Glossaire
A
Abstraction / Abstractionnisme
Dans les arts visuels, il désigne des productions artistiques non figuratives, qui s'éloignent de l'idée de l'art comme imitation de la nature et du monde, c'est-à-dire qu'elles ne cherchent pas à représenter des aspects reconnaissables de la réalité concrète et objective. Les œuvres sont créées à travers différentes stratégies d'articulation entre les éléments visuels (volumes, couleurs, lignes, etc.). L'abstractionnisme est apparu au début du XXe siècle et a donné naissance à différents mouvements et tendances : certains d'entre eux, comme l'abstractionnisme informel, sont plus liés à l'expression personnelle, aux sentiments et aux émotions de l'artiste, et sont utilisés de manière plus libre ; cet aspect peut aussi être appelé abstraction organique, car l'artiste peut utiliser des formes plus arrondies ou sinueuses présentes dans les contours de la nature. D'autres mouvements, comme l'abstractionnisme géométrique, ont un contenu plus rationaliste et s'articulent autour de l'utilisation d'aspects de la géométrie, comme la ligne, le plan, le point, etc.
Académie
Désigne de manière générique les écoles d'art fondées en Europe à partir du XVIIe siècle, qui proposaient l'enseignement formel des arts basé sur des styles artistiques principalement guidés par des principes néoclassiques, issus de l'art gréco-romain classique. Au Brésil, les productions artistiques académiques se diffusent avec l'arrivée de la Mission artistique française (1816), mais s'imposent effectivement avec l'enseignement de l'Académie impériale des beaux-arts, fondée à Rio de Janeiro en 1826.
Académie Impériale des Beaux-Arts (AIBA)
Il a été créé à Rio de Janeiro en 1826, formalisant l'enseignement formel des arts sur le modèle des académies européennes. Il avait la présence de quelques artistes-enseignants qui sont arrivés avec la Mission artistique française, en 1816, et ont composé l'ancienne École royale des sciences, des arts et des métiers, fondée par Dom João VI dans le cadre de ses projets de structuration de l'État portugais au Brésil. Durant le second règne, l'AIBA a structuré plusieurs types de cours. Entre 1840 et 1884, elle organise les Expositions Générales des Beaux-Arts, qui permettent la participation d'artistes extérieurs au milieu académique. Il a également institué la bourse de voyage à l'étranger afin que les étudiants puissent entrer en contact avec les maîtres des académies européennes. L'AIBA a duré jusqu'à la fin de l'empire, en 1889, date à laquelle son nom a été changé. Il est actuellement configuré comme une unité de l'Université fédérale de Rio de Janeiro et s'appelle l'École des beaux-arts.
Académie Julienne
Célèbre école d'art fondée à Paris par le peintre français Rodolphe Julian (1839-1907), en 1867. Des peintres tels que Pierre Bonnard, Maurice Denis, Henri Matisse, André Derain, Fernand Léger et Marcel Duchamp, entre autres, y ont participé. Il fonctionnait en quelque sorte comme une préparation aux épreuves d'admission à l'académie traditionnelle française, l'Académie des Beaux-Arts, et depuis la fin du XIXe siècle, il accueille parmi ses élèves artistes amateurs, femmes et étrangers. . Plusieurs artistes brésiliens y sont passés, tels que Rodolfo Amoedo, Benedito Calixto, João Batista da Costa, Emmanuel Zamor, Henrique Bernardelli, Belmiro de Almeida, Eduardo de Sá, Eliseu Visconti et, dans les premières décennies du XXe siècle, Julieta de França. , Theodoro Braga , Nicolina Vaz de Assis, Fédora do Rego Monteiro, Lucílio de Albuquerque et sa femme, Georgina de Albuquerque, Ismael Nery, Tarsila do Amaral et Vicente do Rego Monteiro, entre autres.
le recueil
Cela peut aussi être appelé collecte. Il désigne un ensemble d'objets, qu'ils soient naturels ou artificiels (livres, documents, œuvres d'art, témoignages, pièces historiques, pièces botaniques, etc.), qui sont temporairement ou définitivement retirés de leurs fonctions habituelles, recevant des soins spécifiques et des protections particulières. . Ainsi, les éléments qui composent une collection ou une collection sont sélectionnés, classés, organisés et conservés par un particulier ou une institution, qui peut généralement les exposer au public.
afro-descendant
Ascendance africaine.
amas sous-normal
Expression utilisée par l'Institut Brésilien de Géographie et de Statistique (IBGE) pour classer un groupe composé de 51 logements ou plus qui n'ont pas de titre de propriété et sont en situation illégale, présentant, par exemple, des irrégularités dans les voies de circulation, en la taille et la forme des lots, voire le manque d'accès aux services publics essentiels (assainissement de base, électricité et éclairage public). Des exemples de ce type de logement irrégulier sont les bidonvilles, les villas, les grottes, les basses terres, les invasions, les cabanes et les maisons sur pilotis, entre autres.
AI-5 (Acte organique n° 5)
Décret qui a été en vigueur au Brésil du 13/12/1968 au 31/12/1978 et a renforcé la soi-disant «ligne dure» de la dictature militaire, accordant un pouvoir exceptionnel aux dirigeants pour poursuivre et punir arbitrairement les personnes dont la posture était jugée contraire au régime militaire. C'est par l'intermédiaire de l'AI5, par exemple, que le régime a décrété la fermeture du Congrès national et l'annulation des mandats parlementaires, autorisé les interventions du gouvernement fédéral dans les États, interdit les réunions à caractère politique, suspendu les droits politiques des citoyens sans justification et introduit la censure préalable des différentes formes d'expression artistique, entre autres mesures.
Albert se réjouit
(Paris, France, 1881 – Avignon, France, 1953)
Peintre et écrivain français. Il a d'abord travaillé dans le studio de design de son père. Entre
1901 et 1905, tout en faisant son service militaire, il commence à peindre régulièrement des thèmes sociaux. Il expose son travail dans les salons français de l'époque, comme le Salon des Artistes Indépendants et le Salon d'Automne. En 1912, il rencontre Pablo Picasso, un important artiste cubiste, connu pour ses études de la spatialité de ses compositions et pour ses représentations de la nature à travers des formes géométriques, telles que des cônes, des sphères et des cylindres. La même année, Gleizes publie, en partenariat avec Jean Metzinger, le livre Du Cubisme, un ouvrage important dans la fondation théorique du mouvement cubiste. Ses œuvres ont des aspects cubistes jusqu'en 1915, date à laquelle il sert à nouveau dans l'armée ; sa production devient alors abstraite. A partir de 1918, les thèmes mystiques et religieux prennent le pas sur les propositions artistiques et littéraires de l'artiste.
Alberto de Veiga Guignard
(Rio de Janeiro, Brésil, 1896 – Belo Horizonte, Brésil, 1962) Peintre, dessinateur, graveur, illustrateur et enseignant. Entre la fin des années 1910 et la décennie suivante, il effectue une période d'études en Europe. De retour au Brésil, dans les années 1930, il travaille à Rio de Janeiro. Il a été invité par le maire de Belo Horizonte de l'époque, Juscelino Kubitschek, en 1944, à créer une école d'art qui portera plus tard son nom et appartient aujourd'hui au gouvernement de l'État. Guignard est l'auteur d'une vaste œuvre comprenant des portraits, des natures mortes, des motifs religieux, des paysages et des thèmes floraux, avec un caractère décoratif récurrent et la présence d'aspects de l'ordre fantastique. L'artiste s'est également beaucoup inspiré des villes historiques du Minas Gerais, notamment Ouro Preto.
Allégorie
Souvent utilisé dans la littérature et les arts visuels. Fait référence à des représentations d'idées, de pensées ou de qualités sous forme de figures. Ces figures sont généralement des peintures ou des sculptures et représentent des personnages humanisés, identifiables par leurs attributs ou caractéristiques qui traduisent des idées et des concepts abstraits. Un exemple d'allégorie est celle de la justice, personnifiée à l'image d'une femme qui tient une balance et une épée et qui a un bandeau sur les yeux, symbolisant les qualités attendues de la justice, à savoir l'équilibre, la pondération, l'impartialité et la bonne exécution. de décisions plumes.
Ambiguïté
Qualité de quelque chose qui peut prendre plus d'un sens, quelque chose d'imprécis, qui admet plusieurs interprétations, y compris contradictoires.
André Lhote
(Bordeaux, France, 1885 – Paris, France, 1962)
Il débute sa carrière artistique en tant que sculpteur et fréquente l'École des beaux-arts de
Bordeaux, où il a également commencé à peindre. En 1905, il commence à se consacrer uniquement à la peinture et se rapproche du cubisme, un mouvement artistique qui émerge à l'époque, à la recherche de nouveaux modes de représentation visuelle, utilisant par exemple des formes et des objets produits par d'autres cultures que l'Europe. Lhote a même acquis des masques africains, entre autres pièces qu'il a utilisées dans ses études artistiques.
Il est également très influent en tant qu'enseignant et crée l'Académie André Lhote en 1925, où il travaillera jusqu'à la fin de sa vie. Il est l'auteur de plusieurs livres et écrits sur l'art publiés dans des catalogues.
Andy Warhol
(Pennsylvanie, États-Unis, 1928 – New York, États-Unis – 1987)
Il est l'un des noms les plus connus du pop art, un mouvement qui a émergé à la fin des années 1950 et au début des années 1960, en Angleterre et aux États-Unis, et qui se caractérise par l'utilisation d'images et de références issues de la culture de masse, comme la télévision. et la publicité. Andy Warhol est peut-être l'artiste qui a le plus exploré les limites du pop art. Sa production artistique suggère un mélange de critique et d'enchantement avec la culture du spectacle, dans laquelle tout devient spectacle. En utilisant des moyens à l'origine commerciaux de reproduction d'images, comme la sérigraphie, Warhol a transformé son propre travail en un produit de consommation de masse. Ces idées se sont étendues à son atelier, qui s'appelait Fábrica et était peint en argent, dans un style futuriste, faisant référence aux machines industrielles. Il a utilisé de manière récurrente à la fois des images de célébrités, comme Marilyn Monroe, et des produits du quotidien, comme les soupes Campbell, questionnant la standardisation de la consommation et les goûts des gens. Sa propre personnalité publique s'est également constituée d'une manière très particulière et a été explorée dans ses œuvres; l'artiste a même eu une émission de télévision.
Anita Malefati
(Sao Paulo, Brésil, 1896 – Sao Paulo, Brésil, 1964)
Peintre brésilienne qui a tenu, en 1917, une exposition personnelle à São Paulo, avec des œuvres réalisées pendant sa période d'études en Europe et aux États-Unis. Ces œuvres suivaient les principes de l'art moderne, recherchant de nouvelles formes d'expression en utilisant des couleurs vives, différents schémas d'organisation spatiale et une variété de figures représentées, entre autres caractéristiques qui rompaient avec les règles de la peinture figurative académique pratiquée jusque-là. L'exposition a suscité la controverse et lancé le débat sur la modernité dans les arts, préparant le terrain pour la Semaine d'art moderne de 1922. Anita a reçu une bourse du Pensionato Artístico do Estado de São Paulo et a étudié à Paris entre 1923 et 1928, date à laquelle il a commencé produire des œuvres aux tendances académiques, revenant aux standards classiques de la représentation figurative réaliste.
anti-art
Idéal qui cherchait à casser – ou à élargir – les définitions et les fonctions de l'art en tant que producteur d'objets/marchandises ou d'un certain sens de la beauté. Elle a émergé au sein du mouvement dadaïste en Europe, en 1913, et a été reprise dans les années 1960 dans des discours contre la société de consommation, les valeurs matérialistes bourgeoises et les systèmes institutionnels et officiels des arts.
Antilogie
Quelque chose qui rompt avec l'idée d'une vérité unique et absolue et favorise une confrontation de pensées, de jugements et d'arguments opposés qui, bien que contradictoires, ont des valeurs égales et, par conséquent, contribuent à la formulation de nouvelles vérités.
Antonio de Oliveira Salazar
(Portugal, 1889 – Portugal, 1970)
Homme politique portugais et professeur titulaire à l'Université de Coimbra. Il a assumé le poste de ministre des Finances en 1926 puis entre 1928 et 1932. Il a institué l'Estado Novo au Portugal, un régime politique nationaliste et dictatorial, qui a imposé ses règles à la population de manière rigide, limitant les libertés démocratiques par la censure et la répression. Ce régime, également connu sous le nom de salazarisme, a duré 41 ans, de 1933 à 1974, date à laquelle il a été renversé par la révolution des œillets ou révolution d'avril, qui a entamé le processus d'implantation du régime politique démocratique dans le pays.
Anthropophagie
Mouvement artistique et littéraire brésilien initié par Oswald de Andrade (1890 1954) avec la publication, en 1928, du « Manifesto Antropófilo », dans la Revista de Antropofagia. Il a été pensé à partir du tableau intitulé Abaporu (1928), de Tarsila do Amaral (1886 – 1973), qui signifie en tupi-guarani « l'homme qui mange les gens ». Le mouvement a proposé une réélaboration du concept d'anthropophagie - un terme utilisé pour désigner l'acte rituel de consommation de chair humaine, accompli par des personnes issues de cultures amérindiennes anciennes - comme une représentation du processus de formation de la culture brésilienne, à travers l'appréciation des et les aspects culturels autochtones associés à l'idée « d'ingestion » de formes et de tendances artistiques importées, afin de produire quelque chose d'authentiquement national.
anthroposophie
Le terme, d'origine grecque, signifie « connaissance de l'être humain ». Il fait référence à un courant philosophique et spirituel fondé par le penseur autrichien Rudolf Steiner (1861-1925) en 1912. Il s'agit d'une méthode de connaissance de la nature, de l'humanité et de l'univers qui élargit les méthodes scientifiques conventionnelles, reconnectant les domaines de la foi et de la science. Elle eut des conséquences dans plusieurs domaines, comme la médecine, l'éducation (avec les écoles Waldorf) et l'agriculture, entre autres.
Appropriation
Le terme est généralement utilisé pour désigner l'incorporation d'objets ou d'images non artistiques, ou d'autres œuvres d'art, dans des œuvres d'art. Ressource couramment utilisée dans l'art contemporain, elle désigne l'acte de prise de possession d'objets, d'images, de concepts, de textes et d'idées pour la construction d'une œuvre d'art. Un tel acte est lié au rapprochement entre l'art et la vie quotidienne et peut souvent avoir un impact sur les questions liées à l'œuvre d'art, telles que la paternité, l'originalité et même la propriété.
Art Déco
Terme d'origine française, abréviation d'arts décoratifs. Il désigne un style décoratif qui s'est répandu dans les arts plastiques, le design, le mobilier, la décoration et l'architecture, principalement à partir des années 1920. un dessin abstrait. Les motifs de la flore, de la faune et des formes féminines sont courants, ainsi que des éléments formels africains, aztèques, chinois et égyptiens.
Art Nouveau
Style qui a émergé entre 1890 et 1910 en Europe et aux États-Unis et s'est répandu dans d'autres endroits du monde. Inspirée de la nature et des lignes sinueuses et asymétriques des fleurs et des animaux, avec une forte présence de la ligne dans les arabesques et les courbes, elle s'est diffusée principalement dans les arts appliqués : architecture, décoration, design, arts graphiques, mobilier, etc. La beauté a été conçue comme quelque chose à la portée de tous, en raison de l'articulation étroite entre l'art et la production industrielle en série. Les matériaux modernes tels que le fer, le verre et le ciment étaient largement utilisés.
Art académique
Désigne les productions artistiques réalisées selon les règles officielles établies par les Académies des Beaux-Arts. À partir du XVIIe siècle, des écoles d'art sont fondées en Europe qui proposent un style artistique et une pédagogie guidée par des principes issus de l'art classique. Ces principes faisaient référence, par exemple, à l'utilisation de couleurs et d'échelles de mesures et de proportions spécifiques qui assurent l'équilibre et l'harmonie visuelle entre les éléments qui composent les scènes et les figures représentées ; les thèmes les plus récurrents étaient mythologiques et historiques. L'art académique s'est propagé de la France à différents endroits, dictant les critères de la production artistique locale. Au Brésil, l'arrivée de la Mission artistique française en 1816 entame le processus d'institutionnalisation de l'enseignement de l'art académique, avec la fondation de l'Académie impériale des beaux-arts de Rio de Janeiro, en 1826, comme repère historique.
Art conceptuel
Une proposition artistique qui a émergé dans les années 1960, qui donne plus d'importance aux idées et aux concepts impliqués dans l'œuvre d'art et diminue la pertinence de sa matérialité ou de son processus d'exécution. L'objet artistique physique perd sa valeur, et ce qui devient important, c'est l'idée derrière la proposition de l'artiste. Ainsi, il n'est pas exigé que le projet d'une œuvre soit exécuté par les mains de son auteur. L'artiste peut déléguer le travail à quelqu'un qui a des compétences techniques. Le terme a été utilisé pour la première fois dans un texte d'Henry Flynt, à partir de 1961, dans lequel l'artiste soutient que les concepts peuvent également être considérés comme du matériel d'art.
Art concret
Terme utilisé pour la première fois en 1930, à Paris, dans le premier numéro de la revue du même nom (Art Concret). Dans ses principes, l'art concret s'éloigne de toute représentation subjective, symbolique ou même de la nature. La peinture est construite exclusivement à partir d'éléments plastiques, tels que des plans et des couleurs, qui signifient exactement ce qu'ils sont et ne nécessitent pas d'interprétation.
Art constructif
Voir Constructivisme ou Art constructif.
Art contemporain
Il fait référence à des productions artistiques devenues récurrentes de la seconde moitié du XXe siècle à nos jours et interrogent les sens et les définitions de l'art, de l'artiste et du circuit artistique, entre autres concepts qui intègrent le domaine. Les réflexions et les processus qui impliquent
la production d'art devient un centre d'intérêt pour les artistes, qui souvent ne se concentrent pas sur la construction d'une œuvre d'art matérielle, mais se préoccupent plutôt des concepts et des idées qui sont derrière le processus de création et qui, à ce moment-là, peuvent devenir l'œuvre elle-même, même si elles sont immatérielles et non tangibles. Ainsi, le rattachement, habituel jusqu'alors, des œuvres d'arts plastiques aux catégories de la peinture, de la sculpture, du dessin, de la gravure et de l'architecture est problématisé. Ces langages continuent d'être utilisés par les artistes, mais ils peuvent être mélangés à de nouvelles formes d'expression artistique qui expérimentent différents matériaux et thèmes et même s'étendent au-delà du domaine artistique et pénètrent dans d'autres domaines de la vie et de la connaissance, tels que la politique, l'anthropologie. , biologie, économie, etc. Ainsi, les artistes produisent des œuvres d'art à partir de références diverses : sons, langage écrit, mouvements corporels, bois, pierres, pigments, papier, verre, machines – comme l'appareil photo, l'ordinateur ou le caméscope –, actions et comportements effectués par le artiste et interventions dans la vie quotidienne de tout espace social (musée, place, école) qui matérialisent les idées de l'artiste, entre autres.
Art moderne
Elle naît d'interrogations sur les notions de représentation du réel associées à l'art académique. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, ces questions ont stimulé la réflexion sur la construction d'un langage artistique autonome (proposant une rupture avec les thèmes classiques, dépassant la représentation illusionniste de l'espace, etc.), donnant lieu à divers mouvements associés à l'Art Moderne. Parmi certaines caractéristiques des productions modernistes figurent la représentation de la nature basée sur des impressions personnelles et des sensations visuelles instantanées (notamment dues à la diffusion de la peinture en plein air), l'élargissement des thèmes des œuvres - qui incluent désormais, en plus des sujets historiques habituels et mythologique, les aspects de la bohème (vie nocturne), la vie urbaine, les scènes quotidiennes de la petite bourgeoisie et de l'industrialisation – et l'utilisation des nouvelles technologies, entre autres.
art néoclassique
Le style artistique prédominant en Occident de la seconde moitié du XVIIIe siècle au milieu du XIXe siècle, période historique qui suit la Révolution française. Il reprend les références culturelles de l'Antiquité classique gréco-romaine et s'intéresse aux valeurs et techniques rationnelles dans l'élaboration de compositions sculpturales, picturales et architecturales. La peinture et la sculpture néoclassiques sauvent l'utilisation de thèmes mythologiques et quotidiens à travers des représentations naturalistes de corps, c'est-à-dire des imitations de la nature à fort attrait esthétique. Les œuvres montrent un équilibre entre les formes et les figures, représentées de manière ordonnée et révélant une grande symétrie. L'architecture met également en évidence l'harmonie des constructions classiques, l'utilisation de colonnes grecques et d'arcs romains étant très courante.
Pop Art
Mouvement artistique qui a émergé à la fin des années 1950 et au début des années XNUMX en Angleterre et aux États-Unis, caractérisé par l'utilisation d'images et de médias de la culture de masse, tels que la télévision et la publicité. Les artistes recherchent un art populaire (pop) qui communique directement avec le public à travers des signes et des symboles tirés de l'imaginaire présent dans la culture de masse et la vie quotidienne - dans les bandes dessinées et les emballages de produits industrialisés, entre autres exemples. Le pop art proposait d'admettre la crise de l'art qui sévissait au XXe siècle et entendait démontrer avec ses œuvres la consommation de masse, qui comprenait également la culture populaire capitaliste.
art du courrier
Courant artistique collectif, collaboratif et international répandu dans les années 1960, dans lequel les artistes utilisaient le système de correspondance pour échanger et faire circuler leurs créations, agissant en dehors des circuits artistiques officiels et évitant une éventuelle censure de leurs œuvres, puisque de nombreuses localités du monde vivaient des régimes politiques dictatoriaux. . Les codes postaux eux-mêmes - tels que les timbres, les cartes postales, les enveloppes, les timbres, etc. – ont été incorporés ou détournés dans ces œuvres, qui mêlaient parfois différentes techniques artistiques, comme le dessin, la gravure, le collage, l'estampage et la xérographie sur papier. Ce dernier était parfaitement adapté au mouvement en raison de la facilité avec laquelle les images et les textes pouvaient être reproduits via xerox.
Arte Povera
Le terme « arte povera » est italien et signifie art pauvre. Il fait référence à un mouvement artistique italien dont les origines remontent au climat politique des années 1960 et renforce, notamment, l'opposition mondiale à la guerre du Vietnam. Les artistes partisans du mouvement ont défendu, par exemple, que l'être humain n'était qu'un "élément de plus de la nature" et que l'art pouvait être réalisé avec des éléments minimaux et simples, témoignant de son caractère éphémère. Pour réaliser leurs œuvres, ils ont utilisé des matériaux courants, tels que la terre, les pierres, le bois, les journaux et les chiffons, entre autres, afin de souligner la nécessité de créer des œuvres en rapport direct avec le monde, la nature et la vie, critiquant le système de la consommation et de la société capitaliste et industrielle.
Arthur évêque de Rosario
(Sergipe, Brésil 1909 – Rio de Janeiro, Brésil, 1989)
En 1925, il arrive à Rio de Janeiro pour travailler dans la marine brésilienne. Ensuite, il a été employé par la compagnie d'électricité Light. En 1938, il se rend dans un monastère et décrit une vision mystique qu'il a eue, se présentant comme « celui qui est venu juger les vivants et les morts » ; le monastère l'a référé à l'hôpital dos Alienados de Praia Vermelha, où il a été diagnostiqué comme schizophrène paranoïaque. De là, il a été transféré à la Colônia Juliano Moreira, un hôpital psychiatrique du quartier de Jacarepaguá, à Rio de Janeiro. Pendant une vingtaine d'années, Bispo a passé des périodes à l'hôpital psychiatrique et d'autres en dehors de celui-ci, travaillant dans des maisons ou des établissements commerciaux. Au cours de l'un de ces moments, il est engagé par la Clínica Pediátrica Amiu, où il habite, et peut réaliser ses premiers travaux avec des matériaux d'usage courant : une série de maquettes et de miniatures de moyens de transport, ainsi que diverses broderies. De retour à Cologne en 1964, il continue à y produire ses œuvres jusqu'à sa mort en 1989. En 1982, il est invité à exposer pour la première fois et expose ses œuvres dans l'exposition « Margem da Vida » au Musée d'Art Moderne ( MAM ) à Rio de Janeiro, suscitant l'intérêt des critiques d'art. Il a reçu d'autres invitations à participer à des expositions d'art, mais les a déclinées. Il n'acceptait pas de se séparer de ses œuvres et ne se considérait pas comme un artiste, mais il prétendait remplir la mission révélée dans ses visions. Il a composé un corpus d'environ un millier d'œuvres qui, après sa mort, ont été exposées dans plusieurs expositions d'art nationales et internationales. A influencé de nombreux artistes des années 1960 à nos jours. Avec la mort de Bispo do Rosário, sa production a été hébergée au Musée Nise da Silveira, situé dans la Colonie, où l'artiste a vécu pendant quarante-neuf ans. Dans les années 2000, l'institution a été rebaptisée Musée Bispo do Rosário.
Assemblage
Technique artistique qui associe différents objets et/ou matériaux dans la composition de l'œuvre d'art, généralement non conventionnelle dans le milieu artistique, et rompt avec les techniques traditionnelles de la peinture et de la sculpture. Le terme « assemblage » a été introduit dans le milieu artistique par Jean Dubuffet (1901-1985) qui, dans les années 1950, l'utilisait pour désigner des œuvres résultant de la réunion de toutes sortes de matériaux, qu'ils soient naturels ou industriels, par collage, superposition et d'autres techniques.
attributs
Il fait référence à des caractéristiques ou des symboles habituellement utilisés pour identifier certains aspects et qualités qui individualisent une figure ou un thème représenté.
Automatisme
Activité littéraire ou artistique exercée sous l'influence exclusive du subconscient, sans le contrôle de la raison. Cette proposition a été fortement soulignée par le surréalisme, un mouvement artistique français né en 1924, qui s'est approché des études psychanalytiques et a utilisé des images oniriques et subjectives, proposant l'automatisme psychique comme un moyen de création artistique exempt de contrôle rationnel ou d'influences esthétiques.
Hache
Dans le candomblé, une religion fondée par les peuples Yoruba, amenés de force comme esclaves d'Afrique au Brésil à l'époque moderne, axé fait référence à l'énergie essentielle qui anime tous les êtres, y compris aussi la force sacrée des orixás, dieux responsables des aspects de la vie.la nature. Cette énergie sacrée est revigorée par les offrandes des fidèles et les sacrifices rituels.
Lithographie
Technique de gravure inventée par Alois Senefelder (1771-1834) au XVIIIe siècle, lorsque le dramaturge bavarois cherchait un moyen peu coûteux d'imprimer ses pièces. Désigne une gravure réalisée à partir d'une matrice de pierre, généralement du calcaire. La matrice reçoit des dessins ou des marques réalisés par différents matériaux et procédés ; puis, elle gagne une couche d'encre et est pressée (pressée) sur une feuille de papier, sur laquelle l'image est imprimée. La lithographie peut être réalisée selon différentes techniques. Dans l'une d'elles, la matrice reçoit des dessins au crayon gras ou à l'encre grasse puis elle est trempée dans de l'acide qui ne corrode que les régions non protégées par la graisse, donnant un dessin en haut relief ; ensuite, la matrice reçoit l'encre et est pressée contre une feuille de papier, ce qui donne l'impression du dessin en haut relief.
B
Babalorisha
Prêtre suprême d'une maison Candomblé ou Umbanda, religions afro-brésiliennes ; dans la traduction littérale de la langue africaine Yoruba, cela signifie « pai de santo ».
Bauhaus
École allemande d'arts appliqués, tels que l'architecture et le design. Il a été fondé en 1919 et fermé par les nazis en 1933. Il visait à former l'artiste-artisan à travers un programme qui engloberait l'art, l'architecture, l'artisanat, la décoration et le design, répondant aux besoins de la société allemande de l'après-guerre, travaillant d'une part à la production à l'échelle industrielle et, d'autre part, à l'idéal de diffusion de l'art moderne à toutes les couches sociales.
bien culturel immatériel
L'ensemble des biens culturels immatériels (également appelé patrimoine culturel immatériel) peut être compris comme les pratiques, représentations, expressions et connaissances - ainsi que les instruments, objets, artefacts et espaces culturels qui leur sont associés - que les communautés, les groupes et les individus reconnaissent comme partie de leur patrimoine culturel. Ce concept intègre donc la musique, la danse, les jeux, les manifestations théâtrales, les fêtes et les rites considérés comme ayant une valeur historique et artistique.
Blaise Cendrars
(La Chaux-de-Fonds, Suisse, 1887 – Paris, France, 1961)
Pseudonyme de Frédéric Louis Sauser, romancier et poète d'origine suisse naturalisé français. La principale source d'inspiration de sa poésie est ses voyages réels ou imaginaires. Il a influencé les œuvres d'artistes brésiliens du début du XXe siècle, tels que Tarsila do Amaral et Oswald de Andrade.
Blinky Palerme
(Leipzig, Allemagne, 1943 – Malé, Maldives, 1977)
Connu pour ses toiles monochromes et ses œuvres réalisées à partir de la jonction de tissus de différentes couleurs cousus côte à côte et tendus sur des châssis à châssis (bases). Palerme a également utilisé d'autres matériaux tels que l'aluminium, l'acier, le bois, le papier et le formica. L'intérêt pour la relation spatiale entre la forme et la couleur a éloigné l'artiste des toiles rectangulaires conventionnelles. Il a commencé à produire des peintures dans des formes telles que le cercle, le triangle et la croix, ajoutant des éléments qui rapprochaient l'œuvre d'une sculpture.
Bourgeoisie
Classe sociale apparue en Europe à la fin du Moyen Âge, qui comprend ceux qui exercent des professions libérales, dont les intérêts sont généralement liés aux hautes sphères économiques et aux classes dominantes.
C
Calcographie
Gravure dont la matrice est en métal, ou en tôle. Cette matrice reçoit des dessins ou marques réalisés par différents matériaux ; il gagne alors une couche d'encre et est pressé (pressé) sur une feuille de papier, sur laquelle il imprime l'image. Les marques sur la matrice peuvent se produire par différents procédés, tels que la gravure au burin, dans laquelle la gravure sur le métal est réalisée avec un instrument en acier, le burin ; la gravure, dans laquelle la tôle est corrodée par les acides ; la pointe sèche, instrument servant à gratter la plaque métallique, créant un dessin avec les sillons ouverts dans la matrice ; et d'autres techniques, comme la voie noire et le vernis mou.
Camera obscura ou Camera obscura
Sorte de boîte dont les dimensions peuvent être petites ou grandes, atteignant la taille d'une pièce, qui est étanche pour empêcher la lumière d'entrer, n'ayant qu'un seul trou d'un côté ou d'un mur, tandis que la face opposée au trou reçoit une couche de peinture Blanche . L'image d'un paysage ou d'un objet placé devant le trou, mais hors de la boîte, est projeté, inversé, sur le mur blanc. Plus le trou est petit, plus les détails de l'image sont nets. La camera obscura est un appareil optique qui a servi de base à l'invention de la caméra.
Candomblé
Religion pratiquée au Brésil et en Afrique, elle a émergé avec les peuples Yoruba, qui ont été réduits en esclavage et amenés aux Amériques ; d'origine animiste, il s'inspire des cultures de la région du Nigeria et du Bénin actuels, dans lesquelles prêtres et adeptes célèbrent, dans des cérémonies publiques et privées, la coexistence avec les forces de la nature et les ancêtres.
personnage onirique
Dans les arts visuels, on dit de l'œuvre qui fait référence au contexte d'un rêve ou d'une chose imaginée, comme certaines œuvres liées au surréalisme, un mouvement artistique qui a émergé en Europe dans les années 1920.
Casa 7
Studio installé dans la maison numéro 7 d'une villa de la ville de São Paulo par un groupe de jeunes artistes réunis par amitié et intérêts artistiques communs. Formé par Carlito Carvalhosa, Fábio Miguez, Paulo Monteiro, Rodrigo Andrade et Nuno Ramos, le groupe a tenu six expositions ensemble, de 1982 à 1985, dont celle à la 18e Biennale internationale de São Paulo, en 1985, dernière exposition du groupe. Une caractéristique des artistes du groupe était le travail avec des encres industrielles sur de grandes feuilles de papier, explorant l'expressivité des gestes. Le choix de matériaux à faible coût était principalement dû à des raisons économiques. L'expérience commune des artistes du groupe a été remarquable dans leurs trajectoires et, après sa dissolution, chaque artiste a suivi son propre chemin.
Châssis
Structures généralement en bois sur lesquelles sont tendues et fixées les toiles utilisées par les peintres comme supports pour leurs tableaux.
Cinéma Novo
A la fin des années 1950, un groupe de jeunes cinéastes brésiliens, soucieux de produire des films à vocation populaire et abordant des questions de société, propose de renouveler le langage cinématographique brésilien. Ils ont réalisé des films à faible coût qui abordaient des thèmes liés à la réalité nationale, en utilisant des scénarios et des personnages simples, des images sans beaucoup de mouvement et des dialogues étendus. Parmi les films produits, on peut citer Cinco Vezes Favela (1962), Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964) et Os Cafajestes (1962).
Club des artistes modernes – CAM
Créé en 1932 par des artistes tels que Flávio de Carvalho, Antonio Gomide, Carlos Prado et Di Cavalcanti, entre autres, il a fonctionné comme un espace de rencontres et de manifestations culturelles, avec une grande vocation critique et anarchique. De l'ensemble de ses réalisations, on peut voir un fort engagement politique et social, une sympathie pour l'expérience soviétique et une critique de l'État et de l'Église brésiliens. La censure et les difficultés financières entraînent la fermeture de ses activités fin 1933.
Cobogo
Un élément constructif perforé ressemblant à une brique avec des parties creuses. Il est généralement en céramique ou en ciment. Il est utilisé dans la construction de parois ou de façades ajourées, avec pour fonction d'assurer la ventilation ou l'éclairage ou de séparer l'intérieur de l'extérieur. Il est né dans l'architecture de Pernambuco et son nom est formé par les initiales de ses créateurs : Amadeu Oliveira Coimbra (Co), Ernest August Boeckmann (Bo) et Antônio de Góis (Go), ayant été breveté et industrialisé à partir de 1929.
Collection
Voir Collecte.
Collection Nemirovsky
Collection formée par José Nemirovsky, médecin et homme d'affaires argentin basé au Brésil, et sa femme, Paulina. Cette importante collection se compose d'ouvrages de référence de Tarsila do Amaral, Brecheret, Di Cavalcanti, Lasar Segall, Rego Monteiro, Ismael Nery, Goeldi, Livio Abramo, Guignard, Cícero Dias, Aldo Bonadei, Volpi, Milton Dacosta, Mira Schendel, Lygia Clark , Hélio Oiticica et Rubens Gerchman, entre autres artistes. Il possède également des gravures d'artistes européens tels que Picasso, Braque, Chagall, Léger et Grosz.
Prêt
Contrat par lequel un prêt est consenti avec obligation de le restituer à une date convenue. Dans le cas des musées d'art, le prêt se produit généralement lorsqu'une collection privée d'œuvres d'art est prêtée afin que le musée puisse exposer ses œuvres, en échange de leur soin et de leur conservation.
Composition
Dans les arts visuels, le terme désigne la manière dont les éléments visuels sont organisés par l'artiste dans la constitution de l'œuvre d'art.
Concrétisme et mouvement concret au Brésil
Les principes du concrétisme éloignent l'art de toute représentation symbolique. La peinture est construite exclusivement avec des éléments plastiques – plans et couleurs – et n'a d'autre sens qu'elle-même. L'œuvre d'art ne représente pas la réalité, mais montre des structures, des plans et des ensembles liés à des formes géométriques, qui parlent d'eux-mêmes et ne renvoient pas à d'autres interprétations. Dans les années 1950 au Brésil, l'abstractionnisme avait une expression artistique forte, inspirée par des mouvements artistiques qui dialoguaient avec les caractéristiques structurelles et géométriques des formes et des œuvres d'art, comme le néoplasticisme (1917-1928) et le constructivisme russe (1914-1920), à le Bauhaus (1919-1933) et l'influence de l'artiste américain Max Bill (1908-1994). Ainsi, les premières manifestations du Mouvement Concret sont apparues à São Paulo et Rio de Janeiro. Le point de repère de ses débuts est l'exposition du groupe Ruptura, tenue au Musée d'art moderne de São Paulo, en 1952, et le Manifeste Ruptura, lancé la même année. A Rio de Janeiro, le concrétisme émerge avec la création du Grupo Frente en 1954.
Constructivisme ou art constructif
Les termes « art constructif » et « constructivisme » renvoient à certaines tendances de l'art abstrait, apparues au XXe siècle, dans lesquelles l'objet artistique est pensé comme une simple construction, comme un objet déconnecté de tout type de représentation symbolique ou expressive. . L'œuvre d'art doit être autonome, basée uniquement sur les relations formelles et matérielles de sa composition. Visuellement, les œuvres d'art constructives tendent vers la géométrisation et l'uniformité, étant constituées de plans et de couleurs, dans une recherche de proximité avec les objets industriels. À l'origine, le constructivisme était le nom d'un mouvement né en Russie en 1915, avec les artistes Vladimir Tatline et Alexandre Rodchenko, qui réfléchissaient à la fonction sociale de l'art. Des réverbérations d'expressions constructivistes peuvent être trouvées dans divers artistes et mouvements tout au long du XXe siècle, tels que le suprématisme, le cubisme, le dadaïsme, le futurisme, le Bauhaus et De Stijil. Au Brésil, le constructivisme a eu un impact principalement sur les mouvements concrets et néoconcrets des années 1950 et 1960.
Constructivisme russe
Mouvement artistique qui a émergé en Russie en 1915, avec les artistes Vladimir Tatlin et Alexander Rodchenko, qui ont produit des œuvres abstraites et géométriques. L'usage du mot « constructivisme » apparaît associé au mouvement d'avant-garde russe dans un article du critique N. Punin, de 1913, qui commente les reliefs tridimensionnels de Vladimir Tatlin. Ce mouvement fait référence à des expressions artistiques influencées par le marxisme - un courant philosophique du socialisme qui s'est développé à partir de théories sur l'économie, le travail et la lutte des classes - et qui, de ce fait, était étroitement lié au processus révolutionnaire initié dans la région actuellement connue sous le nom de Russie. . L'objet artistique commence à être pensé comme une simple construction, comme un objet détaché de toute forme de représentation symbolique ou expressive, fondé uniquement sur les relations formelles et matérielles de sa composition. Visuellement, les œuvres d'art constructives tendent vers la géométrisation et l'uniformité. Le mouvement a initialement proposé que l'art soit au service de la société, contribuant à répondre aux besoins physiques, émotionnels et intellectuels des personnes, relatifs à la production de machines, à l'ingénierie architecturale et aux moyens de communication graphiques et photographiques. . L'art devient un instrument de transformation sociale, participant à la reconstruction du mode de vie et de la conscience de la population. Le constructivisme russe a stimulé d'autres courants artistiques dans les premières décennies du XXe siècle.
Constructif
Se référant à l'acte de penser l'art non pas comme une forme de représentation, mais comme une construction. Voir Constructivisme ou Art constructif.
contexte postcolonial
Il renvoie à une perspective théorique et culturelle qui considère la colonisation comme faisant partie d'un processus global. Il n'est pas possible de parler d'une seule théorie postcoloniale, mais d'une série d'études qui apportent des contributions aux orientations différentes dans les domaines les plus variés du savoir (études culturelles, critique littéraire, sciences sociales, politique, histoire, philosophie, etc.) et ont en commun le fait qu'ils critiquent fortement les récits centrés sur l'Europe comme modèle universel de civilisation.
Contre-culture
Mouvement devenu populaire dans les années 1960, caractérisé par la contestation des valeurs sociales et comportementales actuelles. Plus généralement, il désigne des mouvements contraires aux pensées et comportements dominants dans la culture d'une époque donnée.
conventions académiques
Règles et accords adoptés par les artistes liés à l'art académique comme normes de représentation de la réalité. Ses principes sont, en général, issus de l'art classique, optant pour le réalisme formel, qui imite les figures selon certaines règles, avec une forte appréciation des thèmes mythologiques et des motifs historiques, associés à une clarté expressive.
couleurs de plouc
Terme utilisé par l'artiste Tarsila do Amaral (1886-1973), membre du mouvement moderniste au Brésil, qui cherchait à renouveler les productions artistiques nationales, exaltant les spécificités brésiliennes locales. Ainsi, l'artiste utilise le terme "couleurs de campagne" pour désigner les couleurs utilisées dans les maisons ou les productions artistiques conçues dans des régions telles que le Minas Gerais - telles que le bleu, le rose violet, le jaune vif et le vert -, qu'elle a commencé à utiliser dans ses peintures.
Cosmogonie
Il fait référence à l'explication de la création ou de l'origine de l'univers selon un groupe culturel spécifique. Aussi connu sous le nom de cosmogénèse ou cosmogénie.
Création
Action de donner existence à quelque chose. Acte ou effet de créer, générer, inventer ou produire quelque chose. Par exemple, un artiste en train de créer peut idéaliser une œuvre d'art pour réaliser plus tard ce projet, en construisant un objet concret. L'ensemble de ces activités s'appelle la création.
Critique d'art
C'est le professionnel qui analyse et évalue le travail des artistes. À travers l'observation des aspects rationnels et esthétiques, le critique d'art, en plus de contempler, étudie et juge également les productions artistiques, établit des relations entre elles et crée des catégorisations et des réflexions théoriques.
Le cubisme
Mouvement artistique né en 1907 à Paris. Ses protagonistes sont les artistes Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963). Il s'éloigne de l'idée de l'art comme imitation de la réalité et de la nature ; ainsi, ses œuvres rejettent les techniques qui génèrent des effets d'illusion, comme la perspective. Le cubisme remplace la représentation de l'espace tridimensionnel (au moyen de la perspective) par la décomposition en plusieurs volumes des formes et des angles d'observation des figures représentées. Ainsi, tous les angles de contemplation des figures sont représentés géométriquement et simultanément, sans distinctions de profondeur.
Culture
Il fait référence à des caractéristiques de la vie humaine individuelle ou collective créées de manière intellectuelle et matérielle, englobant des idées, des connaissances, des valeurs, des techniques, etc. Ainsi, la culture fournit des conditions et des éléments pour la survie de l'espèce humaine et permet des transformations dans la qualité des relations sociales.
culture de masse
Il fait référence à l'ensemble des expressions culturelles produites pour atteindre la majorité de la population. Il a un objectif essentiellement commercial, c'est-à-dire générer des produits de consommation. Le terme « masse » fait référence à un grand nombre de personnes que les produits issus de cette culture peuvent atteindre. Suivant la logique du capitalisme industriel et financier, la culture de masse cherche à standardiser et à homogénéiser les produits afin qu'ils puissent être consommés par le plus grand nombre. Sa diffusion est principalement liée aux médias de masse (radio, télévision, journaux, magazines et, principalement, Internet), contribuant au processus d'homogénéisation culturelle des consommateurs.
Curatelle
Activité exercée par le conservateur, professionnel chargé de rechercher les objets d'art réunis dans une collection. Souvent, sur la base de cette étude initiale, le commissaire propose des expositions, définit leur contenu, leurs thèmes et leur public cible et prépare l'organisation physique des œuvres dans l'espace qui sera occupé par l'exposition, entre autres aspects. Le commissariat désigne également le processus développé autour d'une collection : sélection d'objets pour la composer, acquisition de ces pièces, recherche et communication (par le biais de publications et d'expositions).
D
Dadaïsme
Mouvement artistique né en 1916 à Zurich, en Suisse, impliquant les arts visuels, la poésie et la littérature. Son porte-parole est Tristan Tzara (1896-1963) qui, en 1918, rédige le Manifeste Dada. Les dadaïstes ont réalisé des œuvres et des actions artistiques qui n'avaient apparemment ni logique ni sens, dans des attitudes ironiques qui défiaient les normes artistiques bourgeoises de l'époque, plus axées sur la production de peintures et de sculptures. Les actions dadaïstes sont liées à un contexte de pessimisme et de désillusion vis-à-vis de la civilisation occidentale face à la Première Guerre mondiale. Le hasard était l'une des stratégies les plus utilisées par les artistes Dada, et même ce mot, qui donne son nom au mouvement, a été choisi par eux pour son manque de sens, lorsqu'ils ont ouvert un dictionnaire au hasard.
Darwinisme social
Nom donné à diverses pseudosciences appliquées à l'étude des sociétés apparues en Amérique du Nord et en Europe occidentale dans la seconde moitié du XIXe siècle, d'après le livre De l'origine des espèces, de Charles Darwin (1809-1882). C'est une tentative d'appliquer le darwinisme aux êtres humains, en plaçant différents groupes ethniques et raciaux dans des hiérarchies, avec les blancs au sommet du développement humain et les noirs au bas. Il a été utilisé comme une stratégie de domination et de légitimation des pratiques discriminatoires et racistes, prêchant que les Blancs étaient naturellement supérieurs aux autres groupes humains.
démocratie raciale
Terme et concept construits à partir de l'interprétation du livre Casa-grande & senzala (1933), de Gilberto Freyre (1900-1987), dans lequel il était avancé que le racisme au Brésil serait plus doux que dans d'autres pays parce qu'il serait soutenu par métissage entre les différents peuples qui la composent. Cette idée a été largement combattue par certains intellectuels dans les années 1950 et 1960, dont Florestan
Fernandes (1920-1995) et Octávio Ianni (1926-2004), et même par des mouvements noirs brésiliens, comme le MNU (Unified Black Movement), apparu dans les années 1970, qui a souligné comment le racisme au Brésil a des mécanismes non explicites d'action, mais très bien structuré et ancré dans notre histoire.
E
éléments visuels
Les éléments qui constituent la structure d'une œuvre visuelle, tels que, par exemple, le point, la ligne, la forme, la direction, le volume, la couleur, le ton, la texture, la dimension, l'échelle et le mouvement.
propriétaires fonciers d'élite
Partie minoritaire et privilégiée de la population qui possède de grandes propriétés rurales et contrôle économique de la production agricole. En raison de l'importance de l'activité agricole au Brésil depuis l'époque coloniale, cette élite a également accumulé une part importante du pouvoir politique dans le pays.
Émile Renard
(Sèvres, France, 1850 – Paris, France, 1930)
Peintre affilié au Réalisme, influencé par les artistes Gustave Courbet et Jean-François Millet. Sa peinture a pour thème la vie quotidienne – les paysans travaillant la terre, par exemple – représentée de manière simple et objective.
Écriture et dessin automatiques
Méthodes de création artistique et littéraire dans lesquelles on cherche à éviter l'expression des pensées conscientes de l'auteur, laissant les images et les textes couler de l'inconscient, sans la censure de la pensée rationnelle.
pochoir
Technique de reproduction d'image, également appelée masquage, dans laquelle une image est découpée sur une surface bidimensionnelle. L'espace vide laissé par l'image génère une matrice ; cette matrice est positionnée sur un support et, par-dessus, de l'encre est appliquée qui, lorsqu'elle fuit à travers l'espace de coupe, imprime l'image sur le support.
esthétique
Terme d'origine grecque qui signifie perception, sensation. Branche de philosophie dédiée à la théorisation de l'art, de la beauté et de leur appréciation. L'esthétique analyse les œuvres d'art et les processus de perception et de jugement des phénomènes artistiques et de ce qui est considéré comme beau.
stylisation
Il fait référence à des représentations figuratives élaborées avec des critères idéalisés, afin de simplifier ou de modifier les formes, les contours et les proportions de l'image originale. Il en résulte une représentation reconnaissable mais irréaliste.
éloignement
S'étonner, s'émerveiller, s'émerveiller. Le trouvant différent de ce qu'il serait naturel d'attendre.
structure patriarcale
Ensemble de lois et de valeurs sociales qui concentrent le pouvoir sur les figures masculines et soumettent ainsi les femmes aux hommes.
Eva Hesse
(Hambourg, Allemagne, 1936 – New York, États-Unis, 1970)
Artiste américaine d'origine allemande connue pour son travail de pionnier dans des matériaux tels que le latex, la fibre de verre et le plastique. Ses sculptures et installations explorent la matérialisation de ses expériences, et son travail dans son ensemble tend à être analysé à la lumière des luttes douloureuses de sa vie, notamment la fuite des nazis, le divorce de ses parents, le suicide de sa mère lorsqu'elle avait dix ans. , son mariage raté et la mort de son père. Eva Hesse est décédée prématurément à l'âge de 34 ans, victime d'un cancer du cerveau.
Exposition à court / moyen / long terme
Ces dénominations sont utilisées en relation avec le temps pendant lequel une certaine exposition reste ouverte au public. Les expositions à long terme durent généralement quelques années. Dans le cas de la Pinacothèque, l'actuelle exposition à long terme de la collection, ouverte en 2020 et prévue pour durer jusqu'en 2025, vise à offrir au public une vue complète de la collection d'art brésilien, dans laquelle environ 1000 400 œuvres de plus de 2005 les artistes sont exposés. . Des expositions de courte et moyenne durée sont organisées pour être montrées pendant un certain temps, généralement entre un mois et un an. C'est ce qui se passe, par exemple, lorsqu'une institution reçoit une exposition d'une autre institution, comme la rétrospective d'œuvres du sculpteur Henry Moore organisée en 2004 à la Pinacothèque ; ou lorsqu'un commissaire propose une exposition explorant un thème précis, comme l'exposition Mulheres Pintoras, qui s'est tenue en 2003. L'exposition Vistas do Brasil, avec des œuvres de la collection Brasiliana, a ouvert en juillet 2005 et s'est terminée en février XNUMX, étant donné qu'il s'agit d'un bon exemple d'exposition à moyen terme.
Expressionnisme
Une tendance récurrente dans l'histoire de l'art, dans laquelle l'artiste tend à exprimer artistiquement ses émotions de manière subjective et dramatique. En peinture, l'impact émotionnel est renforcé par l'utilisation délibérée de couleurs fortes et la distorsion de la forme, entre autres caractéristiques. Au XXe siècle, cette tendance est visible dans des mouvements tels que l'expressionnisme allemand (commencé en 1905), l'expressionnisme abstrait (États-Unis, fin des années 1940) et le néo-expressionnisme (Allemagne, milieu des années 1970).
F
FAAP (Fondation Armando Álvares Penteado)
Établissement d'enseignement supérieur dont la fondation remonte aux années 1940, lorsque le comte Armando Álvares Penteado a pensé à établir un centre culturel pour l'articulation des arts à São Paulo. Dans les années 1950, l'institution a commencé à proposer des cours tels que la formation des professeurs de dessin. Le cours d'arts visuels de la FAAP est l'un des plus traditionnels de São Paulo et du pays, puisqu'il existe depuis les années 1960.
Famille Artistique Pauliste (FAP)
Groupe fondé en 1937 et dirigé par Rossi Osir (1890 – 1959) et Waldemar da Costa (1904 – 1982). Elle a vu la participation de plusieurs artistes, dont des membres du Groupe Santa Helena, une autre association d'artistes formée en 1934. L'écrivain Mário de Andrade (1893 – 1945) les définit comme une « école pauliste », marquée par une sorte de modernisme. de ton modéré et situé dans un lieu intermédiaire entre l'expérimentation artistique liée à la Semaine d'Art Moderne de 1922 et l'art académique, encore vivant dans le milieu artistique de São Paulo à cette époque.
Phase Pau-Brésil
Une phase de la production de l'artiste Tarsila do Amaral (1886 – 1973), qui s'est déroulée entre 1924 et 1928, à partir du voyage qu'elle a effectué avec d'autres artistes modernistes et le poète franco-suisse Blaise Cendrars (1887 – 1961), en la période entre le Carnaval et la Semaine Sainte, à Rio de Janeiro et les villes historiques de Minas Gerais. Les œuvres de cette période présentent des thèmes et des couleurs que l'on retrouve dans les productions artistiques et architecturales de ces régions, qualifiées à l'époque de culture populaire, en plus de l'influence du cubisme dans la simplification et la géométrisation des formes.
Fauvisme
Le terme fauvisme vient du mot français "fauves", qui signifie "bêtes sauvages". Il a été utilisé par le critique Louis Vauxcelles (1870-1943) pour faire référence à la présence de couleurs intenses dans les œuvres de certains artistes participant au Salon d'Automne de 1905 à Paris. Ainsi, entre 1905 et 1907, le groupe de peintres dirigé par Henri Matisse (1869-1954) se consacre à des recherches sur la simplification des formes et à l'expérimentation de l'utilisation des couleurs, notamment pures. Par des coups de pinceaux forts et nets, les « fauves » s'éloignent des principes académiques du mélange des couleurs et des jeux d'ombres et de lumières avec des clairs-obscurs, qui donnent l'illusion visuelle de la vraisemblance. Le fauvisme fait référence à une phase dans les œuvres d'artistes qui ont été impliqués dans de telles expériences, et ne se sont pas constitués comme une école artistique avec des programmes et des manifestes bien définis.
Le féminisme
Mouvement né au XIXe siècle dans le but d'obtenir l'égalité des droits sociaux et politiques pour les deux sexes, considérant que les femmes sont égales aux hommes et doivent avoir accès aux mêmes opportunités. Propose l'égalité des sexes.
Le féminisme noir
Mouvement de femmes actives dans la discussion et la lutte contre le racisme et pour l'égalité des sexes. Il comprend que l'identité de genre, le racisme, l'oppression de classe et le sexisme sont liés, et que les femmes noires sont l'un des segments les plus défavorisés de la population de notre société.
Fernand Léger
(Argentan, France, 1881 – Gif-sur-Yvette, France, 1955)
Peintre, écrivain et professeur d'art français. Il participe aux premières manifestations cubistes, expérimente des manières de représenter la nature à travers des figures géométriques et curvilignes et compose en peinture toutes les parties d'un objet dans un même plan. Il fonde sa propre académie en 1922.
Figuration
Il fait référence à l'art figuratif, c'est-à-dire à la représentation de formes reconnaissables dérivées de la réalité, telles que des objets, des personnes, des animaux et des paysages, même si elles sont interprétées et pas nécessairement reproduites avec une fidélité naturaliste. Il s'oppose à l'abstraction.
fluxus
Groupe créé par George Maciunas (1931 – 1978) en 1961, en Allemagne, qui réunissait des artistes de diverses langues désireux de réaliser des œuvres expérimentales et collectives. Elle avait pour référence le dadaïsme et les idées de l'artiste Marcel Duchamp (1887 – 1968), souvent associées à l'art conceptuel, qui privilégiait l'idée sur la construction matérielle de l'objet artistique, et les idéaux de l'anti-art, qui remettaient en cause les traditions définitions usuelles dans le monde de l'art circuit artistique, telles que art, artiste, œuvre d'art, etc.
Formes géométriques
Ils sont configurés à partir de références mathématiques et ressemblent ou font référence à la géométrie. Ils sont liés au rationnel et au calculé, par opposition à l'organique.
formes organiques
Ils se réfèrent à des formes trouvées dans la nature. Ainsi, ils sont plus expressifs, gestuels et liés à la matière qui constitue un être vivant ou naturel, par opposition à ce qui est rationnel, calculé et plus lié au géométrique.
Photo Cine Clube Bandeirante (FCCB)
L'un des clubs photo brésiliens les plus anciens et les plus importants, situé dans la ville de São Paulo. Fondée en 1939, elle a plusieurs activités et a contribué à établir la photographie artistique au Brésil, avec la reconnaissance même des clubs à l'étranger. Il est à l'origine de l'émergence de la « Escola Paulista » de photographes, qui a changé les concepts de composition, de style, de découpes, etc. prévalant jusque-là dans la photographie académique et pictorialiste ou associée au photojournalisme. Pendant des années, le club a organisé le Salon brésilien de l'art photographique, organisé deux fois la Biennale brésilienne de la photographie et promu d'autres clubs et salons numériques, tels que Web Art Photos et Tecnologia na Arte.
Futurisme
Mouvement artistique du début du XXe siècle qui, dans les arts visuels, cherchait à analyser et à représenter des idées associées au contexte d'industrialisation et à l'expansion des développements technologiques dans les moyens de transport et à l'urbanisation de l'époque - des idées telles que le dynamisme, la vitesse et le mouvement, c'est-à-dire la façon dont la figure se déplace dans l'espace. Tout a commencé avec la publication du manifeste futuriste du poète italien Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944).
G
Genre / Genre artistique
Dans un sens plus large, dans le domaine des arts, il peut désigner la classification des productions artistiques selon des aspects stylistiques, thématiques ou techniques. La notion de genre est également utilisée pour catégoriser les productions artistiques associées à l'art académique. Dans ce contexte, lié à des règles de représentation préétablies, les genres sont l'un des paramètres de la création. les peintures académiques
ils ont été classés dans les genres suivants : peinture mythologique, peinture historique, portrait, paysage et nature morte.
Geração 80
Terme apparu à l'occasion de l'exposition How are you, Generation 80 ?, tenue à l'Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV), à Rio de Janeiro, en juillet 1984. La production des 123 artistes participants, principalement de jeunes les gens de Rio de Janeiro et de São Paulo, bien qu'hétérogènes, ont apporté certaines tendances prédominantes dans l'art de cette génération. Un retour à la peinture s'impose, avec un parti pris expressionniste et gestuel, contenant une forte charge émotionnelle, avec des productions à grande échelle et des expérimentations de matières. Cela s'est produit après la prédominance de l'art conceptuel dans les années 1970, qui s'intéressait plus à l'idée de l'artiste qu'à la construction matérielle de l'œuvre d'art. La production de ces artistes dans les années 1980 est devenue une référence pour l'art brésilien car elle reflétait la posture des agents créatifs face au moment politique, marqué par l'euphorie du rétablissement de la démocratie après la dictature militaire.
Gestalt
Une des théories de la perception. Selon cette théorie, ce n'est qu'à travers la perception de la totalité que l'on peut effectivement percevoir, décoder et assimiler une image ou un concept. Elle affirme ainsi que le tout est plus que la somme des parties qui le composent.
Gravure
Le terme désigne un langage visuel obtenu par des moyens techniques autres que ceux du dessin et de la peinture. En gravure, l'image à représenter est gravée ou dessinée (à l'aide d'outils spéciaux qui créent des marques, des rainures ou des incisions) sur une surface appelée matrice - qui peut être constituée de divers matériaux, tels que le métal, le bois, la pierre, etc. Une fois que la matrice a reçu les marques du
image, une couche d'encre est ajoutée à certains endroits sur celle-ci et cette matrice va être pressée (pressée) contre une feuille de papier. La feuille recevra l'impression à l'encre des formes du dessin qui a été marqué sur la matrice. La gravure est classée en fonction du matériau à partir duquel la matrice est fabriquée – s'il s'agit de bois, par exemple, la technique sera appelée gravure sur bois ; quand elle sera faite en pierre, elle s'appellera lithographie ; et lorsqu'elle est en métal et que des acides sont utilisés pour faire des marques sur la surface, on l'appelle eau forte. Il existe encore de nombreuses autres techniques de gravure.
Gregori Warchavchik
(Odessa, Ukraine, 1896 – São Paulo, Brésil, 1972)
Il a introduit l'architecture moderne au Brésil, dont les caractéristiques sont basées sur des critères rationnels de confort, d'économie d'éléments de construction et de fonctionnalité. Lorsqu'il se marie en 1927 avec Mina Klabin (1896 – 1969), sœur de Jenny, épouse de Lasar Segall, il fait construire sa résidence, considérée comme la première maison moderne construite en Amérique latine.
Grotesque
Il fait référence à quelque chose considéré comme ridicule, qui renvoie au rire ou à la moquerie.
Groupe Grimm
Groupe de peintres qui, venant de l'Académie Impériale des Beaux-Arts (AIBA), se sont réunis sur la plage de Boa Viagem, à Niterói, pour peindre des paysages extérieurs sous la direction de l'Allemand Georg Grimm, entre 1884 et 1886. Grimm a enseigné à l'AIBA, mais son contrat n'a pas été renouvelé car ses méthodes d'enseignement – comme peindre en plein air avec des coups de pinceau rapides et percutants, à la manière des peintres impressionnistes, par exemple – ne coïncidaient pas avec les pratiques académiques. Le groupe Grimm a été formé par des artistes qui avaient des cours avec lui en dehors du milieu universitaire, dont Antônio Parreiras (1860 - 1937), Giovanni Battista Castagneto (1849 - 1900), Garcia y Vásquez (1859 - 1912), Hipólito Boaventura Caron (1862 1892), França Júnior (1838 – 1890) et Francisco Joaquim Gomes Ribeiro (1855 – 1900).
Groupe d'avis
Groupe de théâtre de Rio de Janeiro, qui a concentré le théâtre de protestation et de résistance après le coup d'État civilo-militaire des années 1960. Il a été créé comme centre de recherche et de diffusion de la dramaturgie nationale et populaire entre 1964 et 1983.
Guerre froide
Conflit politique et idéologique qui a commencé peu après la Seconde Guerre mondiale et s'est terminé vers 1989, entre les États-Unis, avec son idéologie capitaliste, et l'Union des Républiques socialistes soviétiques (URSS), sous l'idéologie communiste, qui pendant cette période se disputait politique, hégémonie économique et militaire dans le monde.
H
Événement et performance
Le terme happening (« happening ») a été créé par l'artiste américain Allan Kaprow (1927-2006) à la fin des années 1950. Il désigne des actions artistiques pouvant impliquer différents langages – issus, par exemple, des arts de la scène, de la musique ou de la littérature – et se caractérisent généralement par l'improvisation et les propositions qui anticipent la participation du public. L'action artistique dans le happening a une structure souple, sans fin prédéterminée. La performance présente certaines similitudes avec le happening et peut être considérée comme une émanation de celui-ci. Il s'agit aussi d'actions qui peuvent mêler différents langages artistiques, mais il se caractérise surtout par l'utilisation par l'artiste de son propre corps comme moyen d'action artistique, et il n'implique pas toujours d'interaction avec le public. Si le happening peut être plus localisé dans les manifestations qui ont eu lieu entre les années 1950 et 1960, la performance reste une forme artistique très présente dans l'art contemporain.
Henri Matisse
(Le Cateau-Cambrésis, France, 1869 – Nice, France, 1954)
Henri-Émile-Benoît Matisse était un peintre, designer et sculpteur français et le principal représentant du fauvisme, un mouvement artistique créé à Paris, en France, vers 1905.
hétéronormatif
En ce qui concerne l'hétéronormativité, le concept selon lequel l'hétérosexualité est la seule orientation sexuelle à être comprise comme normale et correcte dans la société ; les autres orientations sexuelles sont donc comprises comme déviantes de la norme et, par conséquent, marginalisées.
Holistique
Il fait référence à l'holisme, un mot qui vient du grec holos, qui signifie « tout ». C'est une approche qui privilégie la compréhension intégrale des phénomènes, par opposition aux procédures dans lesquelles les parties d'un tout sont analysées isolément.
homoérotisme
Attirance érotique entre personnes du même sexe.
I
Yalorisha
Prêtresse suprême d'une maison Candomblé ou Umbanda, les religions afro-brésiliennes ; dans la traduction littérale de la langue africaine Yoruba, cela signifie « mère du saint ».
Iconographie
Fait référence aux éléments visuels, tels que les symboles et les thèmes, qui composent une œuvre d'art figurative. C'est aussi le nom donné à la documentation visuelle qui constitue ou complète un ouvrage de référence écrit. Le terme fait également référence à une discipline de l'histoire de l'art qui étudie l'origine, la description et la contextualisation de la représentation visuelle des images, symboles, motifs et attributs présents dans une œuvre d'art.
idées marxistes
Il fait référence aux pensées des philosophes allemands Karl Marx (1818-1883) et Friedrich Engels (1820-1895), qui ont développé des analyses politiques, sociales et économiques sur le mode de production capitaliste et défendu des changements sociaux, proposant le développement du communisme, un système économique et social fondé sur la propriété collective des moyens de subsistance.
identité culturelle
Il se réfère à un ensemble de caractéristiques culturelles partagées par un groupe ou une société, qui imprègnent leurs relations sociales, leurs mémoires collectives, leur conscience historique et leurs constructions linguistiques, religieuses, artistiques, techniques et scientifiques, étant, par conséquent, liées à l'auto-définition de ce groupe ou société société.
Imaginaire
Ensemble de symboles et de représentations visuelles caractéristiques d'une société donnée, d'un peuple déterminé ou d'un groupe social.
impressionnisme
Mouvement artistique apparu en Europe dans la seconde moitié du XIXe siècle. Les artistes impressionnistes n'étaient pas d'accord avec les manières de représenter la réalité dictées par les académies des beaux-arts, car ils disaient que les universitaires réalisaient leurs peintures dans des ateliers sous un type d'éclairage artificiel différent de celui que l'on trouve dans la lumière extérieure. La lumière naturelle et le mouvement sont devenus des éléments importants de la peinture impressionniste, dont les toiles étaient généralement dessinées à l'extérieur, avec des coups de pinceau lâches et rapides, afin que le peintre puisse mieux saisir les nuances de la nature et les différentes formes d'éclairage. Ce type de recherche a été rendu possible par la production industrielle de peinture à l'huile en tube. Les thèmes nobles, mythologiques ou historiques ne sont pas courants dans les œuvres impressionnistes, qui privilégient les paysages, les natures mortes ou les scènes du quotidien.
Impressionniste
Voir Impressionnisme.
L'installation
Terme intégré au vocabulaire des arts visuels dans les années 1960 pour désigner une manifestation artistique contemporaine composée d'éléments organisés dans un environnement. L'installation est une construction ou un assemblage de matériaux pouvant atteindre de grandes proportions et même permettre au spectateur de pénétrer dans l'espace qu'elle constitue. Il peut avoir un caractère éphémère, ne restant construit que le temps d'une exposition, ou être démonté et recréé dans un autre lieu.
Intervention
Dans le domaine des arts, ce terme n'a pas de définition unique et peut être associé à plusieurs sens. Il désigne généralement l'acte d'interférer avec une situation ou un objet donné pour favoriser une transformation ou une réaction, qui peut se produire sur le plan physique, intellectuel ou sensoriel. Les travaux d'intervention sont très variés ; elles peuvent être réalisées dans un contexte urbain – avec des graffitis, par exemple, ou encore avec la création d'une scène sur une place – ou elles peuvent être réalisées par-dessus d'autres images, consistant, en ce sens, à ajouter des éléments à un image ou objet donné, y compris une autre œuvre d'art.
Ismaël Néry
(Pará, Brésil, 1900 – Rio de Janeiro, Brésil, 1934)
Peintre brésilien dont le sujet principal était la figure humaine. Il a fréquenté l'École nationale des beaux-arts de Rio de Janeiro. Il séjourne quelque temps en France où il étudie à l'Académie Julien et entre en contact avec l'art moderne qui se propose de rompre avec les préceptes académiques classiques d'imitation de la nature. Son travail révèle des influences modernes, avec des coups de pinceau plus lâches et la présence d'éléments émotionnels liés à l'expressionnisme. Par la suite, il présente également des influences du surréalisme de Marc Chagall (1887 – 1985), avec des images d'origine psychique et fantastique, et du cubisme de Pablo Picasso (1881 – 1973), avec ses études de spatialités géométrisées et sans perspective.
J
Jackson Pollock
(Wyoming, États-Unis, 1912 – New York, États-Unis, 1956)
Le nom principal de l'expressionnisme abstrait, un mouvement qui a eu son épicentre à New York entre les années 1940 et 1950, dans lequel l'abstraction est associée à la spontanéité du geste de l'artiste sur la toile, renvoyant à son expression personnelle. Tout au long de sa carrière, Pollock est passé de la création d'images fragmentées et figuratives à l'abstraction totale. Il a développé une technique dans laquelle il posait ses toiles sur le sol, en marchant autour d'elles et, au lieu d'appliquer la peinture avec le pinceau touchant sa surface, il la laissait couler et couler, créant des taches qui recouvraient tout l'espace de la composition.
Jean-Baptiste Debret
(Paris, France, 1768 – Paris, France, 1848)
Peintre et dessinateur français, membre de la Mission Artistique Française arrivée au Brésil en 1816. Il enseigne la peinture à l'Académie Impériale des Beaux-Arts. De retour en France en 1831, il publie Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil (1834-1839), documentant des aspects de la nature, de l'homme et de la société brésilienne du début du XIXe siècle. Cet artiste est l'auteur du drapeau du Brésil impérial, qui fut le drapeau national de 1822 à 1889.
Joseph Beuys
(Krefeld, Allemagne, 1921 – Düsseldorf, Allemagne, 1986)
Artiste allemand qui a commencé à étudier l'art après la Seconde Guerre mondiale, après avoir servi comme pilote dans l'armée de l'air allemande. Sa production artistique comprenait des happenings, des performances et des installations et sa façon de voir l'art peut être considérée comme un exemple de l'idée de non-séparation entre l'art et la vie. Il pensait que l'art devait jouer un rôle actif dans la société et que n'importe qui pouvait le faire. Son travail met en lumière la recherche de différents matériaux, tels que le feutre et la graisse, utilisés dans diverses œuvres. Il est considéré comme l'un des artistes les plus influents de la seconde moitié du XXe siècle.
Joseph-Antoine Bouvard
(Saint-Jean-de-Bournay, France, 1840 – Marly-le-Roi, France, 1920)
Architecte et urbaniste français qui a conçu le plan de remodelage du centre de São Paulo au début du XXe siècle. Il a été directeur du Service des visites et jardins de Paris.
Juxtaposition
Action de placer un objet ou une image à côté ou superposé à un autre.
K
Keith Haring
(Pennsylvanie, États-Unis, 1958 – New York, États-Unis, 1990)
Artiste américain, il a étudié le graphisme et a été fortement influencé par le contexte dans lequel il a vécu : le New York des années 1980, ses graffitis et sa culture pop, avec une forte référence à la bande dessinée. Son travail a suscité de grandes réflexions autour de l'activisme social, des thèmes homoérotiques et de la scène de la prostitution dans la ville, influençant d'innombrables artistes à travers le monde et sensibilisant au sida.
L
Land Art
Aussi appelé Earth Art ou Earthwork, c'est un type d'art dans lequel le terrain naturel, au lieu de fournir l'environnement de l'œuvre d'art, est lui-même travaillé afin de composer l'œuvre. Le land art est apparu à la fin des années 1960, en partie en raison d'un mécontentement croissant face à la monotonie culturelle délibérée générée par les formes simples du minimalisme, en partie comme l'expression d'un désenchantement face à la technologie sophistiquée de la culture industrielle, ainsi qu'en raison de la croissance intérêt pour les questions liées à l'écologie. C'est un type d'art qui, en raison de ses caractéristiques, ne peut être exposé dans les musées ou les galeries (sauf à travers son enregistrement en photographie, vidéo, etc.).
Lasar Segall
(Vilna, Lituanie, 1889 – São Paulo, Brésil, 1957)
Peintre d'origine lituanienne lié à l'expressionnisme allemand, qui valorisait les émotions et les aspects subjectifs dans les représentations, avec des coups de pinceau plus lâches et une plus grande liberté dans l'utilisation des couleurs. En 1913, il visite le Brésil et expose ses œuvres. Il est naturalisé brésilien en 1925, après avoir épousé Jenny Klabin (1899 – 1967). Il est considéré comme l'un des pionniers de l'art moderne au Brésil. Une grande partie de ses œuvres se trouve dans le musée qui porte son nom, situé dans la ville de São Paulo.
Léda Catunda
(Sao Paulo, Brésil, 1961)
Diplômée en arts visuels de la Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP) en 1984. Ses recherches portent sur des thèmes tels que la banalisation des images, les stéréotypes visuels, la paternité non identifiable. Sa recherche de nouveaux supports et matériaux est constante, et il l'utilise dans ses peintures de vêtements et d'accessoires domestiques, tels que des tapis, des serviettes, des chaussettes, des manteaux et des housses de coussin.
LGBTQIA +
Acronyme qui cherche à englober la diversité sexuelle, donnant une visibilité aux différentes identités de genre et orientations sexuelles et affectives. La lettre L signifie lesbiennes. G est la lettre pour les gays. B signifie personnes bisexuelles. T désigne les travestis, transsexuels ou personnes transgenres, personnes dont l'identité de genre diffère de celle qui leur a été attribuée à la naissance. Q désigne queer et renvoie à la non-identification aux attentes de genre socialement établies. Il s'agit d'une large catégorie, qui englobe différentes identités dans la communauté non hétérosexuelle ou ceux qui ne s'identifient pas à l'identité de genre attribuée à la naissance, déterminée par le sexe biologique. En anglais, queer signifie « étrange », « excentrique », un mot initialement utilisé de manière discriminatoire, mais actuellement re-signifié par la communauté LGBTQIA+. La lettre I fait référence aux intersexes, aux personnes nées avec des caractéristiques biologiques qui ne rentrent pas dans les catégories féminines ou masculines typiques. A est la lettre qui représente les asexuels, les personnes qui ne sont sexuellement attirées par personne. Et le signe + est ajouté à l'acronyme pour désigner d'autres orientations, expressions et identités de genre sexuelles.
langage visuel
Il s'agit de la communication qui s'opère à travers les images. Les images sont le résultat d'un mélange de pensées, de valeurs, d'idéaux et d'émotions et sont construites en termes de langage visuel à travers des lignes, des couleurs, des proportions, des textures et des rythmes, entre autres aspects.
Lygie Clark
(Minas Gerais, Brésil, 1920 – Rio de Janeiro, Brésil, 1988)
Artiste brésilien contemporain, qui a également travaillé comme enseignant. Tout au long de son parcours, elle a commencé à se dire « non pas artiste », mais « proposante ». Son processus de travail a commencé de manière traditionnelle, en passant par la peinture et la sculpture, mais s'est poursuivi vers la proposition d'œuvres qui se sont déroulées comme des événements esthétiques et thérapeutiques destinés au public et à l'exploration sensorielle, avec un intérêt plus grand pour la participation des personnes que pour la construction de l'art. objet.
M
Manifeste
A la fin du XIXe siècle et dans la première moitié du XXe siècle, dans le contexte des artistes modernes, en rupture avec les schémas thématiques et stylistiques des académies, habituellement articulés en groupes, les manifestes sont des textes qui visent à exposer et diffuser les idées qui fédèrent le groupe ; prennent souvent un ton de pamphlétaire.
Manifeste anthropophage
Oswald de Andrade (1890 – 1954) a écrit ce manifeste en 1928, inspiré du tableau Abaporu, de Tarsila do Amaral (1886 – 1973). Le manifeste aborde le thème de l'anthropophagie - une ancienne pratique amérindienne liée à la consommation rituelle de chair humaine - en l'associant métaphoriquement, poétiquement à la relation établie par la culture brésilienne avec d'autres cultures, notamment européennes, et en proposant une révision de la culture de dépendance du Brésil. Le thème de ce manifeste reste provocateur jusqu'à aujourd'hui et a même été abordé à la XXIVe Biennale de São Paulo, tenue en 1998.
Manifeste Pau-Brésil
Le Manifeste de poésie Pau-Brasil, écrit par Oswald de Andrade (1890 – 1954), fut initialement publié dans le journal Correio da Manhã, en 1924. En 1925, il fut présenté comme l'ouverture de son livre de poésie Pau-Brasil. Il défend de nouveaux principes pour la poésie brésilienne, afin de sauver la culture locale à travers la fusion d'éléments de la culture populaire et savante, y compris l'enregistrement d'éléments d'oralité et de thèmes quotidiens.
Marc Chagall
(Liozna, Biélorussie, 1887 – Saint-Paul-de-Vence, France, 1985)
Artiste d'origine russe qui a développé sa formation artistique entre Saint-Pétersbourg et Paris dans les premières décennies du XXe siècle. Il fait carrière dans les écoles d'art, illustre une édition de fables de Jean de La Fontaine (1621 – 1695) et conçoit des costumes et des décors pour les ballets de Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840 – 1893). Dans ses œuvres, il est possible de reconnaître des souvenirs de sa patrie et des thèmes tels que la naissance, le mariage et la mort. Ses productions ont de fortes empreintes de surréalisme, avec des éléments et des scènes qui renvoient à l'ordre du fantastique et du rêve.
Marcel Duchamp
(Blainville-Crevon, France, 1887 – Neuilly-sur-Seine, France, 1968)
Artiste français dont le travail se caractérise par le questionnement des conventions artistiques et son contenu conceptuel, souvent basé sur des jeux de langage. Duchamp est parti du principe que ce que l'artiste définit comme art est de l'art, quels que soient les règles, les moyens techniques ou les matériaux spécifiques. Son attitude radicale envers la pensée artistique traditionnelle a fait de lui l'un des artistes les plus influents dans la transformation de l'art tout au long du XXe siècle. Duchamp réalise son premier ready-made (mot que l'on peut traduire par « déjà prêt »), la Roue de bicyclette, en 1913. Le premier à être exposé publiquement par lui est Fonte, dès 1917, dans lequel il s'approprie un urinoir masculin et signé sous un pseudonyme.
Marchand
Terme d'origine française signifiant "marchand". Désigne le professionnel qui achète, vend et agit comme intermédiaire commercial d'œuvres d'art, valorise la production des artistes plasticiens et conseille les acquéreurs potentiels.
Mário de Andrade
(Sao Paulo, Brésil, 1893 – Sao Paulo, Brésil, 1945)
Écrivain, musicologue, enseignant et défenseur du patrimoine artistique et culturel brésilien. Théoricien et articulateur du mouvement moderniste et de la Semaine d'art moderne de 1922, qui proposait le renouveau des arts et de la culture brésiliens, en mettant l'accent sur les spécificités locales.
La médiation
Le concept de médiation vient du domaine juridique, dans lequel il désigne une action qui s'opère entre les parties dans une situation conflictuelle. Dans le domaine de l'éducation, le terme de médiation désigne une action consciente qui agit comme un lien entre le sujet, individuel et unique, le collectif et l'objet analysé (texte, image ou élément). Il constitue un processus de communication qui permet l'exposition et l'appréhension de différents points de vue, expériences et perceptions de la réalité, mettant en évidence la variété des modes de vie et des sujets présents dans la société. La médiation permet d'établir des relations entre les acteurs d'une communauté, mais aussi entre eux et le monde dans lequel ils sont insérés.
Moins de valeur
Lorsqu'il est utilisé en économie, le terme fait référence à la différence constatée lorsque la valeur de vente est inférieure à la valeur nette comptable d'un actif. Mais cela peut aussi signifier la faible appréciation ou le peu de mérite attribué à une personne par le milieu dans lequel elle vit ou par elle-même.
Métissage / Métissage
Le métissage est le mélange biologique entre des personnes de différents groupes ethniques et raciaux, comme, par exemple, des femmes noires et des hommes blancs, des hommes noirs et des femmes indigènes, des femmes blanches et des hommes indigènes, etc.
Métaphysique
Mot d'origine grecque que l'on peut traduire par "au-delà de la physique". C'est-à-dire que la métaphysique se réfère à des questions philosophiques immatérielles, qui sont au-delà de l'expérience concrète et empirique. C'est une branche de la philosophie qui cherche à étudier et à comprendre l'essence des choses, ce qui les rend telles qu'elles sont, mais le mot est également utilisé dans des contextes de mysticisme et d'ésotérisme.
Miméographié
Reproduit sur un miméographe, équipement pour la reproduction à grande échelle d'images et de textes sur papier. Le processus de fabrication de copies miméographiées nécessite le travail manuel de copie du texte ou de l'image original sur la matrice (une feuille de papier stencil) et également de tourner manuellement une manivelle pour imprimer les copies.
Minimalisme
Le terme fait référence à des mouvements artistiques, culturels et scientifiques qui se sont produits à différentes époques du XXe siècle et qui se sont concentrés sur l'utilisation de quelques éléments fondamentaux comme base d'expression. Le minimalisme dans les arts visuels cherchait, par la réduction formelle et la production d'objets en série, à transmettre à l'observateur une perception de l'essence de l'objet.
Mission Artistique Française
Egalement intitulée "Colônia Lebreton", car organisée par l'intellectuel et homme politique français Joachim Lebreton (1760-1819), elle comprenait les peintres Nicolas Antoine Taunay (1755-1830) et Jean-Baptiste Debret (1768-1848), le sculpteur Auguste-Marie Taunay (1768-1824), l'architecte Grandjean de Montigny (1776-1850) et le médailleur Charles-Simon Pradier (1786-1843), entre autres. Ce groupe d'artistes universitaires, d'architectes et d'artisans est arrivé au Brésil en 1816 pour instituer l'enseignement des arts à la demande du monarque D. João VI, installé à Rio de Janeiro et désireux de renouveler la scène culturelle locale. Le travail de ces artistes aboutira à la fondation de l'Académie impériale des beaux-arts en 1826, qui diffusera le style néoclassique dans tout le pays, sauvant les formes de représentation réaliste et illusionniste des références classiques européennes, en utilisant, par exemple, la perspective et les jeux. . de lumière et d'ombre de clair-obscur, qui a créé des illusions de profondeur dans les peintures.
Mythe des trois races
La conception s'est développée principalement à partir de la fin du XIXe siècle, basée sur l'idée que la formation brésilienne s'est faite à travers la relation entre trois «races»: l'européen, l'indigène et l'africain. Cette idée a été diffusée dans les théories de différents auteurs et aussi dans le bon sens, mais elle a été discréditée au fil du temps, étant considérée comme un « mythe » en raison de certains points critiques : le concept de « race », tel qu'il était auparavant compris, est aujourd'hui considéré comme erroné. ; une idée de démocratie raciale s'est créée dans le pays qui s'est avérée fausse, car la colonisation a provoqué des relations déséquilibrées, et même aujourd'hui les individus d'origine indigène et africaine souffrent de préjugés et de discrimination dans notre société ; la conception généralise les peuples indigènes et africains comme appartenant, chacun, à une même culture, bien que leurs origines soient très diverses, avec de nombreuses différences culturelles mais aussi linguistiques.
Les mythes
Constructions narratives complexes qui se réfèrent généralement aux principes du temps, offrant des explications sur les événements majeurs de la vie. Ils représentent souvent, de manière symbolique, des événements de la nature qui se répètent de façon cyclique.
Modernisme de São Paulo
Un mouvement associé aux propositions d'art moderne, qui a commencé au Brésil dans les années 1920. À São Paulo, il a été marqué par la Semaine d'art moderne de 1922, qui comprenait des manifestations artistiques dans différentes langues - arts visuels (peinture et sculpture). littérature et musique. Ses propositions visaient à l'incorporation des innovations stylistiques et thématiques des avant-gardes artistiques européennes et en même temps à la discussion du rôle de l'art dans la construction d'une identité brésilienne.
Monographies
Mono signifie un ou unique, et impression signifie impression. Ainsi, les monotypes sont des gravures qui ne peuvent être imprimées qu'une seule fois, rendant impossible la reproduction en plusieurs exemplaires.
Monotype
C'est l'ensemble des techniques d'impression au moyen desquelles un dessin ou une tache de couleur ne peut être reproduit(e) qu'une seule fois (d'où le nom de « monotype »). Le dessin est réalisé sur une surface lisse temporaire, telle que du métal, du plastique ou du verre ; la feuille de papier est posée sur cette surface, et ainsi l'impression est obtenue.
Mouvement néoconcret ou néoconcrétisme
Mouvement d'artistes brésiliens lancé avec le Manifeste du Néoconcret, en 1959. Il révise l'abstraction géométrique concrétiste des années 1950, qui avait rapproché l'art et l'industrie, questionne son rationalisme et défend le sauvetage de la subjectivité, les expérimentations langagières et le rapprochement avec le spectateur. . Parmi les artistes participants figurent Amilcar de Castro (1920-2002), Hélio Oiticica (1937-
1980), Lygia Clark (1920-1988) et Lygia Pape (1927-2004).
Muralisme Mexicain
José Clemente Orozco (1883 – 1949), Diego Rivera (1886 – 1957) et David Alfaro Siqueiros (1896 – 1974) sont les artistes qui ont composé ce mouvement qui a eu lieu au Mexique entre 1920 et 1970. Conformément aux idéaux du Mexique Révolution (1910 -1917), les muralistes proposent des productions artistiques et culturelles aux aspirations nationalistes, exaltant l'identité métisse du Mexique et valorisant les travailleurs, les luttes sociales du peuple et la culture précolombienne. Afin d'atteindre la population, les créations de ces artistes ont été conçues dans des peintures murales d'échelle monumentale placées dans des espaces publics.
muséologie
Discipline sociale et appliquée qui se réfère aux musées et intègre leurs aspects théoriques, méthodologiques, pratiques et techniques. Il est dédié à l'étude de la relation entre les êtres humains et les objets, qu'ils soient naturels ou artificiels, qui recèlent des aspects importants pour la mémoire d'un groupe ou d'une société. Ainsi, la muséologie constitue un ensemble de connaissances scientifiques liées à la conservation, au classement et à la présentation des collections muséales.
Musée
Institution dédiée à la sélection, l'acquisition, la conservation, la recherche et l'exposition au public d'éléments matériels – objets naturels ou artificiels – et d'éléments immatériels – tels que souvenirs, coutumes, savoirs – se référant aux sociétés et à leurs environnements. Cette divulgation faite par le musée peut avoir des finalités éducatives, liées à l'enseignement et à la recherche, mais elle peut aussi avoir des finalités récréatives. Ainsi, une telle institution n'a pas de finalités lucratives et est au service de la société.
Musée Lasar Segall
Musée conçu par Jenny Klabin Segall (1899 – 1967), veuve de Lasar Segall (1889-1957). Il a été créé en 1967 par Mauricio Segall (1926- 2017) et Oscar Klabin Segall (1930 – 2002), fils de l'artiste. Aujourd'hui, il fait partie de l'Institut brésilien des musées - IBRAM. Le musée a pour mission de conserver, de rechercher et de diffuser l'œuvre de Lasar Segall. Avec une collection de 3.000 XNUMX œuvres de l'artiste, il constitue un centre actif d'activités culturelles dans les domaines de la gravure, de la photographie et de la création littéraire, en plus d'abriter une bibliothèque spécialisée dans le théâtre, l'opéra, la danse, le cinéma, la photographie, la radio et la télévision. et une vaste documentation sur la vie et l'œuvre de Lasar Segall.
N
néo-expressionnisme
Entre le milieu des années 1960 et la fin des années 1970, plusieurs artistes ont commencé à nier la fabrication artisanale des œuvres, notamment la peinture, cherchant à produire des œuvres dans lesquelles les idées et les concepts étaient plus importants que le processus de fabrication de l'œuvre - ce qui n'a pas été le cas. doivent nécessairement être exécutés par l'artiste. Ce mouvement était connu sous le nom d'art conceptuel. En Allemagne, les années XNUMX
L'année 1980 a été marquée par le soi-disant «retour à la peinture», basé sur les œuvres d'une génération d'artistes qui cherchaient à reprendre la tradition artistique allemande avec des influences du romantisme du XIXe siècle et de l'expressionnisme du début du XXe siècle, cherchant à représenter réalité de manière critique, émotionnelle et subjective et présentant des positions politiques face à des causes sociales, environnementales et économiques. Sa peinture défendait une expression qui reflétait différentes manières de concevoir l'art. En Italie, ces idées ont donné naissance à la Transvanguarda et à l'Arte Povera, connus pour l'utilisation de peintures mélangées à des matériaux tels que le sable, la paille et autres, adhérant à la toile.
Nouvelle Figuration ou Néofiguration
Un terme qui affirme l'existence d'un courant dans l'art brésilien des années 1960 caractérisé par le déni des abstractions, avec un intérêt pour le retour de la figuration et pour la critique sociale traitée avec humour et ironie. Sous l'influence du Pop Art et du Nouveau Réalisme, les artistes néofiguratifs ont utilisé dans leurs œuvres des références visuelles issues des médias de masse, des idoles du football et de l'esthétique publicitaire.
Nouvelle objectivité
Le terme a été inventé par Gustav Hartlaub (1884 - 1963) comme titre d'une exposition qu'il idéalisait. Il a eu lieu en 1925 dans la ville de Munich, en Allemagne. Les œuvres qui y sont présentées caractérisent les productions associées à la Nouvelle Objectivité : elles ont en commun le ton de la dénonciation et de la satire sociale et la critique de la société bourgeoise et de la guerre. Au Brésil, l'exposition inaugurale de Nova Objetividade Brasileira se tient au Musée d'art moderne de Rio de Janeiro, en 1967. L'exposition fait le point sur l'art brésilien d'avant-garde de l'époque.
Nouveau réalisme
Mouvement dirigé par le critique d'art français Pierre Restany (1930 – 2003) et apparu en 1960 en France et en Italie. Les nouveaux réalistes proposent une nouvelle expressivité pour une nouvelle réalité socioculturelle, caractérisée par l'hégémonie nord-américaine dans l'après-guerre, par la machine, par les cultures de masse et d'information, par la publicité, par les avancées technologiques qui modifient le quotidien avec
les nouveaux appareils et, politiquement, par la réalité de la guerre froide. Il s'agit de reconnecter la sphère de l'art au monde, en s'appuyant sur l'introduction d'éléments du réel dans les œuvres d'art. Le but est de capter la réalité perçue en elle-même, et non à travers le prisme de l'émotion. L'assemblage, l'utilisation de matériaux collectés dans la vie quotidienne et incorporés dans des œuvres, est le principal moyen d'expression du Nouveau Réalisme.
O
onirique
Concernant les rêves.
onomatopée
Imitation du son des choses, comme le bruit de la nature ou des machines, par le biais de phonèmes ou de mots, généralement utilisée pour donner une plus grande expressivité à un texte écrit ou parlé.
Ordre rosicrucien
Groupe mystique et philosophique qui vise à rechercher l'amélioration psychique, intellectuelle et spirituelle de ses membres et de l'humanité. Son nom fait référence au moine allemand Christian Rosenkreuz, qui aurait vécu au XIVe siècle et fondé le premier ordre en Europe, mais les Rose-Croix se revendiquent héritiers de traditions ésotériques qui remontent à l'Antiquité.
Orfisme
Le terme fait référence à Orphée, poète et joueur de lyre dans la mythologie grecque, qui symbolise la fusion possible de la musique avec d'autres arts. En peinture, c'est un courant qui émerge dans le contexte du cubisme – mouvement qui décompose les formes et la construction de l'espace, géométrise les figures – et dont le plus grand représentant est Robert Delaunay (1885-1941). Il met l'accent sur l'utilisation de la couleur et de la forme comme moyen de communiquer des émotions et de simuler le mouvement et le dynamisme du monde moderne.
Orisha
Divinité ou dieu appartenant à des religions telles que le Candomblé et l'Umbanda, dont l'origine remonte aux peuples Yoruba d'Afrique, qui ont été réduits en esclavage et amenés de force au Brésil à l'époque moderne. Chaque orixá est une force spirituelle responsable d'aspects spécifiques de la nature et des dimensions de la vie sociale humaine. Les orixás sont humanisés et chacun a sa propre personnalité.
Oswald de Andrade
(São Paulo, 1890 – São Paulo, 1954)
Écrivain brésilien, théoricien et organisateur du mouvement moderniste et de la Semaine d'art moderne de 1922, qui cherchait à valoriser la culture brésilienne, critiquant les aspects du passé colonial. Marié à Tarsila do Amaral (1886 – 1973) de 1926 à 1930. Ses textes Manifesto da Poesia Pau-Brasil (1924) et Manifesto Antropófilo (1928) synthétisent les idées poétiques du modernisme de São Paulo.
P
Héritage culturel
Ensemble de manifestations, réalisations et représentations d'un peuple ou d'une communauté. Il est présent dans divers lieux et activités : dans les rues, dans nos maisons, dans nos danses et musiques, dans les arts, dans les musées et les écoles, les églises et les places. Il s'agit aussi des manières de faire, de créer et de travailler. Elle fait partie de la vie quotidienne et fonde les identités qui déterminent les valeurs défendues par une société. L'État, à travers la législation et les institutions, choisit certaines manifestations, réalisations et représentations pour devenir patrimoine culturel et être officiellement préservées.
Porte-bonheur
Un type spécifique d'amulette qui, pour de nombreuses personnes, sert à conjurer le mal. Dans le candomblé, religion afro-brésilienne, les patuás sont utilisés comme objets consacrés et portent en eux l'axé (force sacrée) des entités qu'ils représentent.
Pedro Alexandrin
(Sao Paulo, Brésil, 1864 – Sao Paulo, Brésil, 1942)
Peintre, décorateur, dessinateur et professeur brésilien connu pour ses natures mortes, diplômé de l'Académie Impériale des Beaux-Arts de Rio de Janeiro. Il a également été l'élève de l'artiste José Ferraz de Almeida Junior et professeur de Tarsila do Amaral et Anita Malfatti, entre autres.
Pendule
Dispositif constitué d'un corps d'un certain volume attaché à une corde inextensible qui oscille autour d'un point fixe. Cet appareil effectue des mouvements alternatifs autour de la position centrale, dite position d'équilibre. Le pendule est largement utilisé dans les études de force, de poids et de mouvement oscillatoire en physique.
retraite artistique
Programme de bourses accordées par le gouvernement de l'État de São Paulo, de 1912 à 1931, à de jeunes artistes pour aller se perfectionner en Europe. Parmi les obligations des artistes récompensés figurait la donation d'œuvres développées pendant la période de bourse à la Pinacothèque de l'État de São Paulo.
Performance
Action artistique qui mêle des aspects des arts visuels, du théâtre, de la danse et de la musique, mais peut également impliquer d'autres éléments et dynamiques portés par l'artiste, y compris l'environnement où l'action se déroule. Il en résulte généralement une sorte de documentation (vidéo, film, livre, photo) destinée au circuit de l'art.
Personnification
Un individu ou une image d'une personne qui représente ou ressemble à quelque chose d'abstrait, comme une qualité ou une idée.
Perspective
Technique utilisée pour représenter des éléments tridimensionnels sur une surface plane, générant des illusions visuelles de profondeur, d'épaisseur et de volume. Il est constitué de principes mathématiques associés à la géométrie et à l'optique.
recherche artistique
Ensemble d'activités liées aux études, enquêtes, pratiques et systématisation de l'information, entre autres aspects, qui respectent des normes et des paramètres spécifiques et ont pour but la découverte de nouvelles connaissances, ainsi que la confirmation ou la contestation des connaissances anciennes, sur la zone de l'Art.
Pictorialisme
Le pictorialisme est apparu chez les photographes dans la seconde moitié du XIXe siècle en Europe. Elle consistait en la création d'images photographiques semblables à des peintures, des gravures et des dessins. À cette fin, les photographes ont souvent également modifié manuellement des photographies prêtes à l'emploi. Beaucoup de peintres de l'époque craignaient de perdre de la place pour cette photographie artistique naissante, et cherchaient à produire
ses œuvres à partir de moyens qui transposent les limites techniques photographiques. Au début du XXe siècle, avec la Première Guerre mondiale, le style pictorialiste commence à décliner.
Pinacothèque de l'État de São Paulo
C'est le plus ancien musée d'arts visuels de l'État de São Paulo et l'un des plus importants. Il occupe le bâtiment initialement construit pour abriter le Lycée des Arts et Métiers de São Paulo, dont le projet a été conçu par l'architecte Ramos de Azevedo. La Pinacothèque a été inaugurée le 14 novembre 1905. À la fin des années 1990, le bâtiment a été restauré en vue de sa conservation structurelle, ainsi que de l'adéquation
de ses installations, adaptées aux activités d'un musée des arts visuels modernes. Sa collection contient environ 11 XNUMX œuvres, principalement de l'art brésilien du XVIIe au XXIe siècle. Il intègre un ensemble d'institutions muséologiques liées au Secrétariat à la Culture et à l'Économie Créative de São Paulo.
Pinacothèque Estação
Inauguré en janvier 2004 comme nouvel espace pour la Pinacoteca do Estado, il est situé dans un bâtiment construit en 1914 pour abriter les bureaux et les entrepôts de l'Estrada de Ferro Sorocabana, avec une conception architecturale du Bureau technique de Ramos de Azevedo. En 1939, le bâtiment est devenu le siège du Département d'État de l'ordre politique et social (Deops). En 1983, après l'extinction de Deops, le bâtiment a été utilisé par le poste de police de la défense des consommateurs (Decon) jusqu'en 1997, date à laquelle il est passé au Secrétariat d'État à la Culture. Le bâtiment a subi une importante restauration de 1997 à 2002 par l'architecte Haron Cohen. Actuellement, en plus de présenter des expositions temporaires d'arts visuels, le bâtiment abrite le Mémorial de la Résistance de São Paulo, la Bibliothèque Walter Wey et le Centre de documentation et de mémoire du musée.
peinture matérielle
Il surgit après la Seconde Guerre mondiale. Il s'agit d'œuvres dans lesquelles les artistes ajoutent des pigments secs (tels que de la poussière de marbre, du sable, de la terre, entre autres substances) à une base liquide, formant des couches denses de peinture et des reliefs profonds.
peinture métaphysique
Style de peinture qui représente des scénarios mystérieux, créant des scènes qui semblent silencieuses et suggèrent un sentiment d'agitation à travers des éléments symboliques tels que le mannequin, à mi-chemin entre l'homme et le robot. Il y a une recherche d'intemporalité dans les œuvres, avec des architectures rationnelles et classiques. Giorgio De Chirico (1888 – 1978) et Giorgio Carrá (1881-1966), qui ont inventé le terme « peinture métaphysique » en 1917, sont deux de ses plus grands représentants.
Poétique
Le terme vient du mot grec poiesis et fait référence à la capacité et à la maîtrise de la connaissance pour faire quelque chose. Ainsi, la poétique peut, en principe, être associée à toute production humaine. Dans les arts, la poétique englobe des aspects qui individualisent les œuvres d'un artiste : les caractéristiques qui font référence à la marque personnelle de l'artiste dans ses productions, impliquant non seulement son style et sa maîtrise technique, mais aussi des discours et des valeurs subjectifs.
Pop art
Voir Pop Art.
Premier plan
Dans les représentations bidimensionnelles, comme dans les peintures et les dessins, un plan est appelé chaque couche d'éléments représentés, dont la taille diminue à mesure qu'ils semblent s'éloigner de l'observateur. Ces éléments provoquent ensemble la sensation de perspective, générant une illusion visuelle de profondeur dans l'image. Le premier plan est la couche qui semble être la plus proche du spectateur.
R
Prêt à l'emploi
Le mot prêt à l'emploi peut être traduit par quelque chose de "prêt à l'emploi", "préfabriqué". C'est le terme utilisé par l'artiste français Marcel Duchamp (1887 – 1968) pour désigner sa proposition artistique, qui présentait les objets industriels du quotidien comme des œuvres d'art. Avec cette attitude de s'approprier un objet préexistant et de lui donner un nouveau sens artistique, le travail de l'artiste en est venu à être considéré comme une action mentale au lieu de faire un objet d'art. Son premier ready-made (1912) est une roue de bicyclette montée sur un tabouret. En choisissant des objets utilitaires préfabriqués, généralement sans valeur esthétique, et en les transférant dans le contexte du circuit artistique, l'artiste propose des critiques du système de l'art et de ses règles de fonctionnement, qui définissent, par exemple, ce qu'il faut considérer comme une œuvre d'art. ou qui était un artiste. L'histoire d'un autre ready-made, appelé Fonte, illustre ces réflexions : Duchamp envoie anonymement un urinoir, avec la signature « R. Mutt », pour le Salon of Independent Artists de New York en 1917, soulevant des questions sur la condition de l'œuvre d'art, considérée à l'époque comme un objet unique et obligatoirement réalisée par les mains de quelqu'un qui était considéré comme un artiste.
Le réalisme
Dans un sens plus large, il fait référence à la représentation de la réalité, conçue dans les œuvres d'art à travers des techniques qui imitent la nature et le monde, conformément à ce que l'on croit que les yeux voient naturellement. Le réalisme est aussi le nom d'un mouvement artistique qui émerge en France au XIXe siècle, proposant de dépeindre l'homme et la société dans sa globalité, sans idéalisations ni sentimentalité. Ainsi, les thèmes abordés dans les œuvres des artistes ont été élargis au-delà de ceux liés à l'aristocratie et à l'apparence, incluant également les événements quotidiens et les couches les plus basses de la société, comme, par exemple, des représentations d'ouvriers, de paysans, de peintres ou encore de mendiants et de prostituées. .
Renaissance
Mouvement culturel qui a eu lieu en Italie entre le XIVe et le XVIe siècle, qui visait à récupérer les valeurs esthétiques et la pensée de l'Antiquité gréco-romaine. Dans les arts visuels, ses progrès sont marqués par la maîtrise croissante des études et des représentations anatomiques et par l'utilisation des techniques de perspective, qui créent l'illusion visuelle de profondeur. Il a connu son apogée au XNUMXème siècle, s'étendant à d'autres endroits en Europe occidentale.
représentation naturaliste
Représentation qui, cherchant à créer des images proches de celles de la réalité, a profondément marqué tout l'art occidental, de la Grèce antique à la fin du XIXe siècle. Il a cherché à représenter les figures et les formes de la nature à partir d'une observation très attentive et détaillée.
retour à la commande
Expression désignant les propositions artistiques développées en Europe dans l'entre-deux-guerres, où les artistes cherchaient à revenir à un « ordre » antérieur à l'avènement des expérimentations artistiques menées par les Avant-gardes artistiques (expressionnisme, fauvisme, cubisme, etc., qui avait introduit de nouvelles couleurs, formes et thèmes dans les œuvres) à travers une production aux caractéristiques figuratives et régionalistes, en plus de valoriser le travail artisanal de l'artiste, en préservant cependant certaines solutions formelles conquises dans le contexte de l'avant-garde .
Portrait
Une image qui représente une ou plusieurs personnes (il peut s'agir d'un portrait individuel ou de groupe), se concentrant généralement sur les visages, afin de mettre en évidence des aspects expressifs et particuliers de l'identité de l'individu ou des individus qui y sont présents.
rythme visuel
Le rythme visuel est établi par la répétition et l'alternance des différents types d'éléments visuels sélectionnés par l'artiste pour composer son œuvre, mettant en évidence des relations harmonieuses entre eux.
Robert Delaunay
(Paris, France, 1885 – Montpellier, France, 1941) Il fut l'un des précurseurs de la peinture abstraite. A participé au cubisme, un mouvement qui
revisite la construction spatiale des formes et de la perspective et utilise la géométrisation des figures. Delaunay était connu pour ses séries cubistes, dont la Tour Eiffel. Il était l'un des plus grands représentants de l'orphisme, un mouvement connu pour son utilisation de couleurs fortes et de formes géométriques.
Robert Ryman
(Tennessee, USA, 1930 – New York, USA, 2019) Peintre américain qui a vécu à New York et s'est fait connaître pour ses œuvres
abstrait peint en blanc sur blanc. L'artiste défend une forme de réalisme qui se manifeste dans son intérêt à mettre en valeur les matériaux utilisés dans ses compositions, sans chercher à créer des illusions de représentation.
S
exaltation de la samba
Genre de samba inauguré en 1939 avec la chanson Aquarela do Brasil, d'Ary Barroso (1903 – 1964). Il se caractérise par des compositions vantardes qui font l'éloge de la culture et de la nature brésiliennes de manière générique. Il coïncide avec le nationalisme de l'Estado Novo et l'image du pays qui cherchait à s'exporter à l'époque.
Semaine du 22 ou Semaine de l'Art Moderne
Événement tenu au Teatro Municipal de São Paulo du 11 au 18 février 1922, dont l'objectif principal était de présenter le renouveau et la transformation de la production artistique dans le contexte artistique et culturel urbain, couvrant la littérature, les arts visuels, l'architecture et la musique. En raison de sa grande répercussion nationale, il est considéré comme un point de repère du modernisme brésilien.
Sensibilité
Il est associé au sentiment et à la créativité, englobant le champ psychique des sentiments et des valeurs, ainsi que l'imagination.
Sergio Romagnol
(São Paulo, Brésil, 16 décembre 1957) Professeur et artiste brésilien, qui a étudié à la Fundação Armando Álvares
Coiffure et enseigné à la même fondation entre 1985 et 1986. Une partie de ses recherches porte sur un intérêt pour l'urbain et l'industriel matérialisé dans le plastique, matériau que l'artiste moule de ses mains pour façonner des voitures, des immeubles, des avions, des caméras, des caméras vidéo et poubelles.
Shakers
Le mouvement Shakers (créé aux États-Unis en 1774) a été une grande influence pour l'artiste brésilien Leonilson, qui, dans une interview avec Lisette Lagnado, a révélé qu'il avait été profondément ému lorsqu'il a visité une exposition du design de Shakers à New York. Pour les Shakers, l'esthétique est indissociable de l'éthique, si bien que tout ce qu'ils produisent est guidé par l'idée que « ce qui est pratique est beau ». La Communauté des Shakers date de la fin du XVIIIe siècle, ayant été fondée par l'Anglaise Ann Lee en territoire américain. Toute propriété était collective, basée sur une économie d'autosuffisance : tous les meubles, outils et moyens de production étaient fabriqués à la main dans la communauté pour son propre usage ou pour la vente à l'extérieur. Tout devait être simple et sans ajout d'ornements extérieurs, comme, par exemple, des décorations : tous les objets devaient correspondre à leur contexte et à leur destination, suivant les concepts de perfection, pureté, ordre, simplicité, durabilité, fonctionnalité et utilité. L'utilisation des couleurs a été codée : lits, gris ; oreillers, couleurs discrètes, imprimés partiels ou lettrage ; couvertures et couettes, bleu et blanc. En consacrant la valeur d'usage des objets, chaque pièce produite devait être parfaite : « l'utilité est la beauté », « la simplicité incarne la pureté et l'unité », « l'ordre doit régner et les formes inutiles doivent être bannies ».
Symboles
Figure qui représente un être, un objet ou une idée abstraite ; ce qui, par convention ou par principe d'analogie formelle ou autre, remplace ou suggère quelque chose.
La symétrie
Un axe de symétrie est une ligne qui divise une figure en deux, en deux parties complémentaires, de sorte qu'une moitié est égale à l'autre, c'est-à-dire qu'elle reflète l'autre comme s'il s'agissait d'un miroir.
Spécifique au site
Une expression anglaise qui signifie « pour un lieu spécifique » et fait référence aux manifestations courantes de l'art contemporain, dans lesquelles des œuvres sont créées pour un espace spécifique. Il s'agit d'un type d'intervention artistique conçu avec différents types de matériaux formant un certain environnement. Il s'agit d'œuvres planifiées, et généralement réalisées à l'invitation d'une institution culturelle, afin que leurs éléments dialoguent avec l'environnement et l'architecture dans lesquels ils seront insérés.
Recouvrir
L'acte de placer quelque chose - un objet ou une image - sur quelque chose d'autre.
société patriarcale
Société dans laquelle les hommes adultes détiennent le pouvoir principal et prédominent dans les rôles de leadership politique, d'autorité morale, de privilège social et de contrôle de la propriété, c'est-à-dire dans laquelle la suprématie masculine prévaut dans les relations sociales. Le terme «patriarcal» dérive de «patriarcat», qui, à son tour, provient du mot grec pater. Le terme a été utilisé pour la première fois avec la connotation de la prépondérance de l'homme dans l'organisation sociale par les Hébreux, dans le but de qualifier le chef d'une société juive. Mais le grec hellénistique mentionnait aussi déjà le terme, car les femmes étaient conçues comme des objets de satisfaction masculine et, par conséquent, jugées comme inférieures. Dans le domaine de la famille, le père (ou la figure paternelle) maintient l'autorité sur les femmes et les enfants. Historiquement, le patriarcat s'est manifesté dans l'organisation sociale, juridique, politique et économique de diverses cultures.
Société d'art pro-moderne - SPAM
Fondée par des intellectuels et des artistes tels que Tarsila do Amaral (1886 – 1973), Lasar Segall (1889 – 1957), Paulo Rossi Osir (1890 – 1959) et Paulo Mendes de Almeida (1905-1986), entre autres, elle a agi pour promouvoir et la promotion de l'art moderne à São Paulo entre 1932 et 1934. SPAM a mené diverses activités, telles que des expositions, des conférences et des concerts, ainsi que des bals de carnaval avec des panneaux et des costumes conçus et fabriqués par les artistes eux-mêmes.
Statu quo
Expression d'origine latine qui signifie "l'état des choses". Il est utilisé pour désigner des éléments sociaux et/ou culturels du passé conservés dans une société, un groupe ou une classe sociale donnée.
Support
Surface utilisée pour réaliser des travaux d'arts visuels. En peinture, par exemple, il peut être fait de bois, de toile, de tissu ou de papier, parmi plusieurs autres matériaux.
Surréalisme
Mouvement littéraire et artistique européen, initié en 1924 par l'écrivain français André Breton (1896-1966) sous l'influence des idées du psychanalyste Sigmund Freud (1856-1939). Il propose que les œuvres soient produites par l'expression spontanée et automatique de la pensée, échappant au contrôle de la raison. Il insiste sur le rôle du rêve, de l'inconscient, du désir et du hasard dans la création artistique. Il prêche le renouveau des valeurs morales, politiques, scientifiques et philosophiques. Par extension, le terme est également utilisé en relation avec des œuvres d'artistes qui n'ont pas participé à ce mouvement, mais manifestent des affinités avec ces principes.
T
Thème
Sujet traité dans une œuvre d'art; résultat de l'interprétation de l'artiste.
thème régionaliste
Adoption de thèmes qui caractérisent une certaine région.
tendance narrative
La tendance à exposer un événement ou une série d'événements, réels ou imaginaires, à travers des mots ou des images, en construisant une séquence compréhensible.
Théosophie
Ensemble de doctrines philosophiques et religieuses dont les principes reposent sur la recherche de la vérité manifeste dans la nature et dans l'homme. La Société Théosophique a été fondée en 1875 à New York par la Russe Helena Blavatsky (1831 – 1891).
Territoire
Terme généralement associé à une zone, une extension spatiale de la surface terrestre définie à partir des relations de pouvoir et de propriété. Les définitions du territoire ont été élargies avec les discussions contemporaines sur l'utilisation sociale des espaces. Considérant la complexité des relations des êtres humains avec l'environnement dans lequel ils vivent, le territoire en vient à être compris non seulement comme la délimitation d'un espace donné, mais comme un ensemble dynamique de relations entre les individus et entre ceux-ci et les acteurs politiques, économiques et culturels. variable. . Ainsi, l'élargissement du concept permet d'identifier non seulement les territoires officiellement reconnus comme pays, états, villes, districts et quartiers, mais aussi les territoires non officiellement reconnus, comme c'est le cas des relations communautaires développées dans les occupations irrégulières des villes brésiliennes.
Transcendantal
Ce qui va au-delà, qui s'élève au-dessus d'un certain niveau, qui va au-delà des limites de son insertion, qui va au-delà des limites de l'expérience concrète ou empirique
Transavant-garde italienne
Le terme apparaît en Italie en 1980, avec la publication du livre A Transvanguarda Italiana, d'Achille Bonito Oliva (1939). Il désigne principalement des artistes aux productions picturales et sculpturales qui, bien que variées, partagent certaines caractéristiques, telles que l'utilisation intense des couleurs, des coups de pinceau saisissants et la présence de la figuration, en mettant l'accent sur les éléments de la nature et la présence du corps humain. . Transvanguard rassemble les caractéristiques de diverses périodes et mouvements artistiques, y compris des tendances telles que le néo-expressionnisme, en raison des aspects violents et émotionnels présents dans les peintures.
Tropicalia
Nom de l'œuvre d'Hélio Oiticica (1937 – 1980) présentée dans l'exposition Nova Objetividade Brasileira, tenue au Musée d'Art Moderne de Rio de Janeiro en 1967. Cette œuvre appartient à une période de la production de l'artiste axée sur la recherche sensorielle autour de la sens du spectateur (toucher, vue, ouïe, odorat) et se compose d'un environnement labyrinthique composé de plusieurs éléments qui font référence à la problématisation des idées tropicales et de la culture brésilienne, notamment du sable, des plantes, des poèmes et d'autres œuvres de l'artiste. Le tropicalismo était un mouvement culturel et artistique qui s'est répandu à la fin des années 1960 dans la musique, avec des chanteurs et des compositeurs tels que Gilberto Gil (1942), Tom Zé (1937) et Caetano Veloso (1942) ; au théâtre, avec des dramaturges comme José Celso Martinez Corrêa (1937) ; au cinéma, avec des cinéastes comme Glauber Rocha (1939-1981) ; et aussi en poésie.
V
Vanguard (avant-gardes artistiques / avant-gardes européennes)
Littéralement, avant-garde (qui vient du français avant-garde, « garde avancée ») désigne le bataillon militaire qui se place à la tête des troupes en attaque lors d'une bataille. On en déduit que l'avant-garde est ce qui « est en avance ». Dans le domaine des arts, le terme « avant-gardes artistiques » désigne les mouvements et concepts artistiques et culturels qui proposent des changements radicaux par rapport aux préceptes artistiques classiques liés aux académies des beaux-arts et à leurs formes de représentation dans l'art. Les avant-gardes renvoient à de nouvelles conceptions du monde et à de nouveaux codes artistiques, par exemple les avant-gardes européennes du début du XXe siècle (cubisme, dadaïsme, expressionnisme, etc.) et les avant-gardes des années 1960 et 1970.
Volute
Forme en spirale dérivée d'éléments de la nature, tels que des coquillages, souvent utilisés comme ornement.