La Pinacoteca de São Paulo, museo de la Secretaría de Cultura y Economía Creativa del Estado de São Paulo, presenta, en 10 de agosto al 28 de octubre de 2019, la exposición colectiva Somos muchos: experimentos sobre la colectividad, que investiga la práctica artística como ejercicio colectivo. Curada por Amanda Arantes, Fernanda Pitta y Jochen Volz, la exposición presenta experiencias artísticas concebidas como diálogos, directos o indirectos, con la producción de Joseph Beuys y Hélio Oiticica, dos de los artistas más importantes y activos de la segunda mitad del siglo XX. Participan otros seis artistas/colectivos nacionales e internacionales: Maurício Ianês, Mônica Nador y Jamac, Coletivo Legítima Defesa, Rirkrit Tiravanija, Tania Bruguera y Vivian Caccuri.
Joseph Beuys (Krefeld, Alemania, 1921 – Düsseldorf, Alemania, 1986) acuñó el concepto de escultura social, con el que defendió la comprensión de toda actividad humana como práctica artística capaz de estructurar y transformar su propio entorno. El escultor social es, entonces, aquel que, utilizando el lenguaje, el pensamiento, la acción y los objetos, crea nuevas estructuras en la sociedad. Para él, la sociedad es la materia prima de su obra, como lo serían para el escultor la piedra, la madera o el barro. Sumergiéndose en este tema, la exposición articula a un grupo de artistas cuya investigación se ha dirigido hacia la creación de espacios propicios a la imaginación de nuevas formas de sociabilidad y formas de vida, tal como las formula Beuys.
Como eje central de la muestra, la curaduría presenta un conjunto de obras de Beuys —entre videos, dibujos y collages— con énfasis en la instalación Honigpumpe am Arbeitsplatz [Bomba de miel en el lugar de trabajo], 1974-1977, del Museo de Arte Moderno de Luisiana, Dinamarca, y que se presentó en la documenta 6, en Kassel, Alemania, en 1977. Durante esa exposición, el artista instaló tubos alrededor de las escaleras y pasillos del Fridericianum (edificio principal del evento), a través de los cuales fluían 150 kilos de miel con la ayuda de una bomba motorizada. Con la miel como símbolo del producto del trabajo colectivo y su estado circulante como referencia al fluir del organismo humano y de la sociedad, la obra actuó como lugar de encuentro de las actividades de la Universidad Internacional Libre, escuela alternativa de cooperación, fundada por el artista en 1973 La obra es considerada, hoy, una de las más destacadas del artista alemán, habiendo anticipado discusiones en torno a la creatividad, la economía y la democracia.
La comprensión del arte como una práctica colectiva que disuelve la autoría individual también está presente en la exposición. “La máxima 'todos somos artistas', quizás una de las más conocidas de Beuys, explicita la renuncia a la unicidad de la obra de arte correspondiente a la noción restrictiva de autoría, pero también reivindica la comprensión de que la colectividad es capaz de reunir y potenciar la voluntad y la capacidad creativa de diferentes individuos”, explica la curadora Amanda Arantes. Helio Oiticica (Río de Janeiro, 1937-1980) fue uno de los principales artistas que experimentó con esta noción, haciendo del público un participante y ya no un espectador.
La obra Apropiación (mesa de billar, de acuerdo a "Café nocturno de Van Gogh"), de 1966, de su autoría y expuesta por primera vez en la muestra colectiva opinión 66, en el MAM-Rio, ahora está en exhibición, después de quince años desde su presentación en São Paulo. A través de él, el artista introduce la idea del arte como juego: “Todo el mundo, incluyéndome a mí, descubre el juego, es decir, el elemento 'placer' del juego. Esto sí que es importante: el trabajo es placer, y como tal sólo puede ser gratuito (puedes jugar cuando quieras, o si conoces las reglas del juego, etc.). La participación no es 'en la vida real', como suelo pensar, sino una participación libre en el placer que aquí se lleva a cabo mediante la propuesta de un juego, quizás el más interesante y clásico que existe (de los juegos de 'salón') ”, declaró en una ocasión sobre la obra en cuestión.
Para el curador Jochen Volz, “al rastrear el potencial de las estrategias de Beuys y Oiticica y el legado de su trabajo para el arte contemporáneo, es posible percibir cómo su lenguaje, su campo de acción, va más allá de los espacios artísticos convencionales, como galerías y museos. ., sus teorías y herramientas artísticas específicas se volvieron importantes para las siguientes generaciones de profesionales del arte. Esta exposición reúne una constelación única, pero una entre muchas posibles constelaciones de artistas que conscientemente se relacionan y amplían las ideas de colectividad, creación artística y el papel del artista como agente de cambio”.
La disolución de la autoría individual también impregna la práctica de Mónica Nador (Ribeirão Preto, SP, 1955) que, desde 2004, opera el jamaica – Jardim Miriam Arte Clube, un proyecto dedicado a desarrollar soluciones creativas a problemas culturales, con la ayuda de residentes de la zona sur de São Paulo. Especialmente para la exposición, el artista se unió al Proyecto Educativo Extramuros, desarrollado por NAE – Núcleo de Ação Educativa da Pinacoteca, a través del cual sus participantes pudieron crear composiciones, a partir de sus propias historias, que dieron lugar a murales colectivos, pancartas y otros exhibiciones
Mauricio Ianese (Santos, SP, 1973), cuya obra performática es hoy una de las más relevantes del Brasil, presenta Ahora, que propone la construcción colectiva de un espacio de diálogo y reflexión. El artista pasa sus días en el espacio expositivo recibiendo a los visitantes para tomar un café, una conversación, la creación de un dibujo, etc. Utilizando su propio cuerpo y su individualidad como materia prima, Ianês invierte así la ecuación de Beuys y ofrece al público la oportunidad de moldear conjuntamente nuevas estructuras de intercambio y relación.
Ya Vivian Caccuri (São Paulo, SP, 1986) utiliza el sonido como punto de partida para explorar percepciones y temas de carácter histórico, cultural y social. A través de objetos, instalaciones y performances, su obra abre espacio para deshacer significados, narrativas y convenciones aparentemente tan fijas como nuestra propia estructura cognitiva. Para esta exposición, el artista partió del instrumento musical y la forma triangular para crear una instalación sonora sin precedentes. oda al triangulo, que se presenta como una suerte de memorial, compuesto por elementos -parte de ellos pertenecientes a la Pinacoteca- vinculados a la música, la espiritualidad y, sobre todo, a los aspectos rituales y colectivos del arte, que serán activados por actuaciones musicales a lo largo de la exposición.
Un escenario abierto, basado en la estructura en espiral. Raumbühne [espacio escénico], término definido por el arquitecto y teórico Friedrich Kiesler, es lo que propone el artista tailandés Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, Argentina, 1961). Conocido por obras que requieren situaciones de intercambio social en espacios comunes, Tiravanija ahora se apropia de esta base diseñada para una experiencia teatral performativa, que está disponible para uso gratuito de los visitantes. Allí pueden expresarse, aportando sus habilidades, talentos y deseos, ya sea en forma de talleres y presentaciones de danza y teatro, o recitales de poesía y clases de yoga. La obra también recibe las actuaciones inmersivas del grupo Colectivo Defensa Legítima, realizado en colaboración con el curador brasileño Thiago de Paula.
Beuys también entendió la producción artística como una práctica educativa, habiendo afirmado una vez que su “mayor obra de arte fue ser maestro”. “Además de aludir al aspecto performativo inherente a toda actividad docente, con esta afirmación el artista enfatiza la noción del artista como agente que propone la ampliación y el enriquecimiento del ámbito social”, comenta la curadora Fernanda Pitta. En relación con este aspecto pedagógico de su legado, Tania Bruguera (La Habana, Cuba, 1968) investiga a fondo el propósito y las consecuencias del arte y desarrolla una práctica diversa, que denomina, en su propia terminología, 'arte de conducta' o 'arte de comportamiento' y 'arte útil'.
Propone, por tanto, la Escuela de arte útil, que consiste en una serie de clases realizadas dentro del espacio expositivo hasta el final de la muestra, centradas en la discusión de este concepto y las prácticas relacionadas con él. Las clases son coordinadas por el artista Fábio Tremonte y cuentan con la participación de artistas, profesores y especialistas, además de alianzas con universidades locales. El proyecto tiene como objetivo debatir el potencial del arte para cambiar perspectivas y aprovechar el desarrollo y el cambio social, político y cultural.
Somos muchos: experimentos sobre la colectividad, por tanto, propone al público conocer o revisitar múltiples experimentos sobre la colectividad más allá de los límites físicos del museo. En el año en que la institución prepara su ampliación para el nuevo edificio de la Pinacoteca Contemporánea, la muestra colectiva encarna la intención de la Pinacoteca de pensar su propia inscripción y papel como agente transformador en el barrio y en la ciudad.
CATALOGO
Somos muchos: experimentos sobre la colectividad se acompaña de un catálogo ilustrado con imágenes históricas y representativas de las obras, una introducción del director general de la Pinacoteca y co-curador de la exposición, Jochen Volz, y un texto de la curadora Amanda Arantes. También incluye ensayos firmados por los investigadores Fred Coelho y Marcelo Campos, extractos del texto de Arnd Wedemeyer, escrito con motivo de la documenta 6, y biografías de los artistas. También cuenta con textos firmados por algunos de los artistas participantes: Hélio Oiticica, Joseph Beuys y Tania Bruguera, estos dos últimos publicados por primera vez en portugués. Portugués e inglés.
ARTISTAS PARTICIPANTES
Helio Oiticica
Joseph Beuys
Colectivo de Legítima Defensa
Mauricio Ianese
Mónica Nador y Jamac
Rirkrit Tiravanija
Tania Bruguera
Vivian Caccuri
SERVIRCO
Somos muchos: experimentos sobre la colectividad
Curada por Amanda Arantes, Fernanda Pitta y Jochen Volz
Visitaaquío: 10 de agosto al 28 de octubre de 2019
De miércoles a lunes, de 10:17 a 30:18 – permaneciendo hasta las XNUMX:XNUMX
Pinacoteca de Sao Paulo
Edificio Pina Luz – Praça da Luz 2, São Paulo, SP – Pina Luz
Entradas: R$ 10,00 (entrada); R$ 5,00 (mitad de precio para estudiantes con credencial)
Los niños menores de 10 años y mayores de 60 años están exentos de pagar.
Los sábados, la entrada al Pina es gratis para todos.