La Pinacoteca de São Paulo, museo del Segretario della Cultura e dell'Economia Creativa dello Stato di San Paolo, presenta, in dal 10 agosto al 28 ottobre 2019, la mostra collettiva Siamo tanti: esperimenti sulla collettività, che indaga la pratica artistica come esercizio collettivo. Curata da Amanda Arantes, Fernanda Pitta e Jochen Volz, la mostra presenta esperienze artistiche concepite come dialoghi, diretti o indiretti, con la produzione di Joseph Beuys e Hélio Oiticica, due degli artisti più importanti e attivi della seconda metà del Novecento vi partecipano altri sei artisti/collettivi nazionali e internazionali: Maurício Ianês, Mônica Nador e Jamac, Coletivo Legítima Defesa, Rirkrit Tiravanija, Tania Bruguera e Vivian Caccuri.
Joseph Beuys (Krefeld, Germania, 1921 – Düsseldorf, Germania, 1986) ha coniato il concetto di scultura sociale, con cui ha difeso la comprensione di ogni attività umana come pratica artistica capace di strutturare e trasformare il proprio ambiente. Lo scultore sociale è, quindi, colui che, utilizzando il linguaggio, i pensieri, le azioni e gli oggetti, crea nuove strutture nella società. Per lui la società è la materia prima del suo lavoro, così come lo sarebbero per lo scultore la pietra, il legno o l'argilla. Immergendosi in questo tema, la mostra articola un gruppo di artisti la cui ricerca è stata diretta alla creazione di spazi favorevoli all'immaginazione di nuove forme di socialità e modi di vivere, come formulato da Beuys.
Come asse centrale della mostra, la curatela presenta una serie di opere di Beuys - tra cui video, disegni e collage - con enfasi sull'installazione Honigpumpe am Arbeitsplatz [Honey bomb in the workplace], 1974-1977, dal Louisiana Museum of Modern Art, Danimarca, e che è stato presentato a documenta 6, a Kassel, Germania, nel 1977. Durante quella mostra, l'artista ha installato dei tubi attorno alle scale e corridoi del Fridericianum (edificio principale della manifestazione), attraverso il quale scorrevano 150 chili di miele con l'ausilio di una pompa motorizzata. Caratterizzata dal miele come simbolo del prodotto del lavoro collettivo e dal suo stato di circolazione come riferimento al flusso dell'organismo umano e della società, l'opera fungeva da luogo di incontro per le attività della Free International University, una scuola alternativa di cooperazione, fondata dall'artista nel 1973 L'opera è considerata, oggi, una delle più importanti dell'artista tedesco, avendo anticipato discussioni su creatività, economia e democrazia.
Nella mostra è presente anche la comprensione dell'arte come pratica collettiva che dissolve l'autorialità individuale. “La massima 'ognuno è artista', forse una delle più note di Beuys, rende esplicita la rinuncia all'unicità dell'opera d'arte corrispondente alla nozione restrittiva di autorialità, ma rivendica anche la consapevolezza che la collettività è in grado di raccogliere e valorizzare la volontà e la capacità creativa di individui diversi”, spiega la curatrice Amanda Arantes. Elio Oiticica (Rio de Janeiro, 1937-1980) è stato uno dei principali artisti che ha sperimentato questa nozione, rendendo il pubblico partecipe e non più spettatore.
Il lavoro Appropriazione (tavolo da biliardo, secondo "Caffè notturno di Van Gogh"), del 1966, di sua paternità ed esposto per la prima volta nella mostra collettiva opinione 66, al MAM-Rio, è ora in mostra, dopo quindici anni dalla sua presentazione a San Paolo. Attraverso di essa l'artista introduce l'idea dell'arte come gioco: “Tutti, me compreso, scoprono il gioco, cioè l'elemento 'piacere' del gioco. Questo è davvero importante: il lavoro è piacere, e come tale non può che essere gratuito (puoi giocare quando vuoi, o se conosci le regole del gioco, ecc.). La partecipazione non è 'nella vita reale', come sono solito pensare, ma una libera partecipazione al piacere che qui si realizza con la proposta di un gioco, forse il più interessante e il più classico che esista (dei giochi da 'salone') ”, ha dichiarato una volta a proposito dell'opera in questione.
Per il curatore Jochen Volz, “tracciando il potenziale delle strategie di Beuys e Oiticica e l'eredità del loro lavoro per l'arte contemporanea, è possibile percepire come il loro linguaggio, il loro campo d'azione, va oltre gli spazi artistici convenzionali, come gallerie e musei ., le sue specifiche teorie e strumenti artistici divennero importanti per le successive generazioni di professionisti dell'arte. Questa mostra riunisce una costellazione unica, ma una tra le tante possibili costellazioni di artisti che si relazionano consapevolmente ed espandono le idee di collettività, creazione artistica e ruolo dell'artista come agente di cambiamento”.
La dissoluzione della paternità individuale permea anche la pratica di Monica Nadoro (Ribeirão Preto, SP, 1955) che, dal 2004, gestisce il jamac – Jardim Miriam Arte Clube, un progetto dedicato allo sviluppo di soluzioni creative ai problemi culturali, con l'aiuto dei residenti della zona sud di San Paolo. In particolare per la mostra, l'artista ha aderito al Progetto Educativo Extramuros, sviluppato da NAE – Núcleo de Ação Educativa da Pinacoteca, attraverso il quale i suoi partecipanti hanno potuto creare composizioni, basate sulle proprie storie, che hanno dato vita a murales collettivi, striscioni e altri mostre.
Maurizio Ianese (Santos, SP, 1973), il cui lavoro performativo è uno dei più rilevanti oggi in Brasile, presenta Agora, che propone la costruzione collettiva di uno spazio di dialogo e riflessione. L'artista trascorre le sue giornate nello spazio espositivo accogliendo i visitatori per un caffè, una conversazione, la realizzazione di un disegno, ecc. Usando il proprio corpo e la propria individualità come materia prima, Ianês inverte così l'equazione di Beuys e offre al pubblico l'opportunità di plasmare insieme nuove strutture di scambio e relazione.
Già Viviana Caccuri (São Paulo, SP, 1986) usa il suono come punto di partenza per esplorare percezioni e temi di natura storica, culturale e sociale. Attraverso oggetti, installazioni e performance, il suo lavoro fa spazio all'annullamento di significati, narrazioni e convenzioni apparentemente fisse come la nostra stessa struttura cognitiva. Per questa mostra, l'artista è partito dallo strumento musicale e dalla forma triangolare per creare un'installazione sonora senza precedenti. inno al triangolo, presentato come una sorta di memoriale, costituito da elementi – parte dei quali appartenenti alla Pinacoteca – legati alla musica, alla spiritualità e, soprattutto, agli aspetti rituali e collettivi dell'arte, che saranno attivati da performance musicali lungo tutto il percorso espositivo.
Un palcoscenico aperto, basato sulla struttura a spirale Raumbühne [spazio scenico], termine definito dall'architetto e teorico Friedrich Kiesler, è quanto propone l'artista thailandese Rirkrit Tiravanja (Buenos Aires, Argentina, 1961). Nota per opere che richiedono situazioni di scambio sociale in spazi comuni, Tiravanija si appropria ora di questa fondazione pensata per un'esperienza teatrale performativa, che è disponibile per la fruizione gratuita da parte dei visitatori. Lì possono esprimersi, portando le loro abilità, talenti e desideri, sia sotto forma di workshop e presentazioni di danza e teatro, sia recital di poesie e lezioni di yoga. Il lavoro riceve anche le performance coinvolgenti del gruppo Collettivo Legittima difesa, realizzato in collaborazione con il curatore brasiliano Thiago de Paula.
Beuys intendeva anche la produzione artistica come una pratica educativa, avendo affermato una volta che la sua "più grande opera d'arte era essere un insegnante". “Oltre ad alludere all'aspetto performativo insito in ogni attività didattica, con questa affermazione l'artista sottolinea la nozione dell'artista come agente che propone l'espansione e l'arricchimento della sfera sociale”, commenta la curatrice Fernanda Pitta. Relativamente a questo aspetto pedagogico della sua eredità, Tania bruguera (L'Avana, Cuba, 1968) indaga a fondo lo scopo e le conseguenze dell'arte e sviluppa una pratica diversa, che definisce, nella sua stessa terminologia, 'arte della condotta' o 'arte del comportamento' e 'arte utile'.
Propone, quindi, il Scuola d'arte utile, che consiste in una serie di lezioni tenute all'interno dello spazio espositivo fino alla fine della mostra, incentrate sulla discussione di questo concetto e delle pratiche ad esso correlate. Le classi sono coordinate dall'artista Fábio Tremonte e vedono la partecipazione di artisti, professori e specialisti, oltre a collaborazioni con le università locali. Il progetto mira a discutere il potenziale dell'arte per cambiare le prospettive e per sfruttare lo sviluppo e il cambiamento sociale, politico e culturale.
Siamo tanti: esperimenti sulla collettività, quindi, propone al pubblico di conoscere o rivisitare molteplici esperimenti sulla collettività oltre i limiti fisici del museo. Nell'anno in cui l'istituzione prepara il suo ampliamento per il nuovo edificio della Pinacoteca Contemporânea, la mostra collettiva incarna l'intenzione della Pinacoteca di pensare alla propria iscrizione e al ruolo di agente trasformante del quartiere e della città.
CATALOGO
Siamo tanti: esperimenti sulla collettività è corredato da un catalogo illustrato con immagini storiche e rappresentative delle opere, un'introduzione del direttore generale della Pinacoteca e co-curatore della mostra, Jochen Volz, e un testo della curatrice Amanda Arantes. Comprende anche saggi firmati dai ricercatori Fred Coelho e Marcelo Campos, estratti dal testo di Arnd Wedemeyer, scritto in occasione di documenta 6, e biografie degli artisti. Presenta anche testi firmati da alcuni degli artisti partecipanti: Hélio Oiticica, Joseph Beuys e Tania Bruguera, gli ultimi due pubblicati per la prima volta in portoghese. portoghese e inglese.
ARTISTI PARTECIPANTI
Elio Oiticica
Joseph Beuys
Collettivo di legittima difesa
Maurizio Ianese
Monica Nador e Jamac
Rirkrit Tiravanja
Tania bruguera
Viviana Caccuri
SERVIZIOprezzo
Siamo tanti: esperimenti sulla collettività
A cura di Amanda Arantes, Fernanda Pitta e Jochen Volz
VisitaQuio: dal 10 agosto al 28 ottobre 2019
Dal mercoledì al lunedì, dalle 10:17 alle 30:18 – soggiorno fino alle XNUMX:XNUMX
Galleria d'arte di San Paolo
Edificio Pina Luz – Praça da Luz 2, San Paolo, SP – Pina Luz
Biglietti: R$ 10,00 (ingresso); R$ 5,00 (metà prezzo per studenti con documento d'identità)
Sono esenti dal pagamento i bambini sotto i 10 anni e sopra i 60 anni.
Il sabato, l'ingresso al Pinna è gratuito per tutti.