용어 사전
A
추상화 / 추상화
시각 예술에서는 자연과 세계의 모방으로서의 예술 개념에서 벗어나 구체적이고 객관적인 현실의 인식 가능한 측면을 표현하려고 하지 않는 비구상적 예술 작품을 말합니다. 작품은 시각적 요소(볼륨, 색상, 선 등) 간의 서로 다른 조음 전략을 통해 생성됩니다. 추상주의는 XNUMX세기 초에 등장하여 다양한 움직임과 경향을 낳았습니다. 비공식적 추상주의와 같은 일부는 예술가의 개인적인 표현, 감정 및 감정과 더 연결되어 있으며 더 자유로운 방식으로 사용됩니다. 작가는 자연의 윤곽에 존재하는 더 둥글거나 구불구불한 모양을 사용할 수 있기 때문에 이 측면은 유기적 추상화라고도 할 수 있습니다. 기하학적 추상주의와 같은 다른 움직임은 더 합리주의적인 내용을 가지고 있으며 선, 평면, 점 등과 같은 기하학의 측면을 사용하여 표현됩니다.
학원
일반적으로 1816세기 이후 유럽에서 설립된 예술 학교를 지칭하며, 주로 고전적인 그레코로만 예술에서 파생된 신고전주의 원칙에 따라 예술 양식을 기반으로 한 예술 교육을 공식적으로 제안했습니다. 브라질에서는 French Artistic Mission(1826)의 도착과 함께 학문적 예술 작품이 확산되었지만 XNUMX년 리우데자네이루에 설립된 Imperial Academy of Fine Arts의 교육으로 효과적으로 자리를 잡았습니다.
제국 미술 아카데미(AIBA)
그것은 1826년 리우데자네이루에서 만들어졌으며, 유럽 아카데미의 라인을 따라 공식적인 예술 교육을 공식화했습니다. 그것은 1816년에 프랑스 예술 선교부와 함께 도착하여 브라질에서 포르투갈 국가를 구조화하는 프로젝트에서 Dom João VI가 설립한 멸종된 Royal School of Sciences, Arts and Crafts를 구성한 일부 예술가 교사들이 있었습니다. 두 번째 통치 기간 동안 AIBA는 여러 유형의 과정을 구성했습니다. 1840년에서 1884년 사이에 학술 환경 외부의 예술가들이 참여할 수 있는 일반 미술 전시회가 열렸습니다. 또한 학생들이 유럽 아카데미의 거장들과 접촉할 수 있도록 해외 여행 상을 제정했습니다. AIBA는 제국이 멸망한 1889년에 이름이 변경될 때까지 지속되었습니다. 현재 리우데자네이루 연방대학교의 한 단위로 구성되어 있으며 School of Fine Arts라고 불립니다.
아카데미 줄리안
1839년 프랑스 화가 로돌프 줄리안(1907-1867)이 파리에 설립한 유명한 미술 학교. 피에르 보나르, 모리스 드니, 앙리 마티스, 앙드레 드랭, 페르낭 레제, 마르셀 뒤샹 등의 화가들이 다녔습니다. 전통적인 프랑스 아카데미인 Académie des Beaux-Arts(School of Fine Arts)에서 일종의 입학 시험을 준비하는 역할을 했으며, XNUMX세기 말부터 아마추어 예술가, 여성, 외국인을 학생들로 받아들였습니다. . Rodolfo Amoedo, Benedito Calixto, João Batista da Costa, Emmanuel Zamor, Henrique Bernardelli, Belmiro de Almeida, Eduardo de Sá, Eliseu Visconti, 그리고 XNUMX세기 초 Julieta de França와 같은 몇몇 브라질 예술가들이 이곳을 통과했습니다. , Theodoro Braga , Nicolina Vaz de Assis, Fédora do Rego Monteiro, Lucílio de Albuquerque 및 그의 아내 Georgina de Albuquerque, Ismael Nery, Tarsila do Amaral 및 Vicente do Rego Monteiro 등이 있습니다.
수집
컬렉션이라고도 할 수 있습니다. 자연적이든 인공적이든(책, 문서, 예술 작품, 증언, 역사적 조각, 식물 조각 등) 일상적인 기능에서 일시적 또는 영구적으로 제거되어 특별한 관리와 특별한 보호를 받는 일련의 물건을 말합니다. . 따라서 소장품이나 소장품을 구성하는 요소는 일반적으로 대중에게 전시할 수 있는 개인 또는 기관에 의해 선택, 분류, 구성 및 보존됩니다.
아프리카 계 미국인
아프리카 출신.
비정상적인 군집
브라질 지리 통계 연구소(IBGE)에서 부동산 소유권이 없고 불법적인 상황에 있는 51개 이상의 주택으로 구성된 그룹을 분류하기 위해 사용하는 표현입니다. 부지의 규모와 형태, 필수 공공 서비스(기본 위생, 전기 및 공공 조명)에 대한 접근성 부족. 이러한 유형의 비정규 주택의 예로는 빈민가, 빌라, 동굴, 저지대, 침략, 판잣집, 수상 가옥 등이 있습니다.
AI-5 (기관법 제5호)
13년 12월 1968일부터 31년 12월 1978일까지 브라질에서 시행되고 군사 독재의 소위 "강경 노선"을 강화하여 통치자가 자세가 반대되는 것으로 간주되는 사람들을 임의로 추적하고 처벌할 수 있는 예외적인 권한을 부여한 법령 군사 정권에. 예를 들어, 정권이 국회 폐쇄와 의회 권한 무효화를 선언하고, 주에서 연방 정부의 개입을 허용하고, 정치적 성격의 회의를 금지하고, 정당한 이유 없이 시민의 정치적 권리를 정지시킨 것은 AI5를 통해서였습니다. 다른 조치들 중에서도 다양한 형태의 예술적 표현에 대한 사전 검열을 도입했습니다.
알버트 글 리제
(1881년 프랑스 파리 – 1953년 프랑스 아비뇽)
프랑스의 화가이자 작가. 그는 처음에 아버지의 디자인 스튜디오에서 일했습니다. 사이
1901년과 1905년, 군 복무 중에 그는 정기적으로 사회 주제를 그리기 시작했습니다. 그는 Salon des Artistes Independants 및 Salon d'Autumn과 같은 당시 프랑스 전시회에서 자신의 작품을 전시했습니다. 1912년에 그는 자신의 구성의 공간성에 대한 연구와 원뿔, 구, 원기둥과 같은 기하학적 모양을 통해 자연을 표현한 것으로 알려진 중요한 입체파 예술가인 파블로 피카소를 만났습니다. 같은 해 Gleizes는 Jean Metzinger와 공동으로 큐비스트 운동의 이론적 토대에 중요한 작품인 Du Cubisme이라는 책을 출판했습니다. 그의 작품은 1915년 다시 군복무를 할 때까지 입체파적 측면을 가졌다. 그의 작품은 추상적이되었습니다. 1918년부터 신비적이고 종교적인 주제가 예술가의 예술적, 문학적 제안을 이어받았습니다.
알베르토 다 베이가 기냐르
(1896년 브라질 리우데자네이루 – 1962년 브라질 벨루오리존치) 화가, 소묘화가, 조각가, 삽화가, 교사. 1910년대 말부터 다음 1930년 사이에 그는 유럽에서 공부하는 기간을 보냈습니다. 1944년대에 브라질로 돌아와서 그는 리우데자네이루에서 일했습니다. 그는 XNUMX년 당시 Belo Horizonte 시장인 Juscelino Kubitschek의 초대를 받아 나중에 그의 이름을 따서 오늘날 주 정부에 속하게 될 미술 학교를 만들었습니다. Guignard는 초상화, 정물화, 종교적 모티프, 풍경화 및 꽃 테마를 포함하여 반복되는 장식적 특성과 환상적인 질서의 측면을 포함하는 광범위한 작품의 창작자입니다. 예술가는 또한 Minas Gerais의 역사적인 도시, 특히 Ouro Preto에서 큰 영감을 받았습니다.
우화
문학과 시각 예술에서 자주 사용됩니다. 아이디어, 생각 또는 자질을 그림의 형태로 표현한 것을 말합니다. 이러한 수치는 일반적으로 그림이나 조각품이며 추상적인 아이디어와 개념을 번역하는 속성이나 특성으로 식별할 수 있는 인간화된 캐릭터를 나타냅니다. 알레고리의 예는 저울과 칼을 들고 눈을 가리고 있는 여성의 이미지로 의인화된 정의의 예입니다. 정의의 기대되는 특성, 즉 균형, 가중치, 공평성 및 올바른 실행을 상징합니다. 결정의 깃털.
모호
하나 이상의 의미를 가질 수 있는 것, 모순되는 것을 포함하여 여러 가지 해석을 허용하는 부정확한 것의 품질.
앙드레 로테
(1885년 프랑스 보르도 – 1962년 프랑스 파리)
그는 조각가로 예술 경력을 시작했으며
그가 그림을 그리기 시작한 보르도. 1905년에 그는 회화에만 전념하기 시작했고 당시 등장한 예술 운동인 큐비즘에 접근하여 예를 들어 유럽 이외의 문화에서 생산된 형태와 오브제를 사용하여 시각적 표현의 새로운 방법을 모색했습니다. Lhote는 예술 연구에 사용했던 다른 작품들 중에서 아프리카 마스크를 구입했습니다.
그는 또한 교사로서 매우 영향력이 있었고 1925년에 André Lhote Academy를 설립하여 그곳에서 생을 마감할 때까지 일했습니다. 그는 카탈로그에 실린 예술에 관한 여러 책과 글의 저자였습니다.
앤디 워홀
(미국 펜실베니아, 1928 – 뉴욕, 미국 – 1987)
그는 1950년대 말과 1960년대 초에 영국과 미국에서 등장한 팝 아트에서 가장 잘 알려진 이름 중 하나이며 TV와 같은 대중 문화의 이미지와 참조를 사용하는 것이 특징입니다. 그리고 광고. Andy Warhol은 아마도 팝 아트의 한계를 가장 많이 탐구한 예술가일 것입니다. 그의 예술적 생산은 모든 것이 스펙터클이 되는 엔터테인먼트 문화에 대한 비판과 매혹의 혼합을 제안합니다. 워홀은 세리그래피와 같이 원래 상업적인 이미지 재생산 수단을 사용하여 자신의 작품을 대량 소비를 위한 제품으로 탈바꿈시켰습니다. 이러한 아이디어는 Fábrica라고 불리는 그의 스튜디오로 확장되었으며 산업 기계를 언급하는 미래 지향적인 스타일로 은색으로 칠해졌습니다. 그는 마릴린 먼로와 같은 유명인의 이미지와 캠벨 수프와 같은 일상용품을 반복적으로 사용하여 소비의 표준화와 사람들의 취향에 의문을 제기했습니다. 그 자신의 공인도 매우 특이한 방식으로 구성되었고 그의 작품에서 탐구되었다. 작가는 심지어 TV 쇼를 가졌습니다.
아니타 말파티
(1896년 브라질 상파울루 – 1964년 브라질 상파울루)
1917년 상파울루에서 개인전을 가진 브라질 화가로 유럽과 미국에서 공부하는 동안 제작한 작품을 전시했습니다. 이 작품들은 현대미술의 원리를 따라 그간 수행되어 온 학문적 구상회화의 규율을 깨고 밝은 색채, 다양한 공간구성, 다양한 형상의 표현 등을 통해 새로운 표현방식을 모색하였다. 이 전시회는 논란을 불러일으키고 예술의 근대성에 대한 논쟁을 시작하여 1922년 현대 미술 주간의 토대를 마련했습니다.아니타는 Pensionato Artístico do Estado de São Paulo에서 장학금을 받고 1923년부터 1928년까지 파리에서 공부했습니다. 사실적 조형적 표현의 고전적 기준으로 회귀하여 학문적 경향을 지닌 작품을 생산하는 것.
반예술
오브제/상품의 생산자로서의 예술의 정의와 기능 또는 어떤 미의식을 깨뜨리거나 확장하려는 이상. 그것은 1913년 유럽의 다다이스트 운동 내에서 등장했으며 1960년대 소비자 사회, 부르주아 유물론적 가치, 예술의 제도적이고 공식적인 시스템에 반대하는 연설에서 재개되었습니다.
앤티로지
단일하고 절대적인 진리에 대한 생각을 깨고 모순적이지만 동등한 가치를 지니므로 새로운 진리의 형성에 기여하는 반대되는 생각, 판단 및 주장의 대결을 선호하는 것.
안토니오 데 올리베이라 살라자르
(포르투갈, 1889 – 포르투갈, 1970)
코임브라 대학교의 정교수이자 포르투갈의 정치가. 그는 1926년과 1928년에서 1932년 사이에 재무장관직을 맡았습니다. 그는 민족주의적이고 독재적인 정치 체제인 포르투갈의 에스타도 노보(Estado Novo)를 설립했습니다. 억제. 살라자르주의라고도 알려진 이 정권은 41년부터 1933년까지 1974년 동안 지속되었고, 카네이션 혁명이나 XNUMX월 혁명으로 전복되어 민주적 정치 체제를 정착시키는 과정을 시작했습니다.
인지학
Oswald de Andrade(1890-1954)가 1928년 Revista de Antropofagia에 "Manifesto Antropófilo"를 출판하면서 시작한 브라질의 예술 및 문학 운동. Tarsila do Amaral(1928 – 1886)의 Abaporu(1973)라는 제목의 그림에서 생각한 것으로 Tupi-Guarani에서 "사람을 먹는 사람"을 의미합니다. 이 운동은 고대 아메리카 원주민 문화의 사람들이 수행하는 인육 소비 의식 행위를 명명하는 데 사용되는 용어인 Anthropophagy의 개념을 브라질 문화의 형성 과정을 표현하는 것으로 재정립할 것을 제안했습니다. 진정으로 국가적인 것을 생산하기 위해 수입 예술 형식과 경향의 "섭취"라는 아이디어와 관련된 원주민 문화적 측면.
인지학
그리스어 기원의 용어는 "인간에 대한 지식"을 의미합니다. 오스트리아 사상가 루돌프 슈타이너(1861-1925)가 1912년 창시한 철학적 정신적 흐름을 말한다. 기존의 과학적 방법을 확장한 자연, 인간, 우주에 대한 지식의 방법으로 구성되어 있으며, 과학. 그것은 의학, 교육(Waldorf Schools 포함) 및 농업과 같은 여러 영역에서 결과를 가져왔습니다.
인가
이 용어는 일반적으로 예술 작품이 아닌 대상이나 이미지 또는 기타 예술 작품을 예술 작품에 통합하는 것을 지정하는 데 사용됩니다. 현대미술에서 흔히 사용되는 자원으로 작품을 구성하기 위해 사물, 이미지, 개념, 텍스트, 아이디어 등을 소유하는 행위를 말한다. 이러한 행위는 예술과 일상 생활 사이의 근사치와 연결되어 있으며 종종 저자, 독창성 및 소유권과 같은 예술 작품과 관련된 문제에 영향을 미칠 수 있습니다.
아트 데코
art décoratifs의 약자. 주로 1920년대 이후부터 조형 예술, 디자인, 가구, 장식 및 건축에 퍼진 장식 스타일을 말합니다. 식물상, 동물상, 암컷 형태의 모티프가 일반적이며 공식적인 아프리카, 아즈텍, 중국 및 이집트 요소도 있습니다.
아르누보
유럽과 미국에서 1890년에서 1910년 사이에 출현하여 세계의 다른 지역으로 퍼진 스타일. 자연과 꽃과 동물의 구불구불하고 비대칭적인 선에서 영감을 받아 아라베스크와 곡선에 선의 존재감이 강해 주로 건축, 장식, 디자인, 그래픽 아트, 가구 등 응용 예술 분야로 퍼졌습니다. 아름다움은 예술과 산업 시리즈 생산 사이의 긴밀한 연결로 인해 모든 사람이 도달할 수 있는 것으로 인식되었습니다. 철, 유리 및 시멘트와 같은 현대 재료가 널리 사용되었습니다.
학술 예술
Academies of Fine Arts에서 정한 공식 규칙에 따라 수행되는 예술 작품을 말합니다. 1816세기 이후 유럽에서는 미술 학교가 설립되어 고전 미술에서 파생된 원칙에 따라 예술적 스타일과 교수법을 제안했습니다. 예를 들어, 이러한 원칙은 장면을 구성하는 요소와 표현된 인물 사이의 균형과 시각적 조화를 제공하는 특정 측정 및 비율의 색상 및 스케일 사용을 참조했습니다. 가장 반복되는 주제는 신화적이고 역사적이었습니다. 학술 예술은 프랑스에서 다른 지역으로 확산되어 지역 예술 생산의 기준을 규정했습니다. 브라질에서는 1826년 프랑스 예술 사절단의 도착으로 학문적 예술 교육을 제도화하는 과정이 시작되었으며, XNUMX년 리우데자네이루에 제국 미술 아카데미가 역사적인 랜드마크로 설립되었습니다.
개념 미술
1960년대에 등장한 예술적 제안으로, 예술 작품과 관련된 아이디어와 개념에 더 큰 중요성을 부여하고 그 물질성이나 실행 과정의 관련성을 감소시킵니다. 물리적인 예술적 대상은 그 가치를 잃고, 중요한 것은 작가의 제안 뒤에 있는 아이디어입니다. 따라서 작품의 프로젝트가 작가의 손에 의해 실행될 필요는 없습니다. 작가는 기술력이 있는 사람에게 작업을 위임할 수 있습니다. 이 용어는 1961년 헨리 플린트(Henry Flynt)의 텍스트에서 처음 사용되었는데, 작가는 개념도 예술 재료로 간주될 수 있다고 주장합니다.
콘크리트 예술
1930년 파리에서 같은 이름의 잡지(Art Concret)의 창간호에서 처음 사용된 용어. 원칙적으로 구체적인 예술은 주관적, 상징적 또는 자연의 표현과 거리를 둡니다. 그림은 평면과 색상과 같은 플라스틱 요소를 통해서만 구성되며, 이는 정확히 무엇을 의미하며 해석이 필요하지 않습니다.
건설적인 예술
구성주의 또는 구성 예술을 참조하십시오.
현대 미술
XNUMX세기 후반부터 현재까지 반복되는 예술적 생산물을 말하며 예술, 예술가, 예술적 회로의 의미와 정의에 대해 질문하고, 그 영역을 통합하는 다른 개념들 중 하나입니다. 관련된 성찰과 과정
예술의 생산은 종종 물질적인 예술 작품을 만드는 데 집중하지 않고 대신 창작 과정 뒤에 있는 개념과 아이디어에 관심을 갖는 예술가들에게 관심의 초점이 됩니다. 비물질적이고 만질 수 없더라도 작업 자체. 따라서 그때까지만 해도 조형 예술 작품을 회화, 조각, 소묘, 판화, 건축의 범주로 연결하는 것이 문제가 되었습니다. 이러한 언어는 예술가들에 의해 계속 사용되지만 다양한 재료와 주제를 실험하고 심지어 예술 분야를 넘어 정치, 인류학 등 삶과 지식의 다른 영역으로 확장되는 새로운 형태의 예술적 표현과 혼합될 수 있습니다. , 생물학, 경제학 등 이런 식으로 예술가들은 소리, 문자, 신체 움직임, 나무, 돌, 안료, 종이, 유리, 카메라, 컴퓨터 또는 캠코더와 같은 기계, 예술가의 생각을 구체화하는 모든 사회적 공간(박물관, 광장, 학교)의 일상 생활에 예술가와 개입.
현대 미술
학문적 예술과 관련된 현실 표현의 개념에 대한 질문에서 발생합니다. XNUMX세기 후반에 이러한 질문은 자율적인 예술 언어의 구성(고전적 주제와의 단절 제안, 환상주의적 공간 표현 극복 등)에 대한 생각을 자극하여 현대 미술과 관련된 다양한 운동을 일으켰습니다. 모더니스트 작품의 몇 가지 특징 중에는 개인의 인상과 순간적인 시각적 감각에 기초한 자연의 표현(특히 야외 회화의 확산으로 인해), 작품 주제의 확장이 있습니다. 보헤미아(밤문화)의 신화적 측면, 도시 생활, 낮은 부르주아지와 산업화의 일상적 장면, 그리고 무엇보다도 신기술의 사용.
신고전주의 예술
프랑스 혁명 이후의 역사적 시기인 XNUMX세기 후반부터 XNUMX세기 중반까지 서양을 지배한 미술 양식. 그것은 그리스-로마 고전 고대의 문화적 참조를 재개하고 조각, 그림 및 건축 구성의 정교화에서 합리적인 가치와 기술에 관심이 있습니다. 신고전주의 회화와 조각은 신체의 자연주의적 표현, 즉 미적 매력이 강한 자연의 모방을 통해 신화적이고 일상적인 주제의 사용을 구출합니다. 작품은 도형과 도형의 균형을 보여주며 질서정연하게 표현되고 훌륭한 대칭성을 드러낸다. 이 건축물은 또한 그리스 기둥과 로마 아치가 매우 일반적으로 사용되어 고전 건축물의 조화를 강조합니다.
팝 아트
1950년대 후반과 XNUMX년대 초반에 영국과 미국에서 등장한 예술 운동으로, TV와 광고와 같은 대중문화 이미지와 미디어를 사용하는 것이 특징입니다. 작가들은 만화, 산업화된 제품의 포장 등 매스컬처와 일상 속 상상의 현재에서 가져온 기호와 상징을 통해 대중과 직접적으로 소통하는 대중(팝)아트를 추구합니다. 팝아트는 XNUMX세기를 괴롭힌 예술의 위기를 인정하고 자본주의 대중문화를 포함한 대량소비를 작품으로 보여주고자 했다.
메일 아트
1960년대에 집단적, 협력적, 국제적 예술 경향이 확산되면서 예술가들은 서신 시스템을 사용하여 창작물을 교환하고 유통했으며, 공식 예술 회로 밖에서 활동하고 작품에 대한 검열 가능성을 피했습니다. . 우표 자체 – 우표, 엽서, 봉투, 우표 등 – 이 작품에 통합되거나 전복되었으며, 때로는 드로잉, 판화, 콜라주, 스탬핑 및 종이에 제로그래피와 같은 다양한 예술적 기법을 결합했습니다. 후자는 제록스를 통해 이미지와 텍스트를 쉽게 재현할 수 있기 때문에 무브먼트에 완벽하게 적합했습니다.
포 베라 아트
"arte povera"라는 용어는 이탈리아어로 가난한 예술을 의미합니다. 그것은 1960년대의 정치적 분위기로 거슬러 올라가 특히 베트남 전쟁에 대한 세계적 반대를 강화하는 이탈리아 예술 운동을 가리킨다. 예를 들어, 이 운동의 지지자였던 예술가들은 인간이 "자연의 또 다른 요소"일 뿐이며 예술은 최소한의 단순한 요소로도 수행될 수 있다고 옹호하며 그 덧없음을 입증했습니다. 그들은 작품을 만들기 위해 흙, 돌, 나무, 신문지, 누더기 등의 일반적인 재료를 사용하여 시스템을 비판하면서 세계, 자연, 생명과 직접적으로 관련된 작품을 만들어야 함을 강조했습니다. 소비와 자본주의, 산업사회.
로사리오의 아서 주교
(1909년 브라질 세르지페 – 1989년 브라질 리우데자네이루)
1925년에 그는 브라질 해군에서 일하기 위해 리우데자네이루에 도착했습니다. 그 후 그는 전기 회사 Light에 고용되었습니다. 1938년에 그는 수도원에 가서 자신이 본 신비로운 환상을 묘사하면서 자신을 "산 자와 죽은 자를 심판하러 오신 분"이라고 소개했습니다. 수도원은 그를 Praia Vermelha에 있는 Hospital dos Alienados로 보냈고 그곳에서 그는 편집증-정신분열증 진단을 받았습니다. 그곳에서 그는 리우데자네이루의 자카레파구아 인근에 있는 정신 병원인 콜로니아 줄리아노 모레이라로 이송되었습니다. 약 1964년 동안 Bispo는 정신 병원과 그 밖의 다른 곳에서 가정이나 상업 시설에서 일하며 시간을 보냈습니다. 이 순간 중 하나에서 그는 그가 살았던 Clínica Pediátrica Amiu에 고용되어 일상적인 사용을 위한 재료로 첫 번째 작업을 수행할 수 있었습니다. 1989년 쾰른으로 돌아와 1982년 사망할 때까지 그곳에서 작품을 계속 제작했다. MAM ) 리우데 자네이루에서 미술 평론가의 관심을 불러 일으켰습니다. 그는 미술 전시회에 참가하라는 다른 초대를 받았지만 거절했습니다. 그는 자신의 작품과의 이별을 받아들이지 않았고 자신을 예술가라고 생각하지 않았지만 자신의 비전에 드러난 사명을 완수하고 있다고 주장했습니다. 그는 약 1960점의 작품으로 작품을 구성했으며, 사망 후 여러 국내 및 국제 미술 전시회에 전시되었습니다. 2000년대부터 현재까지 많은 예술가들에게 영향을 미쳤다. Bispo do Rosário의 죽음과 함께 그의 작품은 예술가가 XNUMX년 동안 살았던 식민지 내에 위치한 Nise da Silveira 박물관에 보관되었습니다. XNUMX년대에 이 기관은 Bispo do Rosário Museum으로 개명되었습니다.
조립
일반적으로 예술적 환경에서 관습에 얽매이지 않는 예술 작품의 구성에 서로 다른 물체 및/또는 재료를 결합하는 예술적 기법으로 회화 및 조각의 전통적인 기법을 깨뜨립니다. "아상블라주"라는 용어는 Jean Dubuffet(1901-1985)에 의해 예술적 환경에 통합되었으며, 그는 1950년대에 자연적이든 산업적이든 모든 종류의 재료를 콜라주, 오버레이 및 다른 기술.
속성
대표 인물이나 주제를 개별화하는 특정 측면과 특성을 식별하는 데 일반적으로 사용되는 특성이나 기호를 말합니다.
무의식적 자동 작용
이성의 통제 없이 잠재의식의 배타적인 영향 아래 행해지는 문학 또는 예술 활동. 이 제안은 1924년에 시작된 프랑스 예술 운동인 초현실주의에 의해 크게 강조되었는데, 정신 분석 연구에 접근하여 몽환적이고 주관적인 이미지를 사용하여 이성적 통제나 미적 영향에서 자유로운 예술 창작의 수단으로 심리적 자동화를 제안했습니다.
도끼
현대 시대에 아프리카에서 브라질로 노예로 끌려온 요루바족에 의해 창시된 종교인 candomblé에서 도끼는 모든 존재를 움직이는 본질적인 에너지를 말하며, 여기에는 다음과 같은 측면을 담당하는 신인 orixás의 신성한 힘도 포함됩니다. 생활.자연. 그러한 신성한 에너지는 충실한 제물과 의식적 희생을 통해 활력을 얻습니다.
석판화
Alois Senefelder(1771-1834)가 XNUMX세기 바이에른 극작가가 자신의 희곡을 인쇄할 저렴한 방법을 찾고 있을 때 발명한 판화 기법입니다. 일반적으로 석회암과 같은 석재 매트릭스로 만든 조각을 말합니다. 매트릭스는 다양한 재료와 프로세스로 만든 그림이나 표시를 받은 다음 잉크 층을 얻고 종이 위에 압축(압착)되어 이미지가 인쇄됩니다. 리소그래피는 다양한 기술을 사용하여 수행할 수 있습니다. 그중 하나에서 매트릭스는 기름기 많은 연필이나 기름진 잉크로 그린 그림을 받은 다음 산에 담가 그리스로 보호되지 않은 영역만 부식시켜 높은 부조의 그림을 만듭니다. 그 후, 매트릭스는 잉크를 받고 한 장의 종이에 압착되어 높은 부조로 그림의 느낌을 얻습니다.
B
바바로리샤
Candomblé 또는 Umbanda 집의 최고 사제, 아프리카-브라질 종교; 아프리카 요루바어로 직역하면 "pai de santo"를 의미합니다.
벌리 테르 그로피우스가 천구 백십 구년 독일 베이 마르에 창립 한 건축 학교
건축 및 디자인과 같은 독일 응용 예술 학교. 1919년에 설립되어 1933년 나치에 의해 폐쇄되었습니다. 예술, 건축, 수공예, 장식 및 디자인 콘텐츠를 아우르는 프로그램을 통해 예술가-장인을 양성하여 제XNUMX차 세계 대전 이후 독일 사회의 요구를 충족시키고, 한편으로는 산업 규모의 생산과 다른 한편으로는 현대 예술을 모든 사회적 수준에 전파한다는 이상을 가지고 일하고 있습니다.
무형문화재
일련의 무형문화유산(무형문화유산이라고도 함)은 공동체, 집단 및 개인이 다음과 같이 인식하는 관행, 표현, 표현 및 지식뿐만 아니라 이와 관련된 도구, 물건, 인공물 및 문화 공간으로 이해될 수 있습니다. 그들의 문화 유산의 일부입니다. 따라서 이 개념은 음악, 춤, 게임, 연극 표현, 파티 및 역사적, 예술적 가치가 있는 의식을 통합합니다.
블레이즈 상드라르
(라쇼드퐁, 스위스, 1887 – 파리, 프랑스, 1961)
귀화한 프랑스인이 된 스위스 출신의 소설가이자 시인인 Frédéric Louis Sauser의 가명. 그의 시에 영감을 주는 주요 원천은 그의 실제 또는 상상의 여정입니다. 그는 Tarsila do Amaral 및 Oswald de Andrade와 같은 XNUMX세기 초부터 브라질 예술가들의 작품에 영향을 미쳤습니다.
블링키 팔레르모
(1943년 독일 라이프치히 – 말레, 몰디브, 1977년)
모노크롬 캔버스와 다양한 색상의 직물을 나란히 꿰매고 프레임 섀시(베이스)에 펴서 만든 작품으로 유명합니다. Palermo는 또한 알루미늄, 강철, 목재, 종이 및 포미카와 같은 다른 재료를 사용했습니다. 형태와 색상 사이의 공간적 관계에 대한 관심은 작가를 기존의 직사각형 캔버스와 거리를 두게 했습니다. 그는 원, 삼각형, 십자 등의 도형으로 그림을 그리기 시작했고 작품에 조각에 가까운 요소를 더했다.
자본가 계급
중세 말에 유럽에서 등장한 사회 계급. 여기에는 자유로운 직업을 가진 사람들이 포함되며, 그들의 이익은 일반적으로 상류 경제 영역 및 지배 계급과 연결되어 있습니다.
C
칼코그래피
매트릭스가 금속 또는 판금으로 만들어진 판화. 이 매트릭스는 다른 재료로 만든 그림이나 마크를 받습니다. 그런 다음 잉크 층을 얻고 종이 위에 눌러(압착) 이미지를 인쇄합니다. 매트릭스의 표시는 부린 조각과 같은 다양한 프로세스를 통해 발생할 수 있습니다. 판금이 산에 의해 부식되는 에칭; 건조점, 금속판을 긁는 데 사용되는 도구로 매트릭스에 열린 홈이 있는 그림을 만듭니다. 블랙 웨이 및 소프트 바니시와 같은 기타 기술.
카메라 옵스큐라 또는 카메라 옵스큐라
크기가 작거나 클 수 있고 방 크기에 도달할 수 있는 종류의 상자로 빛이 들어오지 못하도록 밀봉되어 있고 한쪽 또는 벽에 하나의 구멍만 있고 구멍 반대쪽 면에는 흰색 페인트 레이어가 적용됩니다. . 구멍 앞에 있지만 상자 밖에 놓인 풍경이나 사물의 이미지가 흰색 벽에 반전되어 투사됩니다. 구멍이 작을수록 이미지 세부 사항이 더 선명해집니다. 카메라 옵스큐라는 카메라 발명의 기초가 된 광학 장치입니다.
자그마한
브라질과 아프리카에서 행해진 종교는 노예가 되어 아메리카 대륙으로 끌려온 요루바족과 함께 나타났습니다. 애니미즘 기원의 그것은 현재 나이지리아와 베냉 지역의 문화를 기반으로 하며, 사제와 숙련자들이 공적 및 사적 의식에서 자연과 조상의 힘과의 공존을 축하합니다.
꿈 같은 캐릭터
시각 예술에서는 1920년대 유럽에서 출현한 예술 운동인 초현실주의와 관련된 일부 작품과 같이 꿈이나 상상된 것의 맥락을 언급하는 작품을 말합니다.
카사 7
우정과 공통의 예술적 관심사로 모인 젊은 예술가 그룹이 상파울루 시 빌라의 7번 집에 스튜디오를 세웠습니다. Carlito Carvalhosa, Fábio Miguez, Paulo Monteiro, Rodrigo Andrade 및 Nuno Ramos가 결성한 이 그룹은 1982년부터 1985년까지 그룹의 마지막 전시회인 18년 제1985회 상파울루 국제 비엔날레 전시회를 포함하여 XNUMX개의 전시회를 함께 개최했습니다. 그룹 아티스트의 특징은 큰 종이에 산업용 잉크를 사용하여 제스처의 표현력을 탐구하는 작업이었습니다. 저렴한 재료를 선택한 것은 주로 경제적인 이유 때문이었습니다. 그룹 소속 아티스트들의 공동 경험은 그들의 궤적에서 주목할 만했고, 해산 후 각 아티스트는 자신의 길을 갔다.
섀시
일반적으로 화가가 그림의 지지대로 사용하는 캔버스 천을 펴고 고정하는 나무로 만든 구조물.
시네마 노보
1950년대 말, 대중적 호소력이 있는 영화를 제작하고 사회적 문제를 다루는 데 관심이 있는 브라질의 젊은 영화 제작자 그룹이 브라질 영화 언어를 갱신할 것을 제안했습니다. 그들은 단순한 시나리오와 캐릭터, 많은 움직임이 없는 이미지, 광범위한 대화를 사용하여 국가 현실과 관련된 주제를 논의하는 저비용 영화를 만들었습니다. 제작된 영화 중 Cinco Vezes Favela(1962), Deus e o Diabo na Terra do Sol(1964), Os Cafajestes(1962)를 언급할 수 있습니다.
모던 아티스트 클럽 – CAM
Flávio de Carvalho, Antonio Gomide, Carlos Prado, Di Cavalcanti와 같은 예술가들에 의해 1932년에 만들어진 이곳은 매우 비판적이고 무질서한 소명을 가지고 회의와 문화적 표현을 위한 공간으로 기능했습니다. 그의 일련의 업적에서 강력한 정치적, 사회적 참여, 소비에트 경험에 대한 동정, 브라질 국가와 교회에 대한 비판을 볼 수 있습니다. 검열과 재정적 어려움으로 인해 1933년 말 활동이 종료되었습니다.
코보고
속이 빈 부분이 있는 벽돌과 유사한 천공된 구성 요소입니다. 일반적으로 도자기 또는 시멘트로 만들어집니다. 환기 또는 채광을 보장하거나 내부와 외부를 분리하는 기능과 함께 천공된 벽이나 정면의 건축에 사용됩니다. 그것은 Pernambuco 건축에서 등장했으며 그 이름은 1929년부터 특허를 받고 산업화된 Amadeu Oliveira Coimbra(Co), Ernest August Boeckmann(Bo) 및 Antônio de Góis(Go)의 이니셜로 구성됩니다.
수집
컬렉션을 참조하십시오.
네미로프스키 컬렉션
브라질에 기반을 둔 아르헨티나 의사이자 사업가인 José Nemirovsky와 그의 아내 Paulina가 만든 컬렉션입니다. 이 중요한 컬렉션은 Tarsila do Amaral, Brecheret, Di Cavalcanti, Lasar Segall, Rego Monteiro, Ismael Nery, Goeldi, Livio Abramo, Guignard, Cícero Dias, Aldo Bonadei, Volpi, Milton Dacosta, Mira Schendel, Lygia Clark, 다른 예술가들 사이에서 Hélio Oiticica와 Rubens Gerchman. 또한 Picasso, Braque, Chagall, Léger 및 Grosz와 같은 유럽 예술가들의 판화도 있습니다.
대출
약정된 날짜에 이를 반환할 의무가 있는 대출이 이루어지는 계약. 미술관의 경우 대출은 일반적으로 미술관이 작품을 전시할 수 있도록 개인 소장품을 보살피고 보존하는 대가로 대여하는 것입니다.
구성
시각 예술에서 용어는 시각적 요소가 예술 작품의 구성에서 예술가에 의해 구성되는 방식을 의미합니다.
브라질의 구체주의와 구체운동
구체주의 원칙은 예술을 상징적 표현으로부터 멀리 떨어뜨립니다. 회화는 평면과 색채라는 조형적 요소로만 이루어지며 그 자체 외에 다른 의미는 없다. 예술 작품은 현실을 재현하는 것이 아니라 기하학적 형태와 관련된 구조, 평면, 세트를 보여주며, 다른 해석을 지시하지 않습니다. 1950년대 브라질에서 추상주의는 신조형주의(1917-1928)와 러시아 구성주의(1914-1920)와 같은 형태와 예술 작품의 구조적, 기하학적 특성과 대화하는 예술 운동에서 영감을 받은 강력한 예술적 표현을 가졌습니다. Bauhaus(1919-1933)와 미국 예술가 Max Bill(1908-1994)의 영향. 따라서 구체적인 운동의 첫 징후는 상파울루와 리우데자네이루에서 나타났습니다. 그 시작의 랜드마크는 1952년 상파울루 현대미술관에서 열린 Ruptura 그룹의 전시회와 같은 해에 시작된 Manifesto Ruptura입니다. 리우데자네이루에서는 1954년 Grupo Frente의 창설과 함께 Concretism이 등장했습니다.
구성주의 또는 구성 예술
"구성적 예술"과 "구성주의"라는 용어는 1915세기에 등장한 추상 미술의 특정 경향을 의미하며, 예술적 대상은 모든 유형의 상징적 또는 표현적 표현과 단절된 단순한 구성으로 간주됩니다. . 예술 작품은 그 구성의 형식적, 물질적 관계에만 기초하여 자급자족적이어야 합니다. 시각적으로 건설적인 예술 작품은 산업적 대상에 대한 근접성을 찾기 위해 평면과 색상으로 구성되는 기하학과 균일성을 지향하는 경향이 있습니다. 구성주의는 처음에 1950년 러시아에서 예술가 블라디미르 타틀린(Vladimir Tatlin)과 알렉산더 로드첸코(Alexander Rodchenko)와 함께 예술의 사회적 기능에 대해 성찰한 운동의 이름이었습니다. 구성주의적 표현의 반향은 1960세기 전반에 걸쳐 절대주의, 입체주의, 다다이즘, 미래주의, 바우하우스, 데 스티질과 같은 다양한 예술가와 운동에서 찾아볼 수 있습니다. 브라질에서 구성주의는 XNUMX년대와 XNUMX년대의 콘크리트 운동과 신콘크리트 운동에 주로 영향을 미쳤다.
러시아 구성주의
1915년 러시아에서 추상적이고 기하학적인 작품을 제작한 예술가 블라디미르 타틀린(Vladimir Tatlin)과 알렉산더 로드첸코(Alexander Rodchenko)와 함께 등장한 예술 운동. "구성주의"라는 단어의 사용은 블라디미르 타틀린(Vladimir Tatlin)의 1913차원 부조에 대해 논평한 XNUMX년 비평가 N. 푸닌(N. Punin)의 기사에서 러시아 아방가르드 운동과 관련이 있는 것으로 보입니다. 이 운동은 경제, 노동, 계급 투쟁에 관한 이론에서 발전한 사회주의의 철학적 흐름인 마르크스주의의 영향을 받은 예술적 표현을 말하며, 이로 인해 현재 러시아로 알려진 지역에서 시작된 혁명 과정과 밀접하게 연결되어 있습니다. . 예술적 대상은 그 구성의 형식적이고 물질적인 관계에만 기반을 둔 모든 종류의 상징적 또는 표현적 표현에서 분리된 대상으로서 단순한 구성으로 생각되기 시작합니다. 시각적으로 건설적인 예술 작품은 기하학과 균일성을 지향하는 경향이 있습니다. 이 운동은 처음에 예술이 기계 생산, 건축 공학, 그래픽 및 사진 통신 수단과 관련하여 사람들의 신체적, 정서적, 지적 요구를 충족시키는 데 기여하면서 사회에 봉사해야 한다고 제안했습니다. . 예술은 대중의 삶의 방식과 인식의 재건에 참여하면서 사회 변혁의 도구가 되었습니다. 러시아 구성주의는 XNUMX세기 초 수십 년 동안 다른 예술적 경향을 자극했습니다.
콘 스트 루티 보
예술을 생각하는 행위를 표현의 형식이 아니라 구성으로 언급합니다. 구성주의 또는 구성 예술을 참조하십시오.
식민지 이후의 맥락
식민화를 세계적인 과정의 일부로 검토하는 이론적, 문화적 관점을 말합니다. 하나의 탈식민주의 이론에 대해 말하는 것이 아니라 가장 다양한 지식 영역(문화 연구, 문학 비평, 사회 과학, 정치, 역사, 철학 등)에서 서로 다른 방향으로 기여하는 일련의 연구에 대해 이야기하는 것은 불가능합니다. 그리고 보편적인 문명의 모델로서 유럽 중심의 서사를 강력하게 비판한다는 공통점이 있다.
반문화
1960년대에 유행한 운동으로, 현재의 사회적 및 행동적 가치에 대한 논쟁이 특징입니다. 보다 일반적으로 그것은 주어진 시대의 문화에서 지배적인 생각과 행동에 반대되는 움직임을 말합니다.
학술대회
현실을 표현하기 위한 규범으로 학문적 예술과 연결된 예술가들이 채택한 규칙 및 합의. 그 원칙은 일반적으로 고전 예술에서 파생되었으며, 특정 규칙에 따라 인물을 모방하는 형식적 사실주의를 선택하고, 표현의 명확성과 관련된 신화적 주제와 역사적 모티프에 대한 강한 인식을 가지고 있습니다.
레드넥 색상
예술가 Tarsila do Amaral(1886-1973)이 사용하는 용어로, 브라질의 모더니스트 운동의 일원으로 국가 예술 작품을 갱신하여 브라질 지역의 특수성을 높였습니다. 따라서 작가는 미나스 제라이스(Minas Gerais)와 같은 지역에서 구상된 주택이나 예술품에 사용되는 색상(예: 파란색, 보라색 분홍색, 밝은 노란색 및 녹색)을 지칭하기 위해 "컨트리 컬러"라는 용어를 사용합니다. 그림.
Cosmogonia
특정 문화 집단에 따라 우주의 창조나 기원을 설명하는 것을 말한다. 우주 발생 또는 우주 발생이라고도 합니다.
크리아상
어떤 것에 존재를 부여하는 행위. 무언가를 창조, 생성, 발명 또는 생산하는 행위 또는 효과. 예를 들어, 창작 과정에 있는 예술가는 나중에 이 프로젝트를 수행하기 위해 예술 작품을 이상화하여 구체적인 대상을 구축할 수 있습니다. 이러한 활동의 집합을 생성이라고 합니다.
미술 평론가
아티스트의 작품을 분석하고 평가하는 전문가입니다. 이성적이고 미적인 측면의 관찰을 통해 미술 평론가는 심사숙고하는 것 외에도 예술 작품을 연구하고 판단하며 작품 간의 관계를 설정하고 범주화 및 이론적 반성을 만듭니다.
입체주의
예술 운동은 1907년 파리에서 시작되었습니다. 그 주인공은 예술가 파블로 피카소(1881-1973)와 조르주 브라크(1882-1963)입니다. 그것은 현실과 자연의 모방으로서의 예술에 대한 생각에서 멀어집니다. 따라서 그의 작품은 원근법과 같은 환영 효과를 생성하는 기법을 거부합니다. 큐비즘은 (원근법에 의한) XNUMX차원 공간의 표현을 재현된 인물의 형태와 관찰 각도의 여러 볼륨으로 분해하는 것으로 대체합니다. 따라서 형상의 모든 관조 각도는 깊이의 구분 없이 기하학적으로 동시에 표시됩니다.
문화
지적, 물질적으로 창조된 개인 또는 집단의 인간생활의 특성을 말하며 사상, 지식, 가치, 기술 등을 포괄한다. 따라서 문화는 인간 종의 생존을 위한 조건과 요소를 제공하고 사회적 관계의 질적 변화를 가능하게 합니다.
대중문화
그것은 인구의 대다수에게 도달하기 위해 생산된 일련의 문화적 표현을 가리킨다. 본질적으로 상업적 목적, 즉 소비를 위한 제품을 생산하는 것입니다. "대중"이라는 용어는 이 문화의 제품이 도달할 수 있는 많은 사람들을 의미합니다. 산업자본주의와 금융자본주의의 논리에 따라 대중문화는 상품을 표준화하고 균질화하여 다수의 사람들이 소비할 수 있도록 하고자 한다. 그것의 전파는 주로 매스 미디어(라디오, 텔레비전, 신문, 잡지 및 주로 인터넷)와 관련되어 소비자의 문화적 동질화 과정을 돕습니다.
큐레이터십
컬렉션에 수집된 예술품을 연구하는 책임을 맡은 전문가인 큐레이터가 수행하는 활동입니다. 종종 큐레이터는 이러한 초기 연구를 바탕으로 전시를 제안하고 전시의 내용, 주제 및 대상을 정의하고 전시가 차지할 공간에서 작품의 물리적 구성을 준비합니다. 큐레이팅은 또한 컬렉션을 구성하기 위한 개체 선택, 이러한 조각의 획득, 연구 및 커뮤니케이션(출판물 및 전시회를 통해)과 같이 컬렉션을 중심으로 개발된 프로세스를 의미합니다.
D
다다이즘
1916년 스위스 취리히에서 시작된 예술 운동으로 시각 예술, 시, 문학을 포함합니다. 그 대변인은 1896년에 다다 선언문을 작성한 트리스탄 차라(1963-1918)였습니다. 다다이스트들은 논리나 의미가 없어 보이는 작업과 예술적 행위를, 회화와 조각의 생산에 더 치중한 당대의 부르주아적 예술적 기준에 도전하는 아이러니한 태도를 취했다. 다다이스트의 행동은 제XNUMX차 세계대전을 맞닥뜨린 서구 문명에 대한 비관주의와 환멸의 맥락과 관련이 있다. Chance는 다다이즘 예술가들이 가장 많이 사용하는 전략 중 하나였으며, 이 운동에 이름을 부여하는 이 단어조차 그들이 사전을 임의로 펴서 의미가 부족하여 선택했습니다.
사회적 다위니즘
Charles Darwin(1809-1882)의 On the Origin of Species라는 책을 기반으로 XNUMX세기 후반에 북미와 서유럽에서 출현한 사회 연구에 적용된 다양한 사이비 과학에 부여된 이름입니다. 다위니즘을 인간에게 적용하려는 시도로, 인간 발달의 최상위에 백인이 있고 최하위에 흑인이 있는 계층에 서로 다른 민족-인종 그룹을 배치합니다. 그것은 백인이 다른 인간 집단보다 천성적으로 우월하다고 설교하면서 차별적이고 인종차별적인 관행을 지배하고 합법화하는 전략으로 사용되었습니다.
인종 민주주의
용어와 개념은 Gilberto Freyre(1933-1900)의 책 Casa-grande & senzala(1987)의 해석에서 구성되었습니다. 그것을 형성하는 다른 사람들 사이의 오해. 이 아이디어는 Florestan을 포함한 1950년대와 1960년대의 일부 지식인들에 의해 널리 반대되었습니다.
Fernandes(1920-1995)와 Octávio Ianni(1926-2004), 심지어 1970년대에 등장한 MNU(Unified Black Movement)와 같은 브라질 흑인 운동에 의해 브라질의 인종주의가 어떻게 비명백한 메커니즘을 가지고 있는지 지적했습니다. 그러나 매우 잘 구조화되고 우리 역사에 뿌리를 두고 있습니다.
E
시각적 요소
예를 들어 점, 선, 모양, 방향, 볼륨, 색상, 색조, 질감, 치수, 크기 및 움직임과 같이 시각 작업의 구조를 구성하는 요소입니다.
엘리트 지주
대규모 농촌 재산을 소유하고 농업 생산을 경제적으로 통제하는 소수 및 특권층 인구. 식민지 시대부터 브라질에서 농업 활동의 중요성으로 인해 이 엘리트는 브라질에서 정치 권력의 상당 부분을 축적했습니다.
에밀 르나르
(1850년 프랑스 세브르 – 1930년 프랑스 파리)
Gustave Courbet과 Jean-François Millet의 영향을 받은 사실주의 계열의 화가. 그의 그림은 소작농과 같은 일상을 주제로 단순하고 객관적인 방식으로 표현되었습니다.
자동 쓰기 및 그리기
이성적 사고의 검열 없이 작가의 의식적 사고의 표현을 피하고 이미지와 텍스트가 무의식에서 흘러나오도록 하는 예술적, 문학적 창작 방법.
원판
마스킹이라고도 하는 이미지 복제 기술로, 이미지를 XNUMX차원 표면에 클립합니다. 이미지가 남긴 빈 공간은 매트릭스를 생성합니다. 이 매트릭스는 지지대에 위치하고 그 위에 잉크가 도포되어 절단 공간을 통해 새어 나올 때 지지대에 이미지를 인쇄합니다.
미학
지각, 감각을 의미하는 그리스어에서 유래한 용어. 예술, 아름다움 및 감상에 대한 이론화에 전념하는 철학의 가닥. 미학은 예술 작품과 예술적 현상에 대한 지각과 판단의 과정, 그리고 무엇이 아름답다고 여겨지는지를 분석합니다.
양식화
원래 이미지의 모양, 윤곽 및 비율을 단순화하거나 수정하기 위해 이상화된 기준으로 정교한 비유적 표현을 말합니다. 이로 인해 인식할 수 있지만 비현실적인 표현이 생성됩니다.
소원
놀라워, 놀라워, 놀라워. 예상되는 자연스러운 것과 다른 것을 발견합니다.
가부장적 구조
남성 인물에 권력을 집중시켜 여성을 남성에게 복종시키는 일련의 법률 및 사회적 가치.
에바 헤세
(1936년 독일 함부르크 – 1970년 미국 뉴욕)
라텍스, 유리 섬유 및 플라스틱과 같은 재료에 대한 선구적인 작업으로 유명한 독일 태생의 미국 예술가. 그녀의 조각과 설치는 경험의 구체화를 탐구하며, 그녀의 작품 전체는 나치로부터의 탈출, 부모의 이혼, 34살 때 어머니의 자살을 포함하여 그녀의 삶의 고통스러운 투쟁에 비추어 분석되는 경향이 있습니다. , 그의 실패한 결혼과 아버지의 죽음. Eva Hesse는 뇌암으로 XNUMX세의 나이에 요절했습니다.
단기 / 중기 / 장기 노출
이러한 명칭은 특정 전시회가 대중에게 공개되는 시간과 관련하여 사용됩니다. 장기 노출은 보통 몇 년 동안 지속됩니다. 피나코테카의 경우, 2020년에 개관하여 2025년까지 지속될 것으로 예상되는 컬렉션의 현재 장기 전시인 피나코테카의 경우, 약 1000점의 작품과 400여 점의 브라질 미술 컬렉션을 대중에게 종합적으로 보여주고자 합니다. 예술가들이 전시되어 있습니다. . 단기 및 중기 전시는 일반적으로 2005개월에서 2004년 사이의 특정 기간 동안 표시되도록 구성됩니다. 예를 들어, 2003년 피나코테카에서 열린 조각가 헨리 무어의 작품 회고전과 같이 한 기관이 다른 기관으로부터 전시회를 받을 때 이런 일이 발생합니다. 또는 2005년에 열린 Mulheres Pintoras 전시회와 같이 큐레이터가 특정 주제를 탐구하는 전시회를 제안할 때. Vistas do Brasil 전시회는 XNUMX년 XNUMX월에 개장하여 XNUMX년 XNUMX월에 마감된 브라질리아나 컬렉션의 작품으로, 중기 노출의 좋은 예.
표현주의
미술사에서 되풀이되는 경향으로, 작가는 자신의 감정을 주관적이고 극적으로 예술적으로 표현하는 경향이 있다. 회화에서는 의도적으로 강한 색상을 사용하고 형태를 왜곡하여 감정적 영향을 높입니다. 1905세기에 이러한 경향은 독일 표현주의(1940년 시작), 추상 표현주의(미국, 1970년대 후반), 신표현주의(독일, XNUMX년대 중반)와 같은 운동에서 볼 수 있습니다.
F
FAAP(아르만도 알바레스 펜테아도 재단)
Armando Álvares Penteado 백작이 상파울루에 예술을 표현하기 위한 문화 센터를 설립할 생각을 하던 1940년대에 설립된 고등 교육 기관입니다. 1950년대에 이 기관은 드로잉 교사를 위한 교육과 같은 과정을 제공하기 시작했습니다. FAAP의 시각 예술 과정은 1960년대부터 존재해 온 상파울루와 국내에서 가장 전통적인 과정 중 하나입니다.
파울리스타 예술 가족(FAP)
1937년에 설립된 그룹으로 Rossi Osir(1890 – 1959)와 Waldemar da Costa(1904 – 1982)가 감독했습니다. 그것은 1934년에 결성된 또 다른 예술가 협회인 Santa Helena Group의 회원을 포함하여 여러 예술가들의 참여를 가졌습니다. 작가 Mário de Andrade(1893 – 1945)는 그들을 일종의 모더니즘으로 특징지어지는 "Paulista 학교"로 정의합니다. 1922년 현대 미술 주간과 관련된 예술적 실험과 당시 상파울루의 예술적 환경에서 여전히 살아 있던 학술 예술 사이의 중간 위치에 위치합니다.
포-브라질 단계
예술가 Tarsila do Amaral(1886-1973)의 제작 단계는 다른 모더니스트 예술가들과 프랑코-스위스 시인 Blaise Cendrars(1924-1928)와의 여행을 바탕으로 1887년에서 1961년 사이에 진행되었습니다. 카니발과 성주간, 리우데자네이루와 역사적인 도시인 미나스제라이스 사이의 기간. 이 시기의 작품은 형태의 단순화와 기하학에 대한 큐비즘의 영향 외에도 당시 대중 문화라고 불렸던 이 지역의 예술 및 건축 작품에서 발견되는 주제와 색상을 제시합니다.
공산주의
fauvism이라는 용어는 "야생 동물"을 의미하는 프랑스어 "fauves"에서 유래되었습니다. 비평가 루이 보셀(1870-1943)은 1905년 파리에서 열린 가을 살롱에 참가한 일부 예술가들의 작품에서 강렬한 색채의 존재를 언급할 때 사용했습니다. 따라서 1905년에서 1907년 사이에 Henri Matisse(1869-1954)가 이끄는 화가 그룹은 형태를 단순화하고 색상, 특히 순수한 색상의 사용을 실험하는 연구에 전념했습니다. 강렬하고 선명한 붓놀림을 통해 "야수파"는 혼합 색상을 사용하는 학문적 원리와 명암을 이용한 명암의 유희에서 탈피하여 사실적인 시각적 착시를 선사했습니다. Fauvism은 그러한 실험에 참여했으며 잘 정의된 프로그램과 선언문을 갖춘 예술 학교로 구성되지 않은 예술가의 작품에서 한 단계를 나타냅니다.
남녀 동권주의
여성이 남성과 동등하고 동일한 기회를 누려야 한다는 점을 고려하여 남녀의 동등한 사회적, 정치적 권리를 달성하려는 목적으로 XNUMX세기에 시작된 운동입니다. 양성평등을 제안합니다.
흑인 페미니즘
인종차별과 양성평등을 위한 토론과 투쟁에 적극적인 여성 운동. 성 정체성, 인종 차별, 계급 억압 및 성 차별이 연결되어 있으며 흑인 여성이 우리 사회에서 가장 불리한 인구 집단 중 하나임을 이해합니다.
페르난 드 레거
(Argentan, 프랑스, 1881 – Gif-sur-Yvette, 프랑스, 1955)
프랑스의 화가, 작가, 미술교사. 그는 최초의 입체파 표현에 참여하여 기하학적이고 곡선적인 형태를 통해 자연을 표현하는 방법을 실험하고 물체의 모든 부분을 동일한 평면에 그리는 구성을 시도했습니다. 그는 1922년에 자신의 아카데미를 설립했습니다.
형상
그것은 조형 예술, 즉 사물, 사람, 동물, 풍경과 같은 현실에서 파생된 인식 가능한 형태의 표현을 말하며, 해석되고 반드시 자연주의적 충실도로 재생산되지는 않습니다. 추상화에 반대합니다.
플럭서스
1931년 독일에서 George Maciunas(1978 – 1961)가 만든 그룹으로 실험적이고 집단적인 작업을 하고자 하는 다양한 언어의 예술가들을 모았습니다. 그것은 다다이즘과 예술가 마르셀 뒤샹(1887-1968)의 사상을 참고로 삼았고, 종종 예술적 대상의 물질적 구성보다 사상을 우선시하는 개념 미술과 관련이 있었고, 전통에 의문을 제기한 반예술의 이상을 가지고 있었습니다 예술계에서 일반적인 정의 예술, 예술가, 예술 작품 등과 같은 예술적 회로
기하학적 모양
수학적 참조로 구성되며 형상과 유사하거나 참조합니다. 그것들은 유기적인 것과는 대조적으로 합리적이고 계산된 것과 관련이 있습니다.
유기적 모양
그들은 자연에서 발견되는 형태를 말합니다. 따라서 그것들은 이성적이고 계산적이며 기하학적인 것과 더 관련이 있는 것보다 더 표현적이고 몸짓이며 살아 있거나 자연적인 존재를 구성하는 물질과 관련이 있습니다.
사진 Cine Clube Bandeirante(FCCB)
상파울루시에 위치한 가장 오래되고 중요한 브라질 사진 클럽 중 하나입니다. 1939년에 설립된 이 단체는 여러 활동을 통해 브라질에서 예술 사진을 확립하는 데 도움을 주었고 해외 클럽에서도 인정을 받았습니다. 그는 구성, 스타일, 컷아웃 등의 개념을 바꾼 사진가들의 "Escola Paulista"의 출현을 담당했습니다. 그때까지 학술 및 화보 사진 또는 포토 저널리즘과 관련된 사진이 널리 퍼졌습니다. 수년 동안 클럽은 브라질 사진 아트 살롱을 조직하고 브라질 사진 비엔날레를 두 번 개최했으며 Web Art Photos 및 Tecnologia na Arte와 같은 다른 클럽과 디지털 살롱을 홍보했습니다.
푸 투리스모
1876세기 초의 예술 운동으로 시각 예술에서 산업화의 맥락과 시대의 운송 및 도시화 수단의 기술 발전 확장과 관련된 아이디어(역동성, 속도와 같은 아이디어)를 분석하고 묘사하려고 했습니다. 움직임, 즉 그림이 공간에서 움직이는 방식입니다. 그것은 이탈리아 시인 Filippo Tommaso Marinetti(1944-XNUMX)의 미래주의 선언문의 출판으로 시작되었습니다.
G
장르 / 예술적 장르
넓은 의미에서 예술 분야에서는 문체, 주제 또는 기술 측면에 따라 예술 작품을 분류하는 것을 의미할 수 있습니다. 장르의 개념은 학술 예술과 관련된 예술 작품을 분류하는 데에도 사용됩니다. 이러한 맥락에서 장르는 이미 확립된 재현의 규칙과 연결되어 창작의 매개변수 중 하나입니다. 학술 그림
신화화, 역사화, 초상화, 풍경화, 정물화 등 장르별로 분류했다.
제라상 80
80년 1984월 리우데자네이루의 Escola de Artes Visuais do Parque Lage(EAV)에서 열린 123세대, 안녕하십니까? 전시를 계기로 등장한 용어입니다. 리우데자네이루와 상파울루 출신의 사람들은 비록 이질적이었지만 그 세대의 예술에 몇 가지 지배적인 경향을 가져왔습니다. 회화로의 복귀는 표현주의와 몸짓의 편향, 강한 감정적 충전, 대규모 생산 및 재료 실험으로 두드러집니다. 이는 1970년대 작품의 물질적 구성보다는 작가의 사상에 더 관심이 많았던 개념미술이 우세한 이후에 일어난 일이다. 1980년대 이 예술가들의 작품은 군사독재 이후 민주주의 재건의 도취감으로 특징지어지는 정치적 순간에 직면한 창조적 행위자의 자세를 반영했기 때문에 브라질 예술의 랜드마크가 되었습니다.
형태
지각 이론 중 하나. 이 이론에 따르면 이미지나 개념을 실제로 인식하고 해독하고 동화할 수 있는 것은 총체성의 인식을 통해서만 가능합니다. 따라서 그것은 전체가 그것을 구성하는 부분들의 합 이상이라는 것을 확증합니다.
조각
소묘와 회화 이외의 기술적 수단에 의하여 얻어지는 시각적 언어를 말한다. 판화에서 표현할 이미지는 금속, 나무, 돌 등과 같은 다양한 재료로 만들 수 있는 매트릭스라는 표면에 (마크, 홈 또는 절개를 만드는 특수 도구를 사용하여) 새기거나 그립니다. 매트릭스가 의 마크를 받은 후
이미지의 특정 위치에 잉크 층이 추가되고 이 매트릭스가 종이에 눌려질 것입니다. 시트는 매트릭스에 표시된 디자인 모양의 잉크로 인쇄됩니다. 판화는 매트릭스가 만들어지는 재료에 따라 분류됩니다. 예를 들어 나무인 경우 목판화라고 합니다. 그것이 돌로 만들어지면 석판화라고 불릴 것입니다. 금속으로 되어 있고 산으로 표면에 자국을 낸 것을 강수라 한다. 여전히 많은 다른 조각 기술이 있습니다.
그레고리 바르차프치크
(1896년 우크라이나 오데사 – 1972년 브라질 상파울루)
그는 현대 건축을 브라질에 소개했는데, 그 특징은 편안함, 건물 요소의 경제성 및 기능성에 대한 합리적인 기준을 기반으로 합니다. 1927년 Lasar Segall의 아내 Jenny의 누이인 Mina Klabin(1896 – 1969)과 결혼했을 때 그는 라틴 아메리카 최초의 현대식 주택으로 간주되는 거주지를 지었습니다.
그로테스크
그것은 웃음이나 조롱을 나타내는 우스꽝스러운 것으로 간주되는 것을 말합니다.
그림 그룹
AIBA(Imperial Academy of Fine Arts)에서 온 화가 그룹은 1884년에서 1886년 사이에 독일인 Georg Grimm의 지도 아래 야외 풍경을 그리기 위해 Niterói의 Boa Viagem 해변에 모였습니다. Grimm은 AIBA에서 수업을 가르쳤습니다. 그러나 그의 교수법(예를 들어 인상주의 화가의 스타일로 빠르고 강렬한 붓놀림으로 야외에서 그림을 그리는 것과 같은)이 학문적 관행과 일치하지 않았기 때문에 그의 계약은 갱신되지 않았습니다. Grimm Group은 Antônio Parreiras(1860 – 1937), Giovanni Battista Castagneto(1849 – 1900), Garcia y Vásquez(1859 – 1912), Hipólito Boaventura Caron(1862 – 1892), França Júnior(1838 – 1890) 및 Francisco Joaquim Gomes Ribeiro(1855 – 1900).
의견 그룹
1960년대 민군 쿠데타 이후 항의와 저항극을 집중적으로 모은 리우데자네이루의 극단으로 1964년부터 1983년까지 국가적·대중적 드라마투르기 연구와 보급의 중심지로 설립됐다.
냉전
제1989차 세계대전 직후 시작되어 XNUMX년경에 끝난 자본주의 이데올로기를 가진 미국과 공산주의 이데올로기 하에서 정치적, 세계의 경제 및 군사 패권.
H
해프닝과 퍼포먼스
해프닝(happening)이라는 용어는 1927년대 후반 미국 예술가 Allan Kaprow(2006-1950)에 의해 만들어졌습니다. 예를 들어 공연 예술, 음악에서 발생하는 다양한 언어를 포함할 수 있는 예술적 행위를 의미합니다. 또는 문학 – 그리고 일반적으로 대중의 참여를 예상하는 즉흥 연주와 제안이 특징입니다. 해프닝의 예술적 행위는 정해진 끝이 없는 유연한 구조를 갖는다. 퍼포먼스는 해프닝과 몇 가지 유사점을 제시하며 그 해프닝의 파생물로 간주될 수 있습니다. 그것은 또한 다른 예술적 언어를 혼합할 수 있는 행위를 포함하지만, 주로 예술가가 자신의 신체를 예술적 행위의 수단으로 사용하는 것이 특징이며 항상 대중과의 상호 작용을 수반하지는 않습니다. 해프닝은 1950년대와 1960년대 사이에 발생한 표현에 더 많이 위치할 수 있지만 공연은 현대 미술에 매우 존재하는 예술적 형식으로 남아 있습니다.
앙리 마티스
(Le Cateau-Cambrésis, 프랑스, 1869 – 니스, 프랑스, 1954)
Henri-Emile-Benoît Matisse는 프랑스의 화가, 디자이너, 조각가로 1905년경 프랑스 파리에서 발생한 예술 운동인 야수파의 주창자입니다.
이질적
이성애 정상성에 관하여, 이성애가 사회에서 정상적이고 올바른 것으로 이해되는 유일한 성적 지향이라는 개념; 따라서 다른 성적 지향은 규범에서 벗어난 것으로 이해되고 결과적으로 소외됩니다.
전체적인
홀리즘(holism)이란 그리스어의 홀로스(holos)에서 유래한 단어로 '전체'를 의미한다. 전체의 일부를 따로따로 분석하는 절차와 달리 현상에 대한 통합적 이해를 우선시하는 접근 방식입니다.
동성애
동성 간의 성적 매력.
I
얄로리샤
아프리카-브라질 종교인 Candomblé 또는 Umbanda 가문의 최고 여사제; 아프리카 요루바어로 직역하면 "성인의 어머니"를 의미합니다.
아이콘그라피아
비유적 작품을 구성하는 기호, 주제 등의 시각적 요소를 말합니다. 서면 참조 작업을 구성하거나 보완하는 시각적 문서에 부여된 이름이기도 합니다. 이 용어는 또한 예술 작품에 존재하는 이미지, 기호, 모티프 및 속성의 시각적 표현의 기원, 설명 및 맥락화를 연구하는 미술사 분야를 의미합니다.
마르크스주의 사상
자본주의 생산양식에 대한 정치·사회·경제적 분석을 전개하고 사회변화를 옹호하며 공산주의의 발전을 제안한 독일 철학자 칼 마르크스(1818-1883)와 프리드리히 엥겔스(1820-1895)의 사상을 일컫는다. 생명을 유지하는 수단의 집단적 소유에 기초한 경제적, 사회적 기반 체계.
문화적 정체성
사회적 관계, 집단적 기억, 역사적 인식 및 언어, 종교, 예술, 기술 및 과학 구조에 스며들어 있는 집단 또는 사회가 공유하는 일련의 문화적 특성을 말하며, 따라서 해당 집단 또는 사회의 자기 정의와 연결됩니다. 그룹이나 사회.사회.
상상의
특정 사회, 특정 사람 또는 사회 집단의 특징인 일련의 기호 및 시각적 표현입니다.
인상주의
XNUMX세기 후반 유럽에서 발생한 예술 운동. 인상파 화가들은 미술 아카데미가 지시하는 현실 표현 방식에 동의하지 않았습니다. 그들은 학자들이 야외 조명에서 볼 수 있는 것과는 다른 유형의 인공 조명 아래 아틀리에에서 그림을 그렸다고 말했습니다. 자연광과 움직임은 화가가 자연의 뉘앙스와 다양한 형태의 조명을 더 잘 포착할 수 있도록 일반적으로 야외에서 느슨하고 빠른 붓놀림으로 캔버스를 그린 인상파 그림의 중요한 요소가 되었습니다. 이러한 유형의 연구는 튜브 유성 페인트의 산업적 생산으로 가능해졌습니다. 고귀하고 신화적이거나 역사적인 주제는 풍경, 정물 또는 일상 장면을 우선시하는 인상주의 작품에서 일반적이지 않습니다.
인상파
인상파 참조.
설치
1960년대 시각 예술 어휘에 통합된 용어로 환경에서 조직된 요소로 구성된 현대 예술 표현을 지정합니다. 설치는 많은 부분에 도달할 수 있고 시청자가 구성하는 공간에 들어갈 수 있도록 하는 재료의 구성 또는 조립입니다. 그것은 전시 기간 동안만 지어진 채로 남아 있는 일시적인 성격을 가질 수도 있고, 아니면 해체되어 다른 장소에서 재창조될 수도 있습니다.
간섭
예술 분야에서 이 용어는 단일 정의가 없으며 여러 의미와 연관될 수 있습니다. 일반적으로 어떤 변형이나 반응을 조장하기 위해 주어진 상황이나 대상을 간섭하는 행위를 지칭하며, 이는 신체적, 지적 또는 감각적 차원에서 발생할 수 있습니다. 개입 작업은 매우 다양합니다. 예를 들어 그래피티를 사용하거나 광장에서 장면을 생성하는 등 도시적 맥락에서 수행할 수 있습니다. 다른 예술 작품을 포함하여 주어진 이미지 또는 물체.
이스마엘 네리
(1900년 브라질 파라 – 1934년 브라질 리우데자네이루)
주요 주제가 인물인 브라질 화가. 그는 리우데자네이루 국립미술학교에 다녔다. 그는 프랑스에서 시간을 보내며 Julien Academy에서 공부하고 자연을 모방하는 고전적인 학문적 교훈을 깨기 위해 시작된 현대 미술과 접촉했습니다. 그의 작품은 보다 느슨한 붓놀림과 표현주의와 관련된 감정적 요소의 존재와 함께 현대적인 영향을 드러냅니다. 그 후, 심령적이고 환상적인 기원의 이미지를 가진 Marc Chagall(1887-1985)의 초현실주의와 원근법 없이 기하학적 공간성에 대한 연구를 통해 Pablo Picasso(1881-1973)의 입체파로부터 영향을 받았습니다.
J
잭슨 폴락
(1912년 미국 와이오밍 – 1956년 미국 뉴욕)
추상 표현주의의 주요 이름은 1940년대와 1950년대 사이 뉴욕에서 진원지를 가졌던 운동으로, 추상화는 그의 개인적인 표현을 언급하면서 캔버스에 대한 예술가의 제스처의 자발성과 관련이 있습니다. 그의 경력 전반에 걸쳐 Pollock은 조각난 비 유적 이미지를 만드는 것에서 완전한 추상화로 이동했습니다. 그는 캔버스를 바닥에 놓고 그 주변을 돌아다니며 붓으로 표면을 만지는 대신 페인트를 떨어뜨리고 떨어뜨리면서 구성의 전체 공간에 겹치는 지점을 만드는 기법을 개발했습니다.
장 밥티스트 드브렛
(1768년 프랑스 파리 – 1848년 프랑스 파리)
1816년에 브라질에 도착한 프랑스 예술 사절단의 일원인 프랑스 화가이자 기안가. 그는 제국 미술 아카데미에서 회화를 가르쳤습니다. 1831년 프랑스로 돌아온 그는 Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil(1834-1839)을 출간하여 1822세기 초의 자연, 인간 및 브라질 사회의 측면을 기록했습니다. 이 예술가는 1889년부터 XNUMX년까지의 국기였던 브라질 제국의 국기를 저술했습니다.
조셉 보이스
(1921년 독일 크레펠트 – 1986년 독일 뒤셀도르프)
제XNUMX차 세계대전 이후 독일 공군에서 조종사로 복무한 후 미술 공부를 시작한 독일인 예술가. 그의 예술 작품은 해프닝, 퍼포먼스, 설치를 포함하며 그의 예술관은 예술과 삶의 비분리 사상의 한 예라고 볼 수 있다. 그는 예술이 사회에서 적극적인 역할을 해야 하며 누구나 할 수 있다고 믿었다. 그의 작업은 다양한 작업에 사용되는 펠트 및 지방과 같은 다양한 재료에 대한 연구를 강조합니다. 그는 XNUMX세기 후반의 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명으로 여겨진다.
조제프 앙투안 부바르
(Saint-Jean-de-Bournay, 프랑스, 1840 – Marly-le-Roi, 프랑스, 1920)
XNUMX세기 초 상파울루 중심부의 리모델링 계획을 설계한 프랑스 건축가이자 도시계획가. 그는 Paris의 Tours and Gardens Service의 이사였습니다.
나란히 놓기
물체나 이미지를 다른 것 옆에 두거나 겹쳐 놓는 행위.
K
키스 해링
(1958년 미국 펜실베이니아 – 1990년 미국 뉴욕)
미국 예술가인 그는 그래픽 디자인을 공부했고 만화책에 대한 강한 언급과 함께 1980년대 뉴욕, 그래피티 및 팝 문화와 같은 그가 살았던 맥락에서 큰 영향을 받았습니다. 그의 작품은 사회 운동, 동성애 주제, 도시의 매춘 장면에 대해 큰 반성을 불러일으켰고, 전 세계 수많은 예술가들에게 영향을 미치고 AIDS에 대한 인식을 퍼뜨렸습니다.
L
토지 예술
어스 아트(Earth Art) 또는 어스워크(Earthwork)라고도 하며, 작품을 구성하기 위해 환경을 제공하는 대신 자연 지형 자체가 작업되는 예술 유형입니다. 대지 예술은 1960년대 후반에 나타났는데, 부분적으로는 미니멀리즘의 단순한 형태에 의해 생성된 고의적인 문화적 단조로움에 대한 불만이 커지면서 부분적으로는 산업 문화의 정교한 기술에 대한 환멸의 표현으로 나타났습니다. 생태와 관련된 문제에 대한 관심. 그 특성상 박물관이나 미술관에서 전시할 수 없는(사진, 영상 등의 기록을 통한 경우 제외) 미술의 일종이다.
라자 시갈
(빌나, 리투아니아, 1889 – 상파울루, 브라질, 1957)
리투아니아 출신의 화가는 표현의 감정과 주관적인 측면을 중시하는 독일 표현주의와 관련이 있으며 보다 느슨한 붓놀림과 색상 사용의 더 큰 자유를 사용했습니다. 1913년 브라질을 방문하여 작품을 전시하였다. 그는 Jenny Klabin(1925 – 1899)과 결혼한 후 1967년에 귀화한 브라질인이 되었습니다. 그는 브라질 현대 미술의 선구자 중 한 명으로 간주됩니다. 그의 작품 대부분은 상파울루 시에 위치한 그의 이름을 딴 박물관에서 찾아볼 수 있습니다.
레다 카툰다
(1961년 브라질 상파울루)
1984년 Fundação Armando Alvares Penteado(FAAP)에서 시각 예술을 전공했습니다. 그녀의 연구는 이미지의 사소화, 시각적 고정관념, 식별할 수 없는 저자와 같은 주제에 중점을 둡니다. 새로운 지지대와 재료에 대한 그의 탐색은 꾸준하며, 러그, 수건, 양말, 코트, 쿠션 커버와 같은 의복 및 가정용 액세서리 그림에 사용합니다.
LGBTQIA +
성적 다양성을 포괄하여 서로 다른 성별 정체성과 성적 및 정서적 지향을 가시적으로 보여주는 약어입니다. 문자 L은 레즈비언을 나타냅니다. G는 게이를 위한 문자입니다. B는 양성애자를 의미합니다. T는 트랜스젠더, 트랜스섹슈얼 또는 트랜스젠더, 태어날 때 지정된 성별 정체성과 다른 성별 정체성을 가진 사람들을 나타냅니다. Q는 퀴어를 지정하고 사회적으로 확립된 성별 기대치에 대한 비동일성을 나타냅니다. 이것은 비이성애자 커뮤니티의 다양한 정체성 또는 생물학적 성별에 의해 결정되는 출생 시 할당된 성별 정체성을 식별하지 않는 사람들을 포함하는 광범위한 범주입니다. 영어에서 퀴어는 "이상한", "괴상한"을 의미하며 원래는 차별적인 방식으로 사용되었지만 현재 LGBTQIA+ 커뮤니티에 의해 다시 의미되는 단어입니다. 문자 I은 인터섹스, 즉 전형적인 여성 또는 남성 범주에 맞지 않는 생물학적 특성을 가지고 태어난 사람들을 나타냅니다. A는 아무에게도 성적으로 끌리지 않는 무성애자를 나타내는 문자입니다. 그리고 약어에 + 기호를 추가하여 다른 성적 지향, 표현 및 성별 정체성을 나타냅니다.
시각적 언어
그것은 이미지를 통해 일어나는 소통에 관한 것이다. 이미지는 생각과 가치관, 이상과 감정이 뒤섞인 결과로 선, 색상, 비율, 질감, 리듬 등을 시각적 언어로 구성한다.
Lygia Clark
(미나스 제라이스, 브라질, 1920 – 리우데자네이루, 브라질, 1988)
교사로도 활동한 현대 브라질 예술가. 그녀의 궤적을 통해 그녀는 자신을 "예술가"가 아니라 "제안자"라고 부르기 시작했습니다. 그의 작업과정은 전통적인 방식으로 시작되어 회화와 조각을 거쳐 대중과 감각탐구를 지향하는 심미적, 치료적 사건으로 전개되는 작품제안으로 이어져 예술적 구성보다는 사람들의 참여에 더 많은 관심을 기울였다. 물체.
M
선언서
XNUMX세기 말과 XNUMX세기 전반에, 일반적으로 그룹으로 표현되는 아카데미의 주제 및 문체 패턴을 깨뜨린 현대 예술가들의 맥락에서 선언문은 폭로를 목표로 하는 텍스트입니다. 그룹을 하나로 모으는 아이디어를 전파합니다. 종종 팜플렛 톤을 취하십시오.
식인성 선언문
Oswald de Andrade(1890 – 1954)는 Tarsila do Amaral(1928 – 1886)의 그림 Abaporu에서 영감을 받아 1973년에 이 선언문을 썼습니다. 이 선언문은 인육의 의식적 소비와 관련된 고대 아메리카 원주민 관습인 인류포식의 주제를 은유적으로, 시적으로 브라질 문화가 다른 문화, 특히 유럽과 맺은 관계와 연관시키고 브라질의 의존 문화에 대한 검토를 제안합니다. 이 선언문의 주제는 오늘날까지도 도발적이며 1998년에 개최된 XXIV Bienal de São Paulo에서도 다루어졌습니다.
Pau-Brasil 선언문
Oswald de Andrade(1890 – 1954)가 쓴 Pau-Brasil Poetry Manifesto는 1924년 Correio da Manhã 신문에 처음 게재되었습니다. 1925년에는 그의 Pau-Brasil 시집의 시작 부분으로 발표되었습니다. 그것은 구술 요소와 일상적인 주제의 기록을 포함하여 대중적이고 학식적인 문화 요소의 융합을 통해 지역 문화를 구하기 위해 브라질 시의 새로운 원칙을 옹호합니다.
마크 샤갈
(Liozna, 벨로루시, 1887 – Saint-Paul-de-Vence, 프랑스, 1985)
1621세기 초 상트페테르부르크와 파리를 오가며 예술 교육을 받은 러시아 출신의 예술가. 그는 미술 학교에서 일하면서 경력을 쌓았고 장 드 라 퐁텐(1695~1840)의 우화 판본을 삽화했으며 표트르 일리치 차이콥스키(1893~XNUMX)의 발레 의상과 세트를 디자인했습니다. 그의 작품에서 고국에 대한 기억과 출생, 결혼, 죽음과 같은 주제를 인식하는 것이 가능합니다. 그의 작품은 환상과 꿈의 순서를 나타내는 요소와 장면으로 초현실주의의 강한 흔적을 가지고 있습니다.
마르셀 Duchamp
(Blainville-Crevon, 프랑스, 1887 – Neuilly-sur-Seine, 프랑스, 1968)
종종 언어 게임에 기반을 둔 예술적 관습과 그 개념적 내용에 대한 질문을 특징으로 하는 프랑스 예술가. 뒤샹은 작가가 예술이라고 정의하는 것은 규칙이나 기술적인 수단, 특정한 재료와 상관없이 예술이라는 원칙에서 출발했다. 전통적인 예술적 사고에 대한 그의 급진적인 태도는 그를 1913세기 전반에 걸쳐 예술의 변혁에 가장 영향력 있는 예술가 중 한 사람으로 만들었습니다. 뒤샹은 1917년에 그의 첫 번째 레디메이드("이미 준비된"으로 번역될 수 있는 단어)인 자전거 바퀴를 만들었습니다. 그에 의해 처음 공개된 것은 XNUMX년의 폰테였습니다. 가명으로 서명했습니다.
상인
"상인"을 의미하는 프랑스어 기원의 용어. 예술 작품을 구매, 판매하고 상업적 중개자 역할을 하는 전문가를 말하며 시각 예술가의 제작을 촉진하고 잠재 구매자에게 조언합니다.
마리오 데 안드라데
(1893년 브라질 상파울루 – 1945년 브라질 상파울루)
브라질 예술 및 문화 유산의 작가, 음악 학자, 교사 및 수호자. 모더니스트 운동과 1922년 현대 미술 주간의 이론가이자 표현가로서 지역적 특성을 강조하면서 브라질 예술과 문화의 갱신을 제안했습니다.
중개
중재의 개념은 법률 분야에서 유래했으며 분쟁 상황에서 당사자 간에 작동하는 조치를 의미합니다. 교육 분야에서 중재라는 용어는 주체, 개인 및 고유, 집단 및 분석 대상(텍스트, 이미지 또는 요소) 사이의 연결 역할을 하는 의식적인 행동을 가리킵니다. 그것은 사회에 존재하는 다양한 라이프 스타일과 주제를 강조하면서 현실에 대한 다양한 관점, 경험 및 인식에 대한 노출과 이해를 가능하게 하는 커뮤니케이션 프로세스를 구성합니다. 중재를 통해 커뮤니티의 행위자 간의 관계는 물론 행위자와 행위자가 삽입된 세계 간의 관계를 설정할 수 있습니다.
적은 가치
경제학에서 사용될 때 이 용어는 판매 가치가 자산의 순 장부 가치보다 낮을 때 발견되는 차이를 나타냅니다. 그러나 그것은 또한 그가 살고 있는 환경이나 스스로에 의해 그 사람에게 부여되는 낮은 평가나 작은 장점을 의미할 수도 있습니다.
Miscegenation/Miscegenation
Micegenation은 예를 들어 흑인 여성과 백인 남성, 흑인 남성과 원주민 여성, 백인 여성과 원주민 남성 등과 같이 서로 다른 민족 인종 그룹의 사람들 사이의 생물학적 혼합입니다.
형이상학
"물리학 너머"로 번역될 수 있는 그리스어 기원의 단어. 즉, 형이상학은 구체적이고 경험적인 경험을 넘어서는 비물질적인 철학적 질문을 가리킨다. 그것은 사물의 본질을 조사하고 이해하려고 노력하는 철학의 한 분야이며, 사물을 있는 그대로 만드는 것입니다. 그러나 이 단어는 신비주의와 밀교의 맥락에서도 사용됩니다.
등사
종이에 이미지와 텍스트를 대규모로 복제하기 위한 장비인 등사판에 재현됩니다. 등사 사본을 만드는 과정에는 원본 텍스트나 이미지를 매트릭스(스텐실 용지 한 장)에 복사하고 수동으로 크랭크를 돌려 사본을 인쇄하는 수작업이 필요합니다.
미니멀리즘
이 용어는 XNUMX세기에 다양한 시기에 발생했으며 몇 가지 기본 요소를 표현의 기초로 사용하는 데 중점을 둔 예술적, 문화적, 과학적 운동을 의미합니다. 시각 예술의 미니멀리즘은 일련의 대상을 형식적으로 축소하고 생산함으로써 대상의 본질에 대한 인식을 관찰자에게 전달하고자 했습니다.
프렌치 아티스틱 미션
프랑스의 지식인이자 정치가인 Joachim Lebreton(1760-1819)이 조직했기 때문에 "Colônia Lebreton"이라고도 불리는 이 행사에는 화가 Nicolas Antoine Taunay(1755-1830)와 조각가인 Jean-Baptiste Debret(1768-1848)가 포함되었습니다. Auguste-Marie Taunay(1768-1824), 건축가 Grandjean de Montigny(1776-1850), 메달 조각가 Charles-Simon Pradier(1786-1843) 등이 있습니다. 이 학자 예술가, 건축가 및 공예가 그룹은 1816년에 브라질에 도착하여 군주 D. João VI의 요청에 따라 예술 교육을 시작했습니다. 이 예술가들의 작업은 1826년 제국 미술 아카데미의 설립으로 이어졌는데, 이는 예를 들어 원근법과 게임을 사용하여 유럽 고전 참조의 사실적이고 환상적 표현의 형태를 구하면서 신고전주의 스타일을 전국에 퍼뜨렸습니다. 그림에서 깊이의 환상을 만들어낸 명암의 명암.
세 종족의 신화
개념은 주로 XNUMX세기 말부터 브라질 형성이 유럽인, 토착인, 아프리카인의 세 "인종" 간의 관계를 통해 발생했다는 생각에 기반하여 발전했습니다. 이 아이디어는 여러 저자들에 의해 이론과 상식으로 유포되었지만 시간이 지남에 따라 불신을 받았고 몇 가지 중요한 점 때문에 "신화"로 간주되었습니다. 이전에 이해한 "인종"의 개념은 오늘날 잘못된 것으로 간주됩니다. ; 식민지화로 인해 불균형 관계가 발생하고 오늘날에도 원주민과 아프리카 출신의 개인이 우리 사회에서 편견과 차별을 겪고 있기 때문에 거짓으로 판명 된 국가에서 인종 민주주의에 대한 아이디어가 만들어졌습니다. 이 개념은 토착민과 아프리카 민족이 각각 단일 문화에 속하는 것으로 일반화하지만 그들의 기원은 매우 다양하고 수많은 문화적 및 언어적 차이가 있습니다.
신화
일반적으로 시간의 원리를 언급하는 복잡한 내러티브 구조로 삶의 주요 사건에 대한 설명을 제공합니다. 그들은 종종 상징적인 방법으로 주기적으로 반복되는 자연의 사건을 나타냅니다.
상파울루 모더니즘
1920년대 브라질에서 시작된 현대 미술에 대한 제안과 관련된 운동입니다. 상파울루에서는 1922년 현대 미술 주간으로 표시되었으며, 여기에는 시각 예술(회화 및 조각)과 같은 다양한 언어의 예술적 표현이 포함되었습니다. , 문학과 음악. 그의 제안은 유럽 예술 선구자들의 문체 및 주제 혁신을 통합하는 것과 동시에 브라질 정체성 구축에서 예술의 역할에 대한 논의를 목표로 했습니다.
모노프린트
Mono는 하나 또는 단일을 의미하고 인쇄는 인상을 의미합니다. 따라서 모노프린트는 한 번만 인쇄할 수 있는 판화로, 여러 장을 복사할 수 없습니다.
모노타이프
이것은 디자인이나 색상을 한 번만 재현할 수 있는 일련의 인쇄 기술입니다(따라서 "모노타이프"라는 이름). 드로잉은 금속, 플라스틱 또는 유리와 같은 일시적인 매끄러운 표면에서 이루어집니다. 이 표면에 종이 한 장을 놓고 인상을 얻습니다.
신콘크리트 운동 또는 신콘크리트주의
1959년에 신콘크리트 선언과 함께 시작된 브라질 예술가들의 움직임. 그것은 예술과 산업을 더 가깝게 만들었던 1950년대의 콘크리트주의 기하학적 추상화를 수정하여 합리주의에 의문을 제기하고 주관성의 구조, 언어 실험 및 관객과의 화해를 옹호했습니다. . 참여 작가로는 Amilcar de Castro(1920-2002), Hélio Oiticica(1937-
1980), 리지아 클라크(1920-1988) 및 리지아 파페(1927-2004).
멕시코 벽화
José Clemente Orozco(1883 – 1949), Diego Rivera(1886 – 1957) 및 David Alfaro Siqueiros(1896 – 1974)는 1920년에서 1970년 사이에 멕시코에서 발생한 이 운동을 구성한 예술가입니다. 혁명(1910-1917) 이후 벽화가들은 멕시코의 혼혈 정체성을 높이고 노동자, 민중의 사회적 투쟁 및 콜럼버스 이전 문화를 중시하는 민족주의적 열망을 지닌 예술 및 문화 작품을 제안했습니다. 대중에게 다가가는 방법으로 이 예술가들의 창작물은 공공 장소에 배치된 기념비적인 규모의 벽화로 구상되었습니다.
박물관학
박물관을 언급하고 박물관의 이론적, 방법론적, 실용적, 기술적 측면을 통합하는 사회 및 응용 분야. 그것은 그룹이나 사회의 기억에 중요한 측면을 지닌 자연적이든 인공적이든 인간과 사물 사이의 관계 연구에 전념합니다. 따라서 박물관학은 박물관 컬렉션의 보존, 분류 및 발표와 관련된 일련의 과학적 지식을 구성합니다.
박물관
자연물이나 인공물과 같은 물질적 요소와 기억, 관습, 지식과 같은 비물질적 요소를 선택, 획득, 보존, 연구 및 대중에게 전시하는 기관으로 사회와 환경을 언급합니다. 박물관이 공개한 이 공개는 교육 및 연구와 관련된 교육 목적을 가질 수 있지만 여가 목적도 가질 수 있습니다. 따라서 그러한 기관은 수익성 있는 목적이 없으며 사회에 봉사합니다.
라사르 세갈 미술관
Lasar Segall(1899-1967)의 미망인 Jenny Klabin Segall(1889-1957)이 고안한 박물관입니다. 예술가의 아들인 Mauricio Segall(1967-1926)과 Oscar Klabin Segall(2017-1930)이 2002년에 제작했습니다. 현재는 브라질 박물관 연구소(IBRAM)의 일부입니다. 박물관의 사명은 Lasar Segall의 작품을 보존, 연구 및 보급하는 것입니다. 작가의 3.000점의 작품을 소장하고 있는 이곳은 연극, 오페라, 무용, 영화, 사진, 라디오 및 텔레비전 전문 도서관을 보유하고 있을 뿐만 아니라 판화, 사진 및 문학 창작 분야의 활발한 문화 활동 중심지를 구성하고 있습니다. Lasar Segall의 삶과 작업에 대한 광범위한 문서.
N
신표현주의
1960년대 중반과 1970년대 말 사이에 몇몇 예술가들은 작품, 특히 회화의 장인적 제작을 부정하기 시작했고 작품을 만드는 과정보다 아이디어와 개념이 더 중요한 작품을 만들려고 했습니다. 반드시 아티스트가 수행해야합니다. 이 운동은 개념 예술로 알려져 있습니다. 독일에서는 XNUMX년대
1980년은 XNUMX세기 낭만주의와 XNUMX세기 초부터 표현주의의 영향을 받아 독일 예술 전통을 재개하고 현실을 비판적이고 감정적으로 그리고 주관적이고 사회적, 환경적, 경제적 원인에 직면하여 정치적 입장을 제시합니다. 그의 그림은 예술을 이해하는 다양한 방식을 반영하는 표현을 옹호했습니다. 이탈리아에서는 이러한 아이디어가 캔버스에 부착된 모래, 짚 등의 재료와 혼합된 페인트를 사용하는 것으로 알려진 Transvanguarda 및 Arte Povera를 탄생시켰습니다.
새로운 형상화 또는 신형상화
1960년대 브라질 예술에서 추상화의 거부, 형상의 복귀에 대한 관심, 유머와 아이러니로 다뤄진 사회적 비판으로 특징지어지는 경향의 존재를 확인하는 용어. 팝 아트와 신사실주의의 영향으로 신구상 예술가들은 매스 미디어, 축구 아이돌, 광고 미학의 시각적 참조를 작품에 사용했습니다.
새로운 객관성
이 용어는 Gustav Hartlaub(1884 – 1963)가 이상화한 전시회의 제목으로 만들어졌습니다. 1925년 독일 뮌헨에서 일어났습니다. 그곳에서 발표된 작품들은 새로운 객관성과 관련된 제작물을 특징지었습니다. 그들은 비난과 사회 풍자의 어조와 부르주아 사회와 전쟁에 대한 비판을 공통적으로 가졌습니다. 브라질에서는 1967년 리우데자네이루 현대미술관에서 Nova Objetividade Brasileira의 개관전이 열렸다.
새로운 사실주의
프랑스 미술 평론가 Pierre Restany(1930 – 2003)가 주도한 운동으로 1960년 프랑스와 이탈리아에서 등장했습니다. 신실재론자들은 전후 북미 헤게모니, 기계, 대중 및 정보 문화, 광고, 일상 생활을
새로운 장치와 정치적으로는 냉전의 현실에 의해. 예술 작품에 실재 요소를 도입하여 예술 영역을 세계와 다시 연결하는 것입니다. 목표는 감정의 프리즘을 통해서가 아니라 그 자체로 인식되는 현실을 포착하는 것입니다. 일상에서 수집한 재료를 작품에 접목시키는 조립은 신사실주의의 주요 표현 수단이다.
O
꿈 같은
꿈에 대하여.
의성어
자연이나 기계의 소음과 같은 사물의 소리를 음소나 단어를 통해 모방하는 것으로, 일반적으로 서면 또는 음성 텍스트에 더 큰 표현력을 부여하는 데 사용됩니다.
Rosicrucian Order
회원과 인류의 정신적, 지적, 영적 향상을 추구하는 것을 목표로 하는 신비하고 철학적인 그룹. 그 이름은 XNUMX세기에 살았고 유럽에서 최초의 수도회를 설립했을 독일 수도사 크리스티안 로젠크로이츠(Christian Rosenkreuz)를 지칭하지만 장미십자회는 고대로 거슬러 올라가는 밀교 전통의 상속자라고 주장합니다.
오르피스모
이 용어는 그리스 신화의 시인이자 거문고 연주자인 오르페우스를 가리키는데, 그는 음악과 다른 예술의 융합 가능성을 상징합니다. 회화에서는 형태와 공간 구성을 분해하고 형상을 기하학화한 큐비즘의 맥락에서 등장한 경향으로, 로베르 들로네(Robert Delaunay, 1885-1941)가 가장 대표적이다. 감정을 전달하고 현대 세계의 움직임과 역동성을 시뮬레이션하는 수단으로 색상과 형태의 사용을 강조합니다.
오리샤
Candomblé 및 Umbanda와 같은 종교에 속하는 신 또는 신으로, 그 기원은 현대 시대에 노예가 되어 강제로 브라질로 끌려온 아프리카의 요루바족으로 거슬러 올라갑니다. 각 orixa는 자연의 특정 측면과 인간 사회 생활의 차원을 담당하는 영적 힘입니다. orixás는 인간화되어 있으며 각각 고유 한 성격을 가지고 있습니다.
오스왈드 드 안드라데
(1890년 상파울루 – 1954년 상파울루)
브라질 작가, 이론가, 모더니즘 운동의 조직자이자 1922년 현대 미술 주간은 브라질 문화의 가치를 추구하고 식민지 과거의 측면을 비판했습니다. 1886년부터 1973년까지 Tarsila do Amaral(1926 – 1930)과 결혼했습니다. 그의 텍스트 Manifesto da Poesia Pau-Brasil(1924)과 Manifesto Antropófilo(1928)는 상파울루 모더니즘의 시적 아이디어를 종합합니다.
P
문화 유산
사람이나 공동체의 표현, 성취 및 표현의 집합입니다. 그것은 거리, 가정, 춤과 음악, 예술, 박물관과 학교, 교회와 광장 등 다양한 장소와 활동에 존재합니다. 그것은 또한 하고, 만들고, 일하는 방식에 관한 것입니다. 그것은 일상의 일부이며 사회가 지키는 가치를 결정하는 정체성을 확립한다. 국가는 법률과 제도를 통해 문화 유산이 되고 공식적으로 보존될 특정 표현, 업적 및 표현을 선택합니다.
파투아
많은 사람들에게 악을 물리치는 역할을 하는 특정 유형의 부적. 아프리카-브라질 종교인 candomblé에서 patuás는 봉헌된 물건으로 사용되며 그 안에 그들이 나타내는 실체의 도끼(신성한 힘)를 지니고 있습니다.
페드로 알렉산드리노
(1864년 브라질 상파울루 – 1942년 브라질 상파울루)
정물화로 유명한 브라질 화가, 장식가, 기안가 및 교수는 리우데자네이루에 있는 제국 미술 아카데미를 졸업했습니다. 그는 또한 예술가 José Ferraz de Almeida Junior의 학생이자 Tarsila do Amaral과 Anita Malfatti의 교사였습니다.
흔들리는 추
고정된 점을 중심으로 진동하는 늘어나지 않는 끈에 부착된 일정한 부피의 몸체로 구성된 장치. 이 장치는 평형 위치라고 하는 중앙 위치를 중심으로 교대로 움직입니다. 진자는 물리학에서 힘, 무게 및 진동 운동 연구에 널리 사용됩니다.
예술적인 펜션
1912년부터 1931년까지 상파울루 정부가 유럽에서 기술을 향상시키기 위해 젊은 예술가들을 위해 수여한 장학금 프로그램입니다. 수상작가의 의무 중에는 장학금 기간 동안 개발된 작품을 상파울루주의 Pinacoteca에 기증하는 것이 포함되었습니다.
퍼포먼스
시각 예술, 연극, 춤, 음악의 측면을 혼합하는 예술적 행동이지만, 행동이 일어나는 환경을 포함하여 예술가가 수행하는 다른 요소와 역동성을 포함할 수도 있습니다. 일반적으로 아트 회로를 대상으로 하는 일종의 문서(비디오, 필름, 책, 사진)가 생성됩니다.
의인
품질이나 아이디어와 같은 추상적인 것을 나타내거나 닮은 개인 또는 사람의 이미지입니다.
원근법
평면에 XNUMX차원 요소를 표현하는 데 사용되는 기법으로 깊이, 두께 및 볼륨의 시각적 착시를 생성합니다. 기하학 및 광학과 관련된 수학적 원리로 구성됩니다.
예술 연구
특정 규범과 매개 변수를 존중하고 해당 분야에 대한 오래된 지식의 확인 또는 논쟁뿐만 아니라 새로운 지식의 발견을 목적으로 하는 연구, 조사, 관행 및 정보의 체계화와 관련된 일련의 활동 예술의.
회화주의
회화주의는 XNUMX세기 후반 유럽의 사진가들 사이에서 등장했습니다. 그것은 그림, 판화 및 그림과 유사한 사진 이미지를 만드는 것으로 구성되었습니다. 이를 위해 사진 작가는 종종 기성품 사진을 수동으로 변경했습니다. 당시의 많은 화가들은 이 떠오르는 예술적 사진을 위해 공간을 잃을까 두려워서
그의 작업은 사진의 기술적 한계를 전치시킨 수단에서 나온 것이다. XNUMX세기 초, 제XNUMX차 세계대전과 함께 회화주의 스타일은 쇠퇴하기 시작했습니다.
상파울루주의 Pinacoteca
상파울루 주에서 가장 오래된 시각 예술 박물관이자 가장 중요한 박물관 중 하나입니다. 그것은 건축가 Ramos de Azevedo가 프로젝트를 설계한 상파울루의 예술 공예 협회를 수용하기 위해 처음 지어진 건물을 차지합니다. Pinacoteca는 14년 1905월 1990일에 개장했습니다. XNUMX년대 후반에 건물은 구조적 보존과 적합성을 고려하여 복원되었습니다.
현대 시각 예술 박물관의 활동에 맞게 조정된 시설. 컬렉션에는 약 11점의 작품이 포함되어 있으며 주로 XNUMX세기부터 XNUMX세기까지의 브라질 예술 작품입니다. 그것은 상파울루의 문화 창조 경제 장관과 연결된 일련의 박물관학 기관을 통합합니다.
피나코테카 에스타상
Pinacoteca do Estado의 새로운 공간으로 2004년 1914월에 개관한 이 건물은 Ramos de Azevedo 기술 사무소의 건축 설계로 Estrada de Ferro Sorocabana의 사무실과 창고를 수용하기 위해 1939년에 지어진 건물에 있습니다. 1983년에 이 건물은 국무부 정치사회질서부(Deops)의 본거지가 되었습니다. 1997년 더옵스가 소멸한 뒤 소비자보호경찰서(데콘)에서 쓰다가 1997년 국가문화사무국으로 넘어갔다. 건물은 건축가 Haron Cohen에 의해 2002년부터 XNUMX년까지 광범위한 복원 작업을 거쳤습니다. 현재 이 건물에는 시각 예술 임시 전시 외에도 상파울루 저항 기념관, Walter Wey 도서관, 박물관의 문서 및 기억 센터가 있습니다.
재료 그림
제XNUMX차 세계 대전 이후에 발생합니다. 이것은 예술가가 건조 안료(예: 대리석 먼지, 모래, 흙 등)를 일부 액체 기반에 추가하여 조밀한 페인트 층과 깊은 양각을 형성하는 작업으로 구성됩니다.
형이상학적 회화
인간과 로봇의 중간 지점에 있는 마네킹과 같은 상징적 요소를 통해 조용하고 안절부절한 느낌을 주는 장면을 만들어 신비한 시나리오를 표현하는 회화 스타일. 이성적이고 고전적인 건축물을 통해 시대를 초월한 작품을 추구합니다. 1888년 '형이상학적 회화'라는 용어를 만든 Giorgio De Chirico(1978~1881)와 Giorgio Carrá(1966~1917)가 대표적이다.
시적
이 용어는 그리스어 포이에시스(poiesis)에서 유래했으며 무언가를 할 수 있는 지식의 능력과 숙달을 의미합니다. 따라서 시학은 원칙적으로 인간의 모든 생산물과 연관될 수 있습니다. 예술에서 시학은 예술가의 작품을 개별화하는 측면, 즉 그의 작품에서 작가의 개인 브랜드를 나타내는 특성으로 그의 스타일과 기술 숙달뿐만 아니라 주관적인 담론과 가치를 포함합니다.
팝아트
팝 아트를 참조하십시오.
첫 번째 계획
회화나 드로잉과 같은 XNUMX차원적 표현에서 평면은 표현된 요소의 각 레이어라고 불리며 관찰자로부터 멀어지는 것처럼 크기가 줄어듭니다. 이 요소들은 함께 원근감을 유발하여 이미지의 깊이에 대한 시각적 환상을 생성합니다. 전경은 보는 사람에게 가장 가깝게 보이는 레이어입니다.
R
기성품
기성품이라는 단어는 "기성품", "미리 만들어진 것"으로 번역 될 수 있습니다. 프랑스 예술가 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp, 1887~1968)이 일상적인 산업 물건을 예술 작품으로 표현한 그의 예술적 제안을 언급하기 위해 사용한 용어입니다. 이미 존재하는 오브제를 차용하여 예술적 의미를 부여하는 이러한 태도로 작가의 작업은 오브제를 만드는 것이 아니라 정신적인 행위로 간주하게 되었다. 그의 첫 번째 기성품(1912)은 스툴에 장착된 자전거 바퀴였습니다. 일반적으로 미학적 가치가 없는 조립식 실용적인 물건을 선택하고 이를 예술적 회로의 맥락으로 전이함으로써 작가는 예를 들어 예술 작품으로 간주되어야 하는 것을 정의하는 예술 시스템과 그 작동 규칙에 대한 비판을 제안했습니다. 또는 예술가였던 사람. 폰테(Fonte)라는 또 다른 기성품의 이야기는 이러한 생각을 잘 보여줍니다. 뒤샹은 익명으로 “R. Mutt”는 1917년 뉴욕의 독립 예술가 살롱을 위해 당시 독특한 물건으로 간주되고 예술가로 간주되는 사람의 손에 의해 의무적으로 만들어진 예술 작품의 상태에 대한 질문을 제기했습니다.
사실주의
넓은 의미로는 자연과 세상을 모사하는 기법을 통해 예술작품에 착상된 현실을 눈으로 보면 자연스럽게 보인다고 믿는 바에 따라 현실을 표현하는 것을 말한다. 리얼리즘은 XNUMX세기 프랑스에서 등장한 예술 운동의 이름이기도 하며, 이상화나 감상주의 없이 인간과 사회 전체를 묘사할 것을 제안합니다. 따라서 예술가의 작품에서 다루는 주제는 귀족과 외모와 관련된 주제를 넘어 일상적인 사건과 예를 들어 육체 노동자, 농민, 화가, 심지어 거지와 매춘부의 표현과 같은 사회의 가장 낮은 계층을 포함하여 확장되었습니다. .
레나센카
XNUMX세기에서 XNUMX세기 사이에 이탈리아에서 일어난 문화운동으로 고대 그레코로만의 미적 가치와 사유를 회복하는 것을 목표로 했다. 시각 예술에서 그의 발전은 해부학 연구 및 표현의 숙달과 깊이의 시각적 환상을 만드는 원근법의 사용으로 표시되었습니다. XNUMX세기에 전성기를 맞이하여 서유럽의 다른 지역으로 확장되었습니다.
자연주의적 표현
현실에 가까운 이미지를 만들기 위해 고대 그리스에서 XNUMX세기 말까지 서양 예술 전체에 깊은 인상을 남겼던 표현입니다. 그는 매우 신중하고 상세한 관찰을 통해 자연의 형상과 형태를 표현하고자 했습니다.
주문으로 돌아가기
예술가들이 Artistic Vanguards(표현주의, 야수파, 입체파, 등은 작가의 수공예 작품을 소중히 여기지만 아방가르드의 맥락에서 정복된 형식적 해결책을 일부 보존하면서 조형적이고 지역적인 특성을 지닌 제작을 통해 작품에 새로운 색상, 형태 및 주제를 도입했습니다. .
초상화
한 명 이상의 사람을 나타내는 이미지(개인 또는 그룹 초상화일 수 있음)로, 일반적으로 얼굴에 초점을 맞추어 거기에 있는 개인의 정체성에 대한 표현적이고 특정한 측면을 강조합니다.
시각적 리듬
시각적 리듬은 작가가 작품을 구성하기 위해 선택한 다양한 유형의 시각적 요소의 반복과 교대로 형성되며 이들 간의 조화로운 관계를 입증합니다.
로버트 들로네
(1885년 프랑스 파리 – 1941년 프랑스 몽펠리에) 그는 추상 회화의 선구자 중 한 사람이었습니다. 큐비즘 운동에 참여
모양과 원근법의 공간 구성을 수정하고 도형의 기하학을 사용했습니다. Delaunay는 에펠탑을 포함한 입체파 시리즈로 유명했습니다. 그는 강렬한 색상과 기하학적 모양을 사용하는 것으로 알려진 운동인 오르피즘의 가장 위대한 대표자 중 한 명이었습니다.
로버트 라이먼
(미국 테네시, 1930 – 뉴욕, 미국, 2019) 뉴욕에 거주하며 작품으로 알려지게 된 미국 화가
흰색 바탕에 흰색으로 칠해진 추상. 작가는 표현의 환상을 만들려고 하지 않고 자신의 구성에 사용된 재료를 강조하는 데 관심이 있는 사실주의의 한 형태를 옹호했습니다.
S
삼바 찬양
삼바 장르는 1939년 Ary Barroso(1903 – 1964)의 Aquarela do Brasil이라는 노래로 시작되었습니다. 브라질의 문화와 자연을 포괄적인 방식으로 칭송하는 화려한 구성이 특징입니다. 그것은 Estado Novo의 민족주의와 그 시대에 수출을 추구했던 국가의 이미지와 일치합니다.
22주 또는 현대 미술 주간
11년 18월 1922일부터 XNUMX일까지 Teatro Municipal de São Paulo에서 열린 행사의 주요 목적은 문학, 시각 예술, 건축 및 음악을 다루는 도시 예술 및 문화적 맥락에서 예술적 생산의 갱신 및 변형을 제시하는 것이었습니다. 국가적 반향이 커서 브라질 모더니즘의 랜드마크로 꼽힌다.
센시빌리다드
그것은 감정과 가치뿐만 아니라 상상의 정신 분야를 포함하는 느낌과 창의성과 관련이 있습니다.
세르히오 로마뇰로
(브라질 상파울루, 16년 1957월 XNUMX일) Fundação Armando Álvares에서 공부한 브라질 교사이자 예술가
그의 연구의 일부는 자동차, 건물, 비행기, 카메라, 카메라, 비디오 및 쓰레기통.
셰이커
Shakers 운동(1774년 미국에서 설립)은 Lisette Lagnado와의 인터뷰에서 그가 뉴욕에서 열린 Shakers 디자인 전시회를 방문했을 때 깊은 감동을 받았다고 밝혔던 브라질 예술가 Leonilson에게 큰 영향을 미쳤습니다. Shakers에게 미학은 윤리와 불가분의 관계가 있으므로 그들이 생산하는 모든 것은 "실용적인 것이 아름답다"는 생각에 따라 결정됩니다. 셰이커 공동체는 XNUMX세기 말에 미국 영토에서 영국 여성 앤 리에 의해 설립되었습니다. 모든 재산은 자급 자족 경제에 기반한 집합적이었습니다. 모든 가구, 도구 및 생산 수단은 자체 사용 또는 외부 판매를 위해 커뮤니티에서 수작업으로 제작되었습니다. 예를 들어 장식과 같은 외부 장식을 추가하지 않고 모든 것이 단순해야 했습니다. 모든 개체는 완벽, 순도, 질서, 단순성, 내구성, 기능성 및 유용성의 개념에 따라 컨텍스트 및 목적과 일치해야 했습니다. 색상 사용은 코드화되었습니다: 침대, 회색; 베개, 개별 색상, 부분 인쇄 또는 글자; 담요와 이불, 파란색과 흰색. 물건의 사용가치를 소중히 하여 생산되는 각 품목은 "실용성이 아름다움", "단순함이 순수함과 통일성을 구현한다", "질서가 지배하고 쓸모없는 형태는 추방되어야 한다"와 같이 완벽해야 했습니다.
기호
존재, 사물 또는 추상적인 생각을 나타내는 도형 관습이나 형식적 또는 기타 유추의 원칙에 따라 무언가를 대체하거나 암시하는 것.
대칭
대칭축은 도형을 반으로 나누어 두 부분으로 나누어 한 쪽이 다른 쪽과 같도록 만드는 선입니다. 즉, 마치 거울처럼 다른 쪽을 반사합니다.
사이트 별
"특정 장소를 위해"를 의미하는 영어 표현으로 특정 공간을 위해 작품이 만들어지는 현대 미술의 일반적인 표현을 나타냅니다. 특정 환경을 형성하는 다양한 유형의 재료로 고안된 일종의 예술적 개입으로 구성됩니다. 이들은 계획된 작품이며 일반적으로 문화 기관의 초청으로 만들어지므로 요소가 삽입될 환경 및 건축과 대화합니다.
겹치다
사물이나 이미지를 다른 것 위에 놓는 행위.
가부장적 사회
성인 남성이 일차적인 권력을 잡고 정치적 리더십, 도덕적 권위, 사회적 특권 및 재산 통제의 역할을 지배하는 사회, 즉 사회적 관계에서 남성 우위가 우세한 사회. "가부장적"이라는 용어는 "가부장제"에서 파생되며, 이는 다시 그리스어 pater에서 유래합니다. 이 용어는 유대 사회의 지도자 자격을 갖추기 위한 목적으로 히브리인들에 의해 사회 조직에서 인간이 우세하다는 의미로 처음 사용되었습니다. 그러나 헬레니즘 그리스인들도 이미 이 용어를 언급했는데, 이는 여성이 남성 만족의 대상으로 인식되어 결과적으로 열등하다고 판단되었기 때문입니다. 가족 영역에서 아버지(또는 아버지상)는 여성과 어린이에 대한 권위를 유지합니다. 역사적으로 가부장제는 다양한 문화의 사회적, 법적, 정치적, 경제적 조직에서 그 모습을 드러냈습니다.
친근대미술학회 – SPAM
Tarsila do Amaral(1886 – 1973), Lasar Segall(1889 – 1957), Paulo Rossi Osir(1890 – 1959), Paulo Mendes de Almeida(1905-1986)와 같은 지식인과 예술가들이 설립한 1932년에서 1934년 사이에 상파울루에서 현대 미술을 홍보했습니다. SPAM은 예술가가 직접 디자인하고 만든 패널과 의상으로 카니발 무도회뿐만 아니라 전시회, 강연, 콘서트 등 다양한 활동을 진행했습니다.
현상 유지
"사물의 상태"를 의미하는 라틴어 어원의 표현. 주어진 사회, 집단 또는 사회 계층에서 보존된 과거의 사회적 및/또는 문화적 요소를 나타내는 데 사용됩니다.
까치발
시각 예술 작업을 수행하는 데 사용되는 표면. 예를 들어 회화에서는 나무, 캔버스, 직물 또는 종이 등 여러 가지 재료로 만들 수 있습니다.
초현실주의
정신분석가 지그문트 프로이트(Sigmund Freud, 1924-1896)의 사상에 영향을 받아 1966년 프랑스 작가 앙드레 브르통(1856-1939)이 시작한 유럽의 문학 및 예술 운동. 그는 작품이 이성의 통제를 벗어나 자발적이고 자동적인 생각의 표현에 의해 생산될 것을 제안했습니다. 그는 예술 창작에서 꿈, 무의식, 욕망, 기회의 역할을 강조했다. 그는 도덕적, 정치적, 과학적, 철학적 가치의 갱신을 설교했습니다. 확장하여 이 용어는 이 운동에 참여하지 않았지만 이러한 원칙과 친근감을 나타내는 예술가들의 작품과 관련하여 사용되기도 합니다.
T
주제
예술 작품에서 다루는 주제; 작가의 해석 결과.
지역주의 테마
특정 지역을 특징 짓는 테마 채택.
내러티브 성향
실제 또는 가상의 사건 또는 일련의 사건을 단어나 이미지를 통해 노출하여 이해할 수 있는 순서를 구축하는 경향.
신지학
자연과 인간에게 나타나는 진리에 대한 탐구를 원칙으로 하는 일련의 철학적, 종교적 교리. Theosophical Society는 러시아인 Helena Blavatsky(1875 – 1831)에 의해 1891년 뉴욕에서 설립되었습니다.
영토
일반적으로 권력과 소유권 관계에서 정의된 지구 표면의 공간적 확장인 영역과 관련된 용어입니다. 영역의 정의는 공간의 사회적 사용에 대한 현대적 논의와 함께 확장되었습니다. 인간과 그들이 살고 있는 환경과의 관계의 복잡성을 고려할 때, 영토는 주어진 공간의 경계로 이해될 뿐만 아니라 개인 간, 그리고 이들과 정치적, 경제적, 문화적 관계의 역동적인 집합으로 이해됩니다. 변수.. 따라서 개념을 확장하면 국가, 주, 도시, 지구 및 이웃으로 공식적으로 인정되는 영토뿐만 아니라 브라질 도시의 비정규 직업에서 발전한 공동체 관계의 경우처럼 공식적으로 인정되지 않는 영토도 식별할 수 있습니다.
탁월한
넘어가는 것, 일정 수준 이상으로 올라가는 것, 삽입되는 한계를 넘는 것, 구체적이거나 경험적인 경험의 한계를 넘는 것
이탈리안 트랜스밴가드
이 용어는 Achille Bonito Oliva(1980)가 저술한 A Transvanguarda Italiana라는 책이 출판된 1939년 이탈리아에서 나타났습니다. 주로 회화적, 조각적 작품을 제작하는 작가를 말하며, 다양하지만 강렬한 색채 사용, 강렬한 붓놀림, 형상의 존재감 등의 특징을 공유하며, 자연의 요소와 인체의 존재감을 강조한다. . Transvanguard는 그림에 존재하는 폭력적이고 감정적인 측면으로 인해 신 표현주의와 같은 경향을 포함하여 다양한 예술 시대와 운동의 특성을 결합합니다.
트로피칼리아
1937년 리우데자네이루 현대미술관에서 열린 Nova Objetividade Brasileira 전시회에 출품된 Hélio Oiticica(1980-1967)의 작품명. 보는 사람의 감각(촉각, 시각, 청각, 후각)이며 모래, 식물, 시 및 작가의 기타 작품을 포함하여 열대 아이디어와 브라질 문화의 문제화를 참조하는 여러 요소로 구성된 미로 같은 환경으로 구성됩니다. 트로피컬리즘은 1960년대 후반 음악계에 퍼진 문화 예술 운동으로, Gilberto Gil(1942), Tom Zé(1937), Caetano Veloso(1942)와 같은 가수와 작곡가가 있었습니다. José Celso Martinez Correa (1937)와 같은 극작가와 함께 극장에서; Glauber Rocha (1939-1981)와 같은 영화 제작자와 함께 영화에서; 그리고 시에서도.
V
뱅가드(예술적 뱅가드/유럽 뱅가드)
말 그대로 avant-garde(프랑스어 avant garde, "advanced guard"에서 유래)는 전투 중 공격을 받는 군대의 선두에 배치되는 군대를 의미합니다. 이것으로부터 아방가르드는 "앞에 있는 것"이라고 추론됩니다. 예술 분야에서 "예술적 선봉대"라는 용어는 미술 아카데미 및 예술에서의 표현 형식과 관련된 고전적인 예술적 교훈과 관련하여 급진적인 변화를 제안하는 예술적 및 문화적 운동과 개념을 나타냅니다. 전위는 세계에 대한 새로운 개념과 새로운 예술적 코드를 가리키며, 예를 들면 1960세기 초 유럽의 전위(큐비즘, 다다이즘, 표현주의 등)와 1970년대와 XNUMX년대의 전위가 있습니다.
볼 루타
조개껍질과 같은 자연의 요소에서 파생된 나선형 모양으로 장식품으로 자주 사용됩니다.
