektivem Eigentum an den Mitteln zur Erhaltung des Lebens basiert.

kulturelle Identität

Es bezieht sich auf eine Reihe von kulturellen Merkmalen, die von einer Gruppe oder Gesellschaft geteilt werden, die ihre sozialen Beziehungen, kollektiven Erinnerungen, historisches Bewusstsein und sprachliche, religiöse, künstlerische, technische und wissenschaftliche Konstruktionen durchdringen und daher mit der Selbstdefinition davon verbunden sind Gruppe oder Gesellschaft Gesellschaft.

Imaginär

Der Satz von Symbolen und visuellen Darstellungen, die für eine bestimmte Gesellschaft, ein bestimmtes Volk oder eine soziale Gruppe charakteristisch sind.

impressionismus

Künstlerische Bewegung, die in der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts in Europa entstand. Impressionistische Künstler stimmten nicht mit der von den Kunstakademien diktierten Art der Darstellung der Realität überein, da sie sagten, dass Akademiker ihre Gemälde in Ateliers unter einer Art von künstlicher Beleuchtung malten, die sich von der Art von Außenlicht unterscheidet. Natürliches Licht und Bewegung wurden zu wichtigen Elementen der impressionistischen Malerei, deren Leinwände im Allgemeinen mit lockeren und schnellen Pinselstrichen im Freien gezeichnet wurden, damit der Maler die Nuancen der Natur und die verschiedenen Formen der Beleuchtung besser einfangen konnte. Möglich wurde diese Art der Forschung durch die industrielle Produktion von Tubenölfarbe. Edle, mythologische oder historische Themen sind in impressionistischen Werken, die Landschaften, Stillleben oder Alltagsszenen priorisieren, nicht üblich.

Impressionist

Siehe Impressionismus.

Installation

Begriff, der in den 1960er Jahren in das Vokabular der bildenden Kunst aufgenommen wurde, um eine zeitgenössische künstlerische Manifestation zu bezeichnen, die aus Elementen besteht, die in einer Umgebung organisiert sind. Die Installation ist eine Konstruktion oder Zusammenstellung von Materialien, die große Ausmaße erreichen können und dem Betrachter sogar erlauben, den Raum zu betreten, den sie bilden. Es kann einen ephemeren Charakter haben und nur für die Dauer einer Ausstellung gebaut bleiben, oder es kann abgebaut und an einem anderen Ort wieder aufgebaut werden.

Intervention

Im Bereich der Kunst hat dieser Begriff keine einheitliche Definition und kann mit mehreren Bedeutungen verbunden sein. Es bezeichnet normalerweise den Eingriff in eine bestimmte Situation oder ein Objekt, um eine Transformation oder Reaktion zu fördern, die auf der physischen, intellektuellen oder sensorischen Ebene auftreten kann. Interventionsarbeiten sind sehr vielfältig; sie können in einem urbanen Kontext durchgeführt werden – zum Beispiel mit Graffiti oder sogar mit der Schaffung einer Szene auf einem Platz – oder sie können über anderen Bildern erstellt werden und bestehen in diesem Sinne aus dem Hinzufügen von Elementen zu einem gegebenes Bild oder Objekt, einschließlich eines anderen Kunstwerks.

Ismael Nery

(Pará, Brasilien, 1900 – Rio de Janeiro, Brasilien, 1934)
Brasilianischer Maler, dessen Hauptthema die menschliche Figur war. Er besuchte die National School of Fine Arts in Rio de Janeiro. Er verbrachte einige Zeit in Frankreich, wo er an der Julien-Akademie studierte und mit moderner Kunst in Kontakt kam, die darauf abzielte, mit den klassischen akademischen Geboten der Naturnachahmung zu brechen. Seine Arbeit zeigt moderne Einflüsse mit lockereren Pinselstrichen und dem Vorhandensein emotionaler Elemente, die mit dem Expressionismus verbunden sind. Anschließend präsentiert es auch Einflüsse aus dem Surrealismus von Marc Chagall (1887 – 1985) mit Bildern psychischer und fantastischer Herkunft und aus dem Kubismus von Pablo Picasso (1881 – 1973) mit seinen Studien geometrisierter Räumlichkeit und ohne Perspektive.

Jackson Pollock

(Wyoming, USA, 1912 – New York, USA, 1956)
Der Hauptname des abstrakten Expressionismus, einer Bewegung, die zwischen den 1940er und 1950er Jahren ihr Epizentrum in New York hatte, in der Abstraktion mit der Spontaneität der Geste des Künstlers auf der Leinwand verbunden ist und sich auf seinen persönlichen Ausdruck bezieht. Im Laufe seiner Karriere bewegte sich Pollock von der Schaffung fragmentierter, figurativer Bilder zur totalen Abstraktion. Er entwickelte eine Technik, bei der er seine Leinwände auf den Boden legte, um sie herumging, und anstatt die Farbe mit dem Pinsel auf die Oberfläche aufzutragen, ließ er sie tropfen und tropfen, wodurch Flecken entstanden, die den gesamten Raum der Komposition überlappten.

Jean-Baptiste Debret

(Paris, Frankreich, 1768 – Paris, Frankreich, 1848)
Französischer Maler und Zeichner, Mitglied der französischen künstlerischen Mission, die 1816 in Brasilien ankam. Er lehrte Malerei an der Kaiserlichen Akademie der Schönen Künste. Zurück in Frankreich veröffentlichte er 1831 Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil (1834-1839), in dem er Aspekte der Natur, des Menschen und der brasilianischen Gesellschaft im frühen 1822. Jahrhundert dokumentierte. Dieser Künstler entwarf die Flagge des kaiserlichen Brasiliens, die von 1889 bis XNUMX die Nationalflagge war.

Joseph Beuys

(Krefeld, Deutschland, 1921 – Düsseldorf, Deutschland, 1986)
Deutscher Künstler, der nach dem Zweiten Weltkrieg ein Kunststudium begann, nachdem er als Pilot in der deutschen Luftwaffe gedient hatte. Seine künstlerische Produktion umfasste Happenings, Performances und Installationen und seine Art, Kunst zu betrachten, kann als Beispiel für die Idee der Nicht-Trennung von Kunst und Leben angesehen werden. Er glaubte, dass Kunst eine aktive Rolle in der Gesellschaft spielen sollte und dass jeder dies tun kann. Seine Arbeit hebt die Erforschung verschiedener Materialien wie Filz und Fett hervor, die in verschiedenen Werken verwendet werden. Er gilt als einer der einflussreichsten Künstler der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts.

Joseph-Antoine Bouvard

(Saint-Jean-de-Bournay, Frankreich, 1840 – Marly-le-Roi, Frankreich, 1920)
Französischer Architekt und Stadtplaner, der Anfang des XNUMX. Jahrhunderts den Umbauplan für das Zentrum von São Paulo entwarf. Er war Direktor des Tours and Gardens Service von Paris.

Nebeneinander

Das Platzieren eines Objekts oder Bildes neben oder über einem anderen.

Keith Haring

(Pennsylvania, USA, 1958 – New York, USA, 1990)
Als amerikanischer Künstler studierte er Grafikdesign und war stark beeinflusst von dem Kontext, in dem er lebte: New York in den 1980er Jahren, seine Graffiti- und Popkultur mit einem starken Bezug zu Comics. Seine Arbeit löste große Reflexionen über sozialen Aktivismus, homoerotische Themen und die Prostitutionsszene in der Stadt aus, beeinflusste unzählige Künstler auf der ganzen Welt und verbreitete das Bewusstsein für AIDS.

Land Art

Auch als Earth Art oder Earthwork bekannt, ist es eine Art von Kunst, bei der das natürliche Terrain, anstatt die Umgebung für das Kunstwerk bereitzustellen, selbst bearbeitet wird, um das Werk zu komponieren. Land Art entstand in den späten 1960er Jahren, teils als Folge der wachsenden Unzufriedenheit mit der bewussten kulturellen Monotonie, die durch die einfachen Formen des Minimalismus erzeugt wurde, teils als Ausdruck der Ernüchterung über die ausgeklügelte Technologie der Industriekultur, sowie aufgrund des Wachstums Interesse an ökologischen Fragestellungen Es ist eine Art von Kunst, die aufgrund ihrer Eigenschaften nicht in Museen oder Galerien ausgestellt werden kann (außer durch ihre Aufzeichnung in Fotografie, Video usw.).

Lasar Segall

(Wilna, Litauen, 1889 – São Paulo, Brasilien, 1957)
Maler litauischer Herkunft, verbunden mit dem deutschen Expressionismus, der Emotionen und subjektive Aspekte in der Darstellung mit lockereren Pinselstrichen und größerer Freiheit in der Verwendung von Farben schätzte. 1913 besuchte er Brasilien und stellte seine Werke aus. Er wurde 1925 eingebürgerter Brasilianer, nachdem er Jenny Klabin (1899 – 1967) geheiratet hatte. Er gilt als einer der Pioniere der modernen Kunst in Brasilien. Ein großer Teil seiner Werke befindet sich in dem nach ihm benannten Museum in der Stadt São Paulo.

Leda Catunda

(Sao Paulo, Brasilien, 1961)
1984 Abschluss in Bildender Kunst an der Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP). Ihre Forschung konzentriert sich auf Themen wie die Trivialisierung von Bildern, visuelle Stereotypen, nicht identifizierbare Autorschaft. Seine Suche nach neuen Trägern und Materialien ist ständig und er verwendet sie in seinen Gemälden von Kleidungsstücken und Wohnaccessoires wie Teppichen, Handtüchern, Socken, Mänteln und Kissenbezügen.

LGBTQIA +

Akronym, das versucht, die sexuelle Vielfalt zu umfassen und unterschiedliche Geschlechtsidentitäten sowie sexuelle und affektive Orientierungen sichtbar zu machen. Der Buchstabe L steht für Lesben. G ist der Buchstabe für Schwule. B steht für bisexuelle Menschen. T bezeichnet Transvestiten, Transsexuelle oder Transgender-Personen, Menschen, deren Geschlechtsidentität von der ihnen bei der Geburt zugewiesenen abweicht. Q bezeichnet queer und bezieht sich auf die Nicht-Identifikation mit gesellschaftlich etablierten Geschlechtererwartungen. Dies ist eine breite Kategorie, die verschiedene Identitäten in der nicht-heterosexuellen Gemeinschaft oder diejenigen umfasst, die sich nicht mit der bei der Geburt zugewiesenen Geschlechtsidentität identifizieren, die durch das biologische Geschlecht bestimmt wird. Queer bedeutet im Englischen „seltsam“, „exzentrisch“, ein Wort, das ursprünglich diskriminierend verwendet wurde, aber derzeit von der LGBTQIA+-Community umbenannt wird. Der Buchstabe I bezieht sich auf Intersexuelle, Menschen, die mit biologischen Merkmalen geboren werden, die nicht in typische weibliche oder männliche Kategorien passen. A ist der Buchstabe, der für Asexuelle steht, Menschen, die sich zu niemandem sexuell hingezogen fühlen. Und das +-Zeichen wird dem Akronym hinzugefügt, um auf andere sexuelle Orientierungen, Ausdrücke und Geschlechtsidentitäten hinzuweisen.

visuelle Sprache

Es betrifft die Kommunikation, die durch Bilder stattfindet. Die Bilder sind das Ergebnis einer Mischung aus Gedanken, Werten, Idealen und Emotionen und werden bildsprachlich unter anderem durch Linien, Farben, Proportionen, Texturen und Rhythmen konstruiert.

Lygia Clark

(Minas Gerais, Brasilien, 1920 – Rio de Janeiro, Brasilien, 1988)
Zeitgenössischer brasilianischer Künstler, der auch als Lehrer tätig war. Während ihrer gesamten Laufbahn begann sie, sich selbst „keine Künstlerin“, sondern „Antragstellerin“ zu nennen. Sein Arbeitsprozess begann auf traditionelle Weise und führte über Malerei und Skulptur, setzte sich jedoch fort in Richtung des Vorschlags von Werken, die sich als ästhetische und therapeutische Ereignisse entfalteten, die auf die öffentliche und sinnliche Erforschung abzielten, mit größerem Interesse an der Beteiligung der Menschen als an der Konstruktion des Künstlerischen Objekt.

Manifest

Ende des XNUMX. Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts sind die Manifeste im Kontext moderner Künstler, die mit den thematischen und stilistischen Mustern der Akademien brachen, die sich normalerweise in Gruppen artikulierten, Texte, die auf Entlarvung und Enthüllung abzielten Verbreitung der Ideen, die die Gruppe zusammenbringen; nehmen oft einen Flugblatt-Ton an.

Anthropophagisches Manifest

Oswald de Andrade (1890 – 1954) schrieb dieses Manifest 1928, inspiriert durch das Gemälde Abaporu, von Tarsila do Amaral (1886 – 1973). Das Manifest behandelt das Thema Anthropophagie – eine alte indianische Praxis im Zusammenhang mit dem rituellen Verzehr von menschlichem Fleisch – und verbindet es metaphorisch und poetisch mit der Beziehung, die die brasilianische Kultur mit anderen Kulturen, insbesondere Europa, etabliert hat, und schlägt eine Überprüfung der Abhängigkeitskultur Brasiliens vor. Das Thema dieses Manifests bleibt bis heute provokativ und wurde sogar auf der XXIV. Bienal de São Paulo im Jahr 1998 angesprochen.

Pau-Brasil-Manifest

Das Pau-Brasil Poetry Manifesto, geschrieben von Oswald de Andrade (1890 – 1954), wurde ursprünglich 1924 in der Zeitung Correio da Manhã veröffentlicht. 1925 wurde es als Eröffnung seines Pau-Brasil Poesiebuches präsentiert. Es verteidigt neue Prinzipien für die brasilianische Poesie, um die lokale Kultur durch die Verschmelzung von Elementen der Volks- und Gelehrtenkultur zu retten, einschließlich der Aufzeichnung von mündlichen Elementen und Alltagsthemen.

Marc Chagall

(Liozna, Weißrussland, 1887 – Saint-Paul-de-Vence, Frankreich, 1985)
Künstler russischer Herkunft, der seine künstlerische Ausbildung in den ersten Jahrzehnten des 1621. Jahrhunderts zwischen Sankt Petersburg und Paris entwickelte. Er machte Karriere an Kunstschulen, illustrierte eine Fabelnausgabe von Jean de La Fontaine (1695 – 1840) und entwarf Kostüme und Bühnenbilder für Ballette von Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky (1893 – XNUMX). In seinen Werken lassen sich Erinnerungen an seine Heimat und Themen wie Geburt, Heirat und Tod erkennen. Seine Inszenierungen sind stark surrealistisch geprägt, mit Elementen und Szenen, die sich auf die Ordnung des Phantastischen und des Traums beziehen.

Marcel Duchamp

(Blainville-Crevon, Frankreich, 1887 – Neuilly-sur-Seine, Frankreich, 1968)
Französische Künstlerin, deren Werk geprägt ist von der Hinterfragung künstlerischer Konventionen und ihrer konzeptionellen Gehalte, oft basierend auf Sprachspielen. Duchamp ging von dem Grundsatz aus, dass das, was der Künstler als Kunst definiert, Kunst ist, unabhängig von Regeln, technischen Mitteln oder spezifischen Materialien. Seine radikale Haltung gegenüber traditionellem künstlerischen Denken machte ihn zu einem der einflussreichsten Künstler im Wandel der Kunst des 1913. Jahrhunderts. Duchamp fertigte 1917 sein erstes Ready-Made (ein Wort, das mit „bereits fertig“ übersetzt werden kann), das Fahrradrad. Das erste, das von ihm öffentlich ausgestellt wurde, war Fonte von XNUMX, in dem er sich ein männliches Urinal aneignete und unter einem Pseudonym signiert.

Kaufmann

Begriff französischen Ursprungs mit der Bedeutung „Kaufmann“. Bezieht sich auf den Fachmann, der Kunstwerke kauft, verkauft und als gewerblicher Vermittler fungiert, die Produktion von bildenden Künstlern fördert und potenzielle Käufer berät.

Mario de Andrade

(Sao Paulo, Brasilien, 1893 – Sao Paulo, Brasilien, 1945)
Schriftsteller, Musikwissenschaftler, Lehrer und Verteidiger des brasilianischen künstlerischen und kulturellen Erbes. Theoretiker und Artikulator der modernistischen Bewegung und der Modern Art Week von 1922, die die Erneuerung der brasilianischen Kunst und Kultur vorschlug und lokale Besonderheiten betonte.

Meditieren

Der Begriff der Mediation stammt aus dem Rechtsbereich, wo er eine Handlung bezeichnet, die zwischen den Parteien in einer Konfliktsituation wirkt. Im Bildungsbereich weist der Begriff Mediation auf ein bewusstes Handeln hin, das als Bindeglied zwischen dem Subjekt, dem Individuellen und Einzigartigen, dem Kollektiven und dem analysierten Objekt (Text, Bild oder Element) fungiert. Es stellt einen Kommunikationsprozess dar, der es ermöglicht, unterschiedliche Sichtweisen, Erfahrungen und Wahrnehmungen der Realität aufzudecken und zu erfassen und die Vielfalt der in der Gesellschaft vorhandenen Lebensstile und Themen hervorzuheben. Mediation ermöglicht den Aufbau von Beziehungen zwischen den Akteuren einer Gemeinschaft und auch zwischen ihnen und der Welt, in die sie eingefügt sind.

Weniger Wert

In der Wirtschaftswissenschaft bezieht sich der Begriff auf die festgestellte Differenz, wenn der Verkaufswert geringer ist als der Nettobuchwert eines Vermögenswerts. Es kann aber auch die geringe Wertschätzung oder der geringe Verdienst bedeuten, der einer Person durch die Umgebung, in der sie lebt, oder durch sich selbst zugeschrieben wird.

Fehlgenerierung / Fehlgenerierung

Miscegenation ist die biologische Mischung zwischen Menschen verschiedener ethnischer Rassengruppen, wie zum Beispiel schwarze Frauen und weiße Männer, schwarze Männer und indigene Frauen, weiße Frauen und indigene Männer und so weiter.

Metaphysik

Wort griechischen Ursprungs, das mit „jenseits der Physik“ übersetzt werden kann. Das heißt, Metaphysik bezieht sich auf immaterielle philosophische Fragen, die jenseits konkreter und empirischer Erfahrung liegen. Es ist ein Zweig der Philosophie, der versucht, die Essenz der Dinge zu untersuchen und zu verstehen, was sie so ausmacht, wie sie sind, aber das Wort wird auch in Kontexten von Mystik und Esoterik verwendet.

Vervielfältigt

Reproduziert auf einem Mimeographen, Gerät zur großformatigen Reproduktion von Bildern und Texten auf Papier. Das Verfahren zur Herstellung von vervielfältigten Kopien erfordert die manuelle Arbeit des Kopierens des ursprünglichen Textes oder Bildes auf die Matrix (ein Blatt Schablonenpapier) und auch das manuelle Drehen einer Kurbel, um die Kopien zu drucken.

Minimalismus

Der Begriff bezieht sich auf künstlerische, kulturelle und wissenschaftliche Bewegungen, die zu verschiedenen Zeiten im XNUMX. Jahrhundert stattfanden und die sich auf die Verwendung weniger grundlegender Elemente als Ausdrucksgrundlage konzentrierten. Der Minimalismus in der bildenden Kunst versuchte, durch die formale Reduktion und Serienfertigung von Objekten dem Betrachter eine Wahrnehmung des Wesens des Objekts zu vermitteln.

Französische künstlerische Mission

Auch „Colônia Lebreton“ genannt, da es von dem französischen Intellektuellen und Politiker Joachim Lebreton (1760-1819) organisiert wurde, umfasste es die Maler Nicolas Antoine Taunay (1755-1830) und Jean-Baptiste Debret (1768-1848), den Bildhauer Auguste-Marie Taunay (1768-1824), der Architekt Grandjean de Montigny (1776-1850) und der Medaillenstecher Charles-Simon Pradier (1786-1843). Diese Gruppe von akademischen Künstlern, Architekten und Handwerkern kam 1816 nach Brasilien, um auf Wunsch des Monarchen D. João VI, der in Rio de Janeiro eingesetzt wurde und bestrebt war, die lokale Kulturszene zu erneuern, den Kunstunterricht einzuführen. Die Arbeit dieser Künstler führte 1826 zur Gründung der Kaiserlichen Akademie der Schönen Künste, die den neoklassizistischen Stil im ganzen Land verbreitete und die Formen der realistischen und illusionistischen Darstellung europäischer klassischer Referenzen rettete, beispielsweise unter Verwendung von Perspektive und Spielen von Licht und Schatten von Hell-Dunkel, die in den Gemälden Illusionen von Tiefe erzeugten.

Mythos der drei Rassen

Die Konzeption entwickelte sich hauptsächlich ab dem Ende des XNUMX. Jahrhunderts, basierend auf der Idee, dass die brasilianische Bildung durch die Beziehung zwischen drei „Rassen“ erfolgte: der Europäer, der Indigenen und der Afrikaner. Diese Idee wurde in Theorien verschiedener Autoren und auch im gesunden Menschenverstand verbreitet, wurde jedoch im Laufe der Zeit diskreditiert und aufgrund einiger kritischer Punkte als „Mythos“ angesehen: Der Begriff „Rasse“, wie er früher verstanden wurde, wird heute als falsch angesehen. ; in dem Land wurde eine Vorstellung von Rassendemokratie geschaffen, die sich als falsch herausstellte, da die Kolonialisierung unausgewogene Beziehungen verursachte und noch heute Menschen indigener und afrikanischer Herkunft in unserer Gesellschaft Vorurteilen und Diskriminierung ausgesetzt sind; die konzeption verallgemeinert indigene und afrikanische völker als jeweils einer einzigen kultur zugehörig, obwohl ihre herkünfte sehr unterschiedlich sind, mit zahlreichen kulturellen und auch sprachlichen unterschieden.

Mythen

Komplexe narrative Konstrukte, die sich allgemein auf die Prinzipien der Zeit beziehen und Erklärungen für wichtige Lebensereignisse bieten. Sie stellen oft symbolisch Naturereignisse dar, die sich zyklisch wiederholen.

Modernismus von São Paulo

Eine Bewegung, die mit Vorschlägen für moderne Kunst verbunden ist, die in den 1920er Jahren in Brasilien begann und in São Paulo von der Woche der modernen Kunst 1922 geprägt war, die künstlerische Manifestationen in verschiedenen Sprachen umfasste – bildende Kunst (Malerei und Skulptur). Literatur und Musik. Seine Vorschläge zielten auf die Einbeziehung der stilistischen und thematischen Neuerungen der europäischen künstlerischen Avantgarde und gleichzeitig auf die Diskussion der Rolle der Kunst bei der Konstruktion einer brasilianischen Identität.

Monoprints

Mono bedeutet eins oder einzeln, und Druck bedeutet Eindruck. Monoprints sind also Gravuren, die nur einmal gedruckt werden können, was eine mehrfache Reproduktion unmöglich macht.

Monotypie

Dies ist die Gesamtheit der Drucktechniken, mit denen ein Muster oder ein Farbfleck nur einmal reproduziert werden kann (daher der Name „Monotypie“). Das Zeichnen erfolgt auf einer temporären glatten Oberfläche wie Metall, Kunststoff oder Glas; auf diese Fläche wird das Blatt Papier gelegt und so der Abdruck erhalten.

Neokonkrete Bewegung oder Neokonkretismus

Eine Bewegung brasilianischer Künstler, die 1959 mit dem Neoconcrete Manifest ins Leben gerufen wurde. Sie überarbeitete die konkretistische geometrische Abstraktion der 1950er Jahre, die Kunst und Industrie näher zusammengebracht hatte, stellte ihren Rationalismus in Frage und verteidigte die Rettung der Subjektivität, Sprachexperimente und Annäherung an den Zuschauer . Unter den teilnehmenden Künstlern sind Amilcar de Castro (1920-2002), Hélio Oiticica (1937-
1980), Lygia Clark (1920-1988) und Lygia Pape (1927-2004).

Mexikanische Wandmalerei

José Clemente Orozco (1883 – 1949), Diego Rivera (1886 – 1957) und David Alfaro Siqueiros (1896 – 1974) sind die Künstler, die diese Bewegung komponierten, die zwischen 1920 und 1970 in Mexiko stattfand. In Übereinstimmung mit den Idealen der Mexikaner Revolution (1910-1917) schlugen die Wandmaler künstlerische und kulturelle Produktionen mit nationalistischen Bestrebungen vor, die die gemischtrassige Identität Mexikos verherrlichten und die Arbeiter, die sozialen Kämpfe der Menschen und die präkolumbianische Kultur schätzten. Um die Bevölkerung zu erreichen, wurden die Kreationen dieser Künstler in Wandgemälden von monumentalem Ausmaß konzipiert, die im öffentlichen Raum platziert wurden.

Museologie

Gesellschafts- und angewandte Disziplin, die sich auf Museen bezieht und deren theoretische, methodische, praktische und technische Aspekte einbezieht. Es widmet sich dem Studium der Beziehung zwischen Menschen und Gegenständen, ob natürlich oder künstlich, die wichtige Aspekte für das Gedächtnis einer Gruppe oder Gesellschaft enthalten. Somit stellt die Museologie eine Reihe von wissenschaftlichen Erkenntnissen dar, die sich auf die Erhaltung, Klassifizierung und Präsentation von Museumssammlungen beziehen.

Museum

Institution, die sich der Auswahl, dem Erwerb, der Erhaltung, der Erforschung und der öffentlichen Ausstellung materieller Elemente – natürlicher oder künstlicher Objekte – und immaterieller Elemente – wie Erinnerungen, Bräuche, Wissen – widmet, die sich auf Gesellschaften und ihre Umwelt beziehen. Diese Offenlegung durch das Museum kann Bildungszwecken im Zusammenhang mit Lehre und Forschung dienen, kann aber auch Freizeitzwecken dienen. Somit hat eine solche Institution keine lukrativen Zwecke und steht im Dienst der Gesellschaft.

Lasar-Segall-Museum

Museum konzipiert von Jenny Klabin Segall (1899–1967), Witwe von Lasar Segall (1889–1957). Es wurde 1967 von Mauricio Segall (1926–2017) und Oscar Klabin Segall (1930–2002), den Söhnen des Künstlers, geschaffen. Heute ist es Teil des Brasilianischen Museumsinstituts – IBRAM. Die Mission des Museums ist es, die Arbeit von Lasar Segall zu bewahren, zu erforschen und zu verbreiten. Mit einer Sammlung von 3.000 Werken des Künstlers bildet es ein aktives Zentrum kultureller Aktivitäten in den Bereichen Gravur, Fotografie und literarisches Schaffen und beherbergt eine auf Theater, Oper, Tanz, Kino, Fotografie, Radio und Fernsehen spezialisierte Bibliothek sowie eine umfangreiche Dokumentation zu Leben und Werk von Lasar Segall.

Neo-Expressionismus

Zwischen Mitte der 1960er und Ende der 1970er Jahre begannen mehrere Künstler, die handwerkliche Herstellung von Werken, insbesondere die Malerei, zu leugnen und versuchten, Werke zu produzieren, bei denen Ideen und Konzepte wichtiger waren als der Herstellungsprozess der Arbeit – was nicht der Fall war unbedingt vom Künstler ausgeführt werden müssen. Diese Bewegung wurde als Konzeptkunst bezeichnet. In Deutschland in den XNUMXer Jahren
1980 war geprägt von der sogenannten „Rückkehr zur Malerei“, basierend auf den Werken einer Künstlergeneration, die die deutsche künstlerische Tradition mit Einflüssen aus der Romantik des XNUMX. Jahrhunderts und dem Expressionismus vom Beginn des XNUMX Realität kritisch, emotional und subjektiv darstellen und politische Positionen angesichts sozialer, ökologischer und ökonomischer Ursachen darstellen. Seine Malerei verteidigte einen Ausdruck, der unterschiedliche Auffassungen von Kunst widerspiegelte. In Italien führten diese Ideen zu Transvanguarda und Arte Povera, bekannt für die Verwendung von Farben, die mit Materialien wie Sand, Stroh und anderen gemischt und auf die Leinwand geklebt wurden.

Neue Figuration oder Neofiguration

Ein Begriff, der die Existenz eines Trends in der brasilianischen Kunst der 1960er Jahre bestätigt, der durch die Ablehnung der Abstraktion gekennzeichnet war, mit einem Interesse an der Rückkehr der Figuration und an einer mit Humor und Ironie behandelten Gesellschaftskritik. Unter dem Einfluss von Pop Art und New Realism bedienten sich neofigurative Künstler in ihren Werken visueller Referenzen aus Massenmedien, Fußballidolen und Werbeästhetiken.

Neue Sachlichkeit

Der Begriff wurde von Gustav Hartlaub (1884 – 1963) als Titel einer von ihm idealisierten Ausstellung geprägt. Es fand 1925 in der Stadt München statt. Die dort präsentierten Arbeiten kennzeichneten die mit der Neuen Sachlichkeit verbundenen Produktionen: Sie hatten den Ton der Denunziation und Sozialsatire und die Kritik an der bürgerlichen Gesellschaft und am Krieg gemeinsam. In Brasilien fand 1967 die Eröffnungsausstellung von Nova Objetividade Brasileira im Museum of Modern Art in Rio de Janeiro statt. Die Ausstellung zog eine Bestandsaufnahme der damaligen brasilianischen Avantgarde-Kunst.

Neuer Realismus

Bewegung unter der Leitung des französischen Kunstkritikers Pierre Restany (1930 – 2003), die 1960 in Frankreich und Italien entstand. Die neuen Realisten schlagen eine neue Ausdruckskraft für eine neue soziokulturelle Realität vor, geprägt von der nordamerikanischen Hegemonie in der Nachkriegszeit, von der Maschine, von Massen- und Informationskulturen, von Werbung, von technologischen Fortschritten, die den Alltag mit modifizieren
den neuen Geräten und politisch durch die Realität des Kalten Krieges. Es geht darum, die Sphäre der Kunst wieder mit der Welt zu verbinden, basierend auf der Einführung von Elementen des Realen in Kunstwerken. Ziel ist es, die wahrgenommene Realität in sich einzufangen und nicht durch das Prisma der Emotion. Die Montage, die Verwendung von Materialien, die aus dem Alltag gesammelt und in Werke integriert werden, ist das wichtigste Ausdrucksmittel des Neuen Realismus.

Traumhaft

Apropos Träume.

Lautmalerei

Nachahmung von Geräuschen wie Natur- oder Maschinengeräuschen durch Phoneme oder Wörter, die im Allgemeinen verwendet werden, um geschriebenem oder gesprochenem Text mehr Ausdruckskraft zu verleihen.

Rosenkreuzer Orden

Mystische und philosophische Gruppe, die die psychische, intellektuelle und spirituelle Verbesserung ihrer Mitglieder und der Menschheit anstrebt. Sein Name bezieht sich auf den deutschen Mönch Christian Rosenkreuz, der im XNUMX. Jahrhundert gelebt und den ersten Orden in Europa gegründet haben soll, aber die Rosenkreuzer behaupten, Erben esoterischer Traditionen zu sein, die bis in die Antike zurückreichen.

Orphismus

Der Begriff bezieht sich auf Orpheus, Dichter und Leierspieler in der griechischen Mythologie, der die mögliche Verschmelzung der Musik mit anderen Künsten symbolisiert. In der Malerei ist es eine Strömung, die im Kontext des Kubismus entstand – einer Bewegung, die Formen und Raumkonstruktionen zerlegte, Figuren geometrisierte – und deren größter Vertreter Robert Delaunay (1885-1941) war. Es betont die Verwendung von Farbe und Form als Mittel zur Kommunikation von Emotionen und zur Simulation der Bewegung und Dynamik der modernen Welt.

Orisha

Gottheit oder Gottheit von Religionen wie Candomblé und Umbanda, deren Ursprung auf die Yoruba-Völker Afrikas zurückgeht, die in der Neuzeit versklavt und gewaltsam nach Brasilien gebracht wurden. Jeder Orixá ist eine spirituelle Kraft, die für bestimmte Aspekte der Natur und Dimensionen des menschlichen sozialen Lebens verantwortlich ist. Die Orixás sind vermenschlicht und jeder hat seine eigene Persönlichkeit.

Oswald de Andrade

(São Paulo, 1890 – São Paulo, 1954)
Brasilianischer Schriftsteller, Theoretiker und Organisator der modernistischen Bewegung und der Woche der modernen Kunst von 1922, die versuchte, die brasilianische Kultur zu würdigen und Aspekte der kolonialen Vergangenheit zu kritisieren. Verheiratet mit Tarsila do Amaral (1886 – 1973) von 1926 bis 1930. Seine Texte Manifesto da Poesia Pau-Brasil (1924) und Manifesto Antropófilo (1928) synthetisieren die poetischen Ideen der Moderne von São Paulo.

Kulturelles Erbe

Reihe von Manifestationen, Errungenschaften und Repräsentationen eines Volkes oder einer Gemeinschaft. Es ist an verschiedenen Orten und Aktivitäten präsent: auf den Straßen, in unseren Häusern, in unseren Tänzen und Musik, in der Kunst, in Museen und Schulen, Kirchen und Plätzen. Es geht auch um die Art und Weise des Tuns, Schaffens und Arbeitens. Sie ist Teil des alltäglichen Lebens und begründet die Identitäten, die die von einer Gesellschaft verteidigten Werte bestimmen. Der Staat wählt durch Gesetze und Institutionen bestimmte Manifestationen, Errungenschaften und Darstellungen aus, die zum kulturellen Erbe werden und offiziell bewahrt werden sollen.

Glücksbringer

Eine bestimmte Art von Amulett, das für viele Menschen dazu dient, das Böse abzuwehren. In Candomblé, einer afro-brasilianischen Religion, werden Patuás als geweihte Gegenstände verwendet und tragen in sich die Axé (heilige Kraft) der Wesenheiten, die sie repräsentieren.

Pedro Alexandrino

(Sao Paulo, Brasilien, 1864 – Sao Paulo, Brasilien, 1942)
Brasilianischer Maler, Dekorateur, Zeichner und Professor, bekannt für seine Stillleben, Absolvent der Kaiserlichen Akademie der Schönen Künste in Rio de Janeiro. Er war unter anderem Schüler des Künstlers José Ferraz de Almeida Junior und Lehrer von Tarsila do Amaral und Anita Malfatti.

Pendel

Vorrichtung bestehend aus einem Körper mit einem bestimmten Volumen, der an einer nicht dehnbaren Schnur befestigt ist, die um einen festen Punkt schwingt. Dieses Gerät führt alternierende Bewegungen um die zentrale Position aus, die als Gleichgewichtsposition bezeichnet wird. Das Pendel wird häufig in Studien zu Kraft, Gewicht und Schwingungsbewegungen in der Physik verwendet.

künstlerische Rente

Von der Regierung des Staates São Paulo von 1912 bis 1931 gewährtes Stipendienprogramm für junge Künstler, um ihre Fähigkeiten in Europa zu verbessern. Zu den Verpflichtungen der ausgezeichneten Künstler gehörte die Schenkung der während des Stipendienzeitraums entstandenen Werke an die Pinacoteca des Bundesstaates São Paulo.

Kennzahlen

Künstlerische Aktion, die Aspekte der bildenden Kunst, des Theaters, des Tanzes und der Musik vermischt, aber auch andere Elemente und Dynamiken des Künstlers beinhalten kann, einschließlich der Umgebung, in der die Aktion stattfindet. Das Ergebnis ist normalerweise eine Art Dokumentation (Video, Film, Buch, Foto), die für den Kunstkreislauf bestimmt ist.

Personifikation

Eine Person oder ein Bild einer Person, die etwas Abstraktes darstellt oder ähnelt, wie z. B. eine Eigenschaft oder eine Idee.

Perspektive

Technik zur Darstellung dreidimensionaler Elemente auf einer flachen Oberfläche, die visuelle Illusionen von Tiefe, Dicke und Volumen erzeugt. Es besteht aus mathematischen Prinzipien, die mit Geometrie und Optik verbunden sind.

Kunstforschung

Eine Reihe von Aktivitäten im Zusammenhang mit Studien, Untersuchungen, Praktiken und Systematisierung von Informationen, unter anderem Aspekten, die spezifische Normen und Parameter respektieren und die Entdeckung neuen Wissens sowie die Bestätigung oder Anfechtung alten Wissens über das Gebiet zum Ziel haben der Kunst.

Bildhaftigkeit

Der Piktorialismus entstand unter Fotografen in der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts in Europa. Es bestand in der Schaffung von fotografischen Bildern, die Gemälden, Gravuren und Zeichnungen ähnelten. Zu diesem Zweck haben Fotografen fertige Fotografien oft auch manuell verändert. Viele Maler der damaligen Zeit hatten Angst, den Raum für diese aufkommende künstlerische Fotografie zu verlieren, und versuchten, zu produzieren
seine Arbeiten aus Mitteln, die die fotografischen technischen Grenzen transponierten. Zu Beginn des XNUMX. Jahrhunderts, mit dem Ersten Weltkrieg, begann der bildhafte Stil zu sinken.

Pinacoteca do Estado de São Paulo

Es ist das älteste Museum für bildende Kunst im Bundesstaat São Paulo und eines der wichtigsten. Es befindet sich in dem Gebäude, das ursprünglich für das Lyceum of Arts and Crafts of São Paulo gebaut wurde, dessen Projekt vom Architekten Ramos de Azevedo entworfen wurde. Die Pinakothek wurde am 14. November 1905 eingeweiht. In den späten 1990er Jahren wurde das Gebäude im Hinblick auf seine bauliche Erhaltung sowie auf seine Tauglichkeit restauriert
seiner Einrichtungen, die für die Aktivitäten eines modernen Museums für bildende Kunst angepasst wurden. Seine Sammlung umfasst rund 11 Werke, hauptsächlich brasilianischer Kunst des XNUMX. bis XNUMX. Jahrhunderts. Es integriert eine Reihe von museologischen Einrichtungen, die mit dem Ministerium für Kultur und kreative Wirtschaft von São Paulo verbunden sind.

Pinakothek Estação

Es wurde im Januar 2004 als neuer Raum für die Pinacoteca do Estado eingeweiht und befindet sich in einem Gebäude, das 1914 gebaut wurde, um die Büros und Lager der Estrada de Ferro Sorocabana unterzubringen, mit einem architektonischen Entwurf des Technischen Büros von Ramos de Azevedo. 1939 wurde das Gebäude Sitz des State Department of Political and Social Order (Deops). 1983, nach dem Aussterben von Deops, wurde das Gebäude von der Polizeistation für Verbraucherschutz (Decon) genutzt, bis es 1997 an das Staatssekretariat für Kultur überging. Das Gebäude wurde von 1997 bis 2002 vom Architekten Haron Cohen umfassend restauriert. Derzeit beherbergt das Gebäude neben temporären Ausstellungen bildender Kunst auch die Gedenkstätte des Widerstands von São Paulo, die Walter-Wey-Bibliothek und das Dokumentations- und Gedächtniszentrum des Museums.

Materialmalerei

Es entsteht nach dem Zweiten Weltkrieg. Es besteht aus Werken, in denen Künstler einer flüssigen Basis trockene Pigmente (wie Marmorstaub, Sand, Erde usw.) hinzufügen, wodurch dichte Farbschichten und tiefe Reliefs entstehen.

metaphysische Malerei

Malstil, der mysteriöse Szenarien darstellt und durch symbolische Elemente wie die Schaufensterpuppe, auf halbem Weg zwischen Mensch und Roboter, Szenen schafft, die still wirken und ein Gefühl der Unruhe suggerieren. In den Werken wird mit rationalen und klassischen Architekturen nach Zeitlosigkeit gesucht. Zu ihren größten Vertretern zählen Giorgio De Chirico (1888 – 1978) und Giorgio Carrá (1881 – 1966), die 1917 den Begriff „metaphysische Malerei“ prägten.

Poetisch

Der Begriff kommt vom griechischen Wort poiesis und bezeichnet die Fähigkeit und Beherrschung von Wissen, etwas zu tun. Somit kann Poetik im Prinzip mit jeder menschlichen Produktion in Verbindung gebracht werden. In der Kunst umfasst Poetik Aspekte, die die Werke eines Künstlers individualisieren: die Merkmale, die sich auf die persönliche Marke des Künstlers in seinen Produktionen beziehen, die nicht nur seinen Stil und seine technische Meisterschaft, sondern auch subjektive Diskurse und Werte betreffen.

Pop-Art

Siehe Pop-Art.

Erster Plan

In zweidimensionalen Darstellungen, wie in Gemälden und Zeichnungen, wird jede Schicht dargestellter Elemente als Ebene bezeichnet, deren Größe abnimmt, wenn sie sich vom Betrachter zu entfernen scheinen. Diese Elemente zusammen bewirken das Gefühl der Perspektive und erzeugen eine visuelle Illusion von Tiefe im Bild. Der Vordergrund ist die Ebene, die dem Betrachter am nächsten zu sein scheint.

Fertig

Das Wort ready-made kann mit etwas „fertig“, „vorgefertigt“ übersetzt werden. Mit diesem Begriff bezeichnete der französische Künstler Marcel Duchamp (1887 – 1968) seinen künstlerischen Vorschlag, industrielle Alltagsgegenstände als Kunstwerke darzustellen. Mit dieser Haltung, sich ein bereits vorhandenes Objekt anzueignen und ihm eine neue künstlerische Bedeutung zu geben, wurde die Arbeit des Künstlers als geistige Aktion betrachtet, anstatt ein Kunstobjekt zu schaffen. Sein erstes Readymade (1912) war ein auf einem Hocker montiertes Fahrradrad. Indem der Künstler vorgefertigte Gebrauchsgegenstände, meist ohne ästhetischen Wert, auswählte und in den Kontext des künstlerischen Kreislaufs übertrug, schlug er Kritik am Kunstsystem und seinen Betriebsregeln vor, die beispielsweise definierten, was als Kunstwerk zu betrachten ist oder wer war ein Künstler. Die Geschichte eines anderen Readymade namens Fonte veranschaulicht diese Überlegungen: Duchamp schickte anonym ein Urinal mit der Signatur „R. Mutt“ für den Salon of Independent Artists in New York im Jahr 1917 und warf Fragen über den Zustand des Kunstwerks auf, das damals als einzigartiges Objekt angesehen und zwangsläufig von jemandem hergestellt wurde, der als Künstler galt.

Realismus

Im weiteren Sinne bezieht es sich auf die Darstellung der Realität, die in Kunstwerken durch Techniken konzipiert wird, die die Natur und die Welt nachahmen, in Übereinstimmung mit dem, was geglaubt wird, dass die Augen natürlich sehen. Realismus ist auch der Name einer künstlerischen Bewegung, die im XNUMX. Jahrhundert in Frankreich entstand und vorschlug, den Menschen und die Gesellschaft in ihrer Gesamtheit darzustellen, ohne Idealisierungen oder Sentimentalitäten. So wurden die in den Werken der Künstler behandelten Themen über Adel und Aussehen hinaus auch auf das Alltagsgeschehen und die untersten Schichten der Gesellschaft ausgedehnt, wie beispielsweise Darstellungen von Arbeitern, Bauern, Malern und sogar Bettlern und Prostituierten .

Wiedergeburt

Kulturelle Bewegung, die zwischen dem XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert in Italien stattfand und darauf abzielte, die ästhetischen Werte und das Denken der griechisch-römischen Antike wiederherzustellen. In der bildenden Kunst war sein Fortschritt gekennzeichnet durch die wachsende Beherrschung anatomischer Studien und Darstellungen und durch die Verwendung perspektivischer Techniken, die die visuelle Illusion von Tiefe erzeugen. Es hatte seine Blütezeit im XNUMX. Jahrhundert und dehnte sich auf andere Standorte in Westeuropa aus.

naturalistische Darstellung

Eine Darstellung, die in ihrem Streben nach realitätsnahen Bildern die gesamte westliche Kunst vom antiken Griechenland bis zum Ende des XNUMX. Jahrhunderts nachhaltig geprägt hat. Er versuchte, die Figuren und Formen der Natur aus einer sehr sorgfältigen und detaillierten Beobachtung darzustellen.

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Ausdruck, der die in Europa in der Zeit zwischen den Weltkriegen entwickelten künstlerischen Vorschläge bezeichnet, in denen Künstler versuchten, zu einer „Ordnung“ zurückzukehren, die vor dem Aufkommen künstlerischer Experimente existierte, die von den künstlerischen Avantgarden durchgeführt wurden (Expressionismus, Fauvismus, Kubismus, usw., die neue Farben, Formen und Themen in die Werke eingeführt hatten) durch eine Produktion mit figurativen und regionalistischen Merkmalen, neben der Wertschätzung der handwerklichen Arbeit des Künstlers, wobei jedoch einige im Kontext der Avantgarde eroberte formale Lösungen bewahrt wurden .

Porträt

Ein Bild, das eine oder mehrere Personen darstellt (es kann ein Einzel- oder Gruppenporträt sein), das sich normalerweise auf die Gesichter konzentriert, um ausdrucksstarke und besondere Aspekte der Identität der dort anwesenden Person(en) hervorzuheben.

visueller Rhythmus

Der visuelle Rhythmus wird durch die Wiederholung und Abwechslung der verschiedenen Arten von visuellen Elementen festgelegt, die der Künstler für die Komposition seines Werks ausgewählt hat, und zeigt harmonische Beziehungen zwischen ihnen.

Robert Delaunay

(Paris, Frankreich, 1885 – Montpellier, Frankreich, 1941) Er war einer der Wegbereiter der abstrakten Malerei. Nahm am Kubismus teil, einer Bewegung, die
überarbeitete die räumliche Konstruktion von Formen und Perspektive und nutzte die Geometrisierung von Figuren. Delaunay war bekannt für seine kubistische Serie, darunter den Eiffelturm. Er war einer der größten Vertreter des Orphismus, einer Bewegung, die für ihre Verwendung kräftiger Farben und geometrischer Formen bekannt ist.

Robert Rymann

(Tennessee, USA, 1930 – New York, USA, 2019) US-amerikanischer Maler, der in New York lebte und durch seine Werke bekannt wurde
abstrakt in weiß auf weiß gemalt. Der Künstler verteidigte eine Form des Realismus, die sich in seinem Interesse manifestierte, die in seinen Kompositionen verwendeten Materialien hervorzuheben, ohne zu versuchen, Illusionen der Repräsentation zu erzeugen.

Samba-Erhöhung

Samba-Genre, das 1939 mit dem Lied Aquarela do Brasil von Ary Barroso (1903 – 1964) eingeführt wurde. Es zeichnet sich durch prahlerische Kompositionen aus, die die brasilianische Kultur und Natur auf allgemeine Weise preisen. Es deckt sich mit dem Nationalismus des Estado Novo und dem Image des Landes, das in dieser Zeit nach Export strebte.

Woche von 22 oder Woche der modernen Kunst

Veranstaltung im Teatro Municipal de São Paulo vom 11. bis 18. Februar 1922, deren Hauptziel es war, die Erneuerung und Transformation der künstlerischen Produktion im urbanen künstlerischen und kulturellen Kontext zu präsentieren, die Literatur, bildende Kunst, Architektur und Musik umfasste. Aufgrund seiner großen nationalen Wirkung gilt es als Wahrzeichen der brasilianischen Moderne.

Empfindlichkeit

Es ist mit Gefühl und Kreativität verbunden und umfasst das psychische Feld der Gefühle und Werte sowie die Vorstellungskraft.

Sergio Romagnolo

(São Paulo, Brasilien, 16. Dezember 1957) Brasilianischer Lehrer und Künstler, der an der Fundação Armando Álvares studierte
Frisur und lehrte an derselben Stiftung zwischen 1985 und 1986. Ein Teil seiner Forschung ist ein Interesse an der urbanen und industriellen Materialisierung in Kunststoff, Material, das der Künstler mit seinen Händen formt, um Autos, Gebäude, Flugzeuge, Kameras, Videokameras und Kameras zu formen Mülleimer.

Rührer, Labor

Die Shakers-Bewegung (1774 in den USA gegründet) war ein großer Einfluss für den brasilianischen Künstler Leonilson, der in einem Interview mit Lisette Lagnado zeigte, dass er tief bewegt war, als er eine Ausstellung von Shakers' Design in New York besuchte. Ästhetik ist für die Shakers untrennbar mit Ethik verbunden, sodass alles, was sie produzieren, von der Idee geleitet wird, „was praktisch ist, ist schön“. Die Community of Shakers geht auf das Ende des XNUMX. Jahrhunderts zurück und wurde von der Engländerin Ann Lee auf amerikanischem Territorium gegründet. Aller Besitz war kollektiv, basierend auf einer autarken Wirtschaft: Alle Möbel, Werkzeuge und Produktionsmittel wurden in Handarbeit in der Gemeinde für den eigenen Gebrauch oder für den externen Verkauf hergestellt. Alles musste einfach sein und ohne äußere Verzierungen wie zum Beispiel Dekorationen: Alle Gegenstände mussten ihrem Kontext und Zweck entsprechen und den Konzepten von Perfektion, Reinheit, Ordnung, Einfachheit, Haltbarkeit, Funktionalität und Nützlichkeit folgen. Die Verwendung von Farben wurde kodiert: Betten, grau; Kissen, dezente Farben, Teildrucke oder Schriftzüge; Decken und Bettdecken, blau und weiß. Durch die Verankerung des Gebrauchswerts von Objekten musste jeder produzierte Artikel perfekt sein: „Nützlichkeit ist Schönheit“, „Einfachheit verkörpert Reinheit und Einheit“, „Ordnung muss herrschen und nutzlose Formen müssen verbannt werden“.

Symbole

Figur, die ein Wesen, Objekt oder eine abstrakte Idee darstellt; das, was durch Konvention oder durch formale oder andere Analogieprinzipien etwas ersetzt oder vorschlägt.

Symmetrie

Eine Symmetrieachse ist eine Linie, die eine Figur halbiert, in zwei komplementäre Teile, so dass eine Hälfte der anderen gleich ist, das heißt, sie spiegelt die andere wider, als wäre sie ein Spiegel.

Site-spezifisch

Ein englischer Ausdruck, der „für einen bestimmten Ort“ bedeutet und sich auf gängige Manifestationen in der zeitgenössischen Kunst bezieht, in denen Werke für einen bestimmten Raum geschaffen werden. Es besteht aus einer Art künstlerischer Intervention, die mit verschiedenen Arten von Materialien konzipiert wurde, die eine bestimmte Umgebung bilden. Es handelt sich um geplante Werke, die im Allgemeinen auf Einladung einer Kulturinstitution entstehen, sodass ihre Elemente mit der Umgebung und der Architektur, in die sie eingefügt werden, in Dialog treten.

Überlagerung

Der Akt, etwas – ein Objekt oder Bild – auf etwas anderes zu legen.

patriarchalische Gesellschaft

Gesellschaft, in der erwachsene Männer die primäre Macht innehaben und in Rollen der politischen Führung, der moralischen Autorität, der sozialen Privilegien und der Kontrolle des Eigentums vorherrschen, das heißt, in der die männliche Vorherrschaft in den sozialen Beziehungen vorherrscht. Der Begriff „patriarchalisch“ leitet sich von „Patriarchat“ ab, das wiederum vom griechischen Wort „pater“ stammt. Der Begriff wurde zum ersten Mal von den Hebräern mit der Konnotation des Übergewichts des Menschen in der sozialen Organisation verwendet, um den Führer einer jüdischen Gesellschaft zu qualifizieren. Aber auch der hellenistische Grieche erwähnte den Begriff bereits, da Frauen als Objekte männlicher Befriedigung konzipiert und folglich als minderwertig beurteilt wurden. Im Bereich der Familie behält der Vater (oder die Vaterfigur) die Autorität über Frauen und Kinder. Historisch hat sich das Patriarchat in der sozialen, rechtlichen, politischen und wirtschaftlichen Organisation verschiedener Kulturen manifestiert.

Gesellschaft für moderne Kunst – SPAM

Sie wurde unter anderem von Intellektuellen und Künstlern wie Tarsila do Amaral (1886 – 1973), Lasar Segall (1889 – 1957), Paulo Rossi Osir (1890 – 1959) und Paulo Mendes de Almeida (1905 – 1986) gegründet, um sie zu fördern und Förderung der modernen Kunst in São Paulo zwischen 1932 und 1934. SPAM führte verschiedene Aktivitäten durch, wie Ausstellungen, Vorträge und Konzerte sowie Karnevalsbälle mit Tafeln und Kostümen, die von den Künstlern selbst entworfen und hergestellt wurden.

Status quo

Ausdruck lateinischen Ursprungs, der "Stand der Dinge" bedeutet. Es wird verwendet, um auf soziale und/oder kulturelle Elemente aus der Vergangenheit hinzuweisen, die in einer bestimmten Gesellschaft, Gruppe oder sozialen Klasse erhalten geblieben sind.

Klammer

Oberfläche zur Ausführung von Arbeiten der bildenden Kunst. In der Malerei kann es neben vielen anderen Materialien beispielsweise aus Holz, Leinwand, Stoff oder Papier bestehen.

Surrealismus

Europäische literarische und künstlerische Bewegung, die 1924 vom französischen Schriftsteller André Breton (1896 – 1966) unter dem Einfluss der Ideen des Psychoanalytikers Sigmund Freud (1856 – 1939) ins Leben gerufen wurde. Er schlug vor, dass Werke durch den spontanen und automatischen Ausdruck des Denkens produziert werden und sich der Kontrolle der Vernunft entziehen. Er betonte die Rolle der Träume, des Unbewussten, der Wünsche und des Zufalls im künstlerischen Schaffen. Er predigte die Erneuerung moralischer, politischer, wissenschaftlicher und philosophischer Werte. Im weiteren Sinne wird der Begriff auch in Bezug auf Werke von Künstlern verwendet, die nicht an dieser Bewegung teilgenommen haben, aber Affinitäten zu diesen Prinzipien zeigen.

Thema

In einem Kunstwerk behandeltes Thema; Ergebnis der Interpretation des Künstlers.

regionalistisches Thema

Übernahme von Themen, die eine bestimmte Region charakterisieren.

narrative Tendenz

Die Tendenz, ein Ereignis oder eine Reihe von Ereignissen, real oder imaginär, durch Worte oder Bilder aufzudecken und eine verständliche Sequenz aufzubauen.

Theosophie

Eine Reihe philosophischer und religiöser Lehren, deren Prinzipien auf der Suche nach der Wahrheit beruhen, die sich in der Natur und im Menschen manifestiert. Die Theosophische Gesellschaft wurde 1875 in New York von der Russin Helena Blavatsky (1831 – 1891) gegründet.

Gebiet

Begriff, der gewöhnlich mit einem Gebiet verbunden ist, einer räumlichen Ausdehnung der Erdoberfläche, die durch Macht- und Eigentumsverhältnisse definiert ist. Die Definitionen von Territorien wurden durch zeitgenössische Diskussionen über die soziale Nutzung von Räumen erweitert. In Anbetracht der Komplexität der Beziehungen der Menschen zu ihrer Umwelt wird das Territorium nicht nur als Begrenzung eines bestimmten Raums verstanden, sondern als eine dynamische Reihe von Beziehungen zwischen Individuen und zwischen diesen und politischen, wirtschaftlichen und kulturellen Variablen. . Die Erweiterung des Konzepts ermöglicht es uns also, nicht nur offiziell als Länder, Staaten, Städte, Bezirke und Nachbarschaften anerkannte Territorien zu identifizieren, sondern auch nicht offiziell anerkannte Territorien, wie im Fall von Gemeinschaftsbeziehungen, die in irregulären Besetzungen in brasilianischen Städten entwickelt wurden.

Transzendental

Das, was darüber hinausgeht, das sich über ein bestimmtes Niveau erhebt, das die Grenzen dessen, wo es eingefügt ist, überschreitet, das die Grenzen konkreter oder empirischer Erfahrung überschreitet

Italienische Transavantgarde

Der Begriff taucht in Italien 1980 mit der Veröffentlichung des Buches A Transvanguarda Italiana von Achille Bonito Oliva (1939) auf. Es bezieht sich hauptsächlich auf Künstler mit Bild- und Skulpturproduktionen, die trotz ihrer Vielfalt einige Merkmale gemeinsam haben, wie z. B. den intensiven Einsatz von Farben, markanten Pinselstrichen und die Präsenz von Figuration, wobei die Betonung auf Elementen der Natur und der Präsenz des menschlichen Körpers liegt . Transvanguard vereint aufgrund der gewalttätigen und emotionalen Aspekte, die in den Gemälden vorhanden sind, Merkmale verschiedener künstlerischer Perioden und Bewegungen, einschließlich Trends wie Neo-Expressionismus.

Tropicalia

Name des Werks von Hélio Oiticica (1937 – 1980), das 1967 in der Ausstellung Nova Objetividade Brasileira im Museum of Modern Art in Rio de Janeiro gezeigt wurde Sinne des Betrachters (Fühlen, Sehen, Hören, Riechen) und besteht aus einer labyrinthischen Umgebung, die sich aus mehreren Elementen zusammensetzt, die sich auf die Problematisierung tropischer Ideen und der brasilianischen Kultur beziehen, darunter Sand, Pflanzen, Gedichte und andere Werke des Künstlers Tropicália oder Tropicalismo war eine kulturelle und künstlerische Bewegung, die sich Ende der 1960er Jahre in der Musik ausbreitete, mit Sängern und Komponisten wie Gilberto Gil (1942), Tom Zé (1937) und Caetano Veloso (1942); im Theater mit Dramatikern wie José Celso Martinez Corrêa (1937); im Kino mit Filmemachern wie Glauber Rocha (1939-1981); und auch in der Poesie.

Avantgarde (künstlerische Avantgarde / Europäische Avantgarde)

Wörtlich bezieht sich Avantgarde (was von der französischen Avantgarde kommt, „Avantgarde“) auf das Militärbataillon, das während einer Schlacht an der Spitze der angreifenden Truppen steht. Daraus wird abgeleitet, dass Avantgarde das ist, was „voraus ist“. Der Begriff „künstlerische Avantgarde“ bezeichnet im Bereich der Künste jene künstlerischen und kulturellen Bewegungen und Konzepte, die radikale Veränderungen gegenüber den klassischen künstlerischen Vorgaben der Akademien der bildenden Künste und ihrer Darstellungsformen in der Kunst vorschlagen. Die Avantgarden weisen auf neue Weltbilder und neue künstlerische Codes hin, Beispiele sind die europäischen Avantgarden des frühen 1960. Jahrhunderts (Kubismus, Dadaismus, Expressionismus etc.) und die Avantgarden der 1970er und XNUMXer Jahre.

Volute

Spiralform, abgeleitet von Elementen der Natur, wie Muscheln, die oft als Ornament verwendet werden.