피나코테카 – 끝의 모양: 피나코테카 컬렉션의 조각품

전시회는 다음과 같은 화가들의 얼굴을 본따 만든 호기심 많은 데스마스크 컬렉션에서 시작됩니다. 알메이다 주니어 e 페드로 알렉산드리노 — 예술가가 시간과 경험을 다루는 방식을 조사합니다. 40세기부터 현재까지 약 XNUMX개의 조각품을 한데 모은 이번 전시는 언어를 성찰하고 피나코테카 컬렉션의 기본 작품을 보고 검토할 수 있는 기회입니다.

전시장에 들어서면 브라질 바로크 시대의 작품과 함께 작가 미상이 십자가에 못박힌 그리스도를 표현한 12세기 중세 조각상을 만나게 된다. 다음은 죽음의 가면과 청동 조각품입니다. 브레쉐레 e 리우바 울프.

그 중에는 흑인 여성과 남성을 '브라질 유형'으로 표현하려는 20세기 초 예술가들의 시도가 있다. 이번 전시회에 대한 연구가 시작될 때까지 이 조각품 중 하나만 이름이 있었습니다. 마리아 다 글로리아 (1920년에서 1988년 사이), 루이스 모로네. 이 제목의 유래를 분석하는 연구에서 팀은 조각품 모델의 이름을 찾았습니다. 호세 쿠세, 이리나 – 이제 작품 제목의 일부가 됩니다.

시작

"끝의 모양"은 13점이 넘는 작품을 보유한 피나코테카의 XNUMX년 된 컬렉션을 보고 탄생합니다. 이 중 거의 천 개가 상설 전시의 일부입니다. “피나코테카: 컬렉션”.

컬렉션을 새로운 연구 및 수집을 위한 플랫폼으로 생각하면서 피나코테카에 있는 조각품 컬렉션에 대한 관심이 생겼고, 그것이 어떻게 형성되고 시간이 지남에 따라 개발된 눈에 띄는 특성이 무엇인지 이해하려는 노력이 필요했습니다. 큐레이터들은 컬렉션에서 반복되는 내용을 바탕으로 담론을 구성하면서 이러한 역사적 경향을 이해하려고 노력했습니다.

PLAYS

<The Shape of the End>의 가면 중 하나는 작가의 가면이다. 알메이다 주니어, 19세기 브라질 예술의 가장 중요한 이름 중 하나이며 그의 작품은 피나코테카 컬렉션의 기초가 되었습니다.

자연과 포도나무의 죽은 뿌리 (2015 – 2013), 부터 아드바니오 레사, 죽은 물질에 새로운 의미를 부여하고 예술을 통해 살아있는 것으로 변화시킵니다. 시간의 다양한 차원에 형태를 부여하는 조각품 동물 – 해시계 (1960)에서 Lygia Clark, 유신 (2022)에서 카시아 보르헤스, 날씨 도구 (2021)에서 호세 아다리오, 그리고 성능 통로 (1979)에서 셀레이다 토스테스, 삶과 예술 활동을 순환적인 방식으로 이해하도록 제안합니다.

마르시아 파스토레의 조각품 e 후디닐슨 주니어 (1980년대)에서는 신체의 일부나 옷의 조각이 공간에 물질화되며, 그 존재에 대한 섬세한 기록이 세계를 질서화하는 것으로 강요되지 않는다. 의 유명한 작품 월터시오 칼다스, 미학적 감성 (1977)은 이러한 존재와 예술에 대한 우리의 경험을 이해하는 단서입니다. 신발 한 켤레가 형태 앞에 떠 있는 것처럼 보입니다. 이는 우리를 움직이는 무언가 앞에 존재하는 방식, 이를 통해 우리의 감정을 이해하는 방식입니다. 대화를 통해 우리 자신을 관계에 두는 방법을 탐구하고 이를 통해 우리의 미래를 상상해 보세요.